domingo, 29 de septiembre de 2013

Sin...


La música es una cosa amplia, sin límites, sin fronteras, sin banderas.

Leon Gieco

Hablar



Impresionante documento gráfico el ofrecido por el dueño, la dueña o los dueños y dueñas del garito en el cual, conscientes de la pérdida de uno de los grandes logros de la humanidad, la comunicación hablada intentan ir contra corriente y niegan el WI-FI como derecho supremo de las nuevas formas de vida involucionadas para intentar que recuperen esa costumbre antaño habitual hoy en día excepcional.
Creo que lo tienen crudo porque el ser humano ya no habla, más bien rebuzna, muge o bala según las distintas categorías por condicionante social y se apega a la pantallita (sea la que sea) para poder comunicarse, o al menos eso cree, en el nuevo lenguaje universal, La Nada.

Hablar no está de moda, gritar, aspaventarse, gruñir o manipular como locos con un dedito o dos o tres lo que sea sí, eso va bien pero hablar está anticuado, no es chic. No hay nada que decir, nada que contar, nada que descubrir, para eso ya están los mensajes cifrados, los instantes recogidos en pequeños monitores que nos mantienen al día y nos permiten saber en tiempo real el polvo de la tal con el cual, los cuernos del tal-tal con el cual-tal, la diarrea mental de uno y la idiosincrasia efervescente de la otra, la última hostia del colega de turno y el careto de ganso del que tenemos al lado.
Lo de las emociones, los sentimientos, esas pequeñas cosillas que se dicen, se susurran, se aplican desde el intelecto a la voz son chorradas que no sirven para nada, ya se sabe, se supone o se busca en la página tal del buscador cual y así quedas la mar de bien, pero lo de mirar a los ojos, acariciar una mano y decir lo que realmente se piensa es aburrido y no lleva a ningún lado.

¿Hablar? de qué, ¿de lo que nos pasa, sucede o acontece? no mola, puedes disturbar el momento de éxtasis trascendental del último wasapppppppppppp, o ese fogonazo que desprende la última majadería al uso, las palabras surgidas por el momento de estar para expresarse son lanzadas al viento sin ninguna causa aparente y eso molesta.
No sé dónde se encuentra el bar del cartel, me gustaría ir porque sería reconfortante hablar con el camarero, la camarera, el dueño o la dueña, seguro que estaríamos solos y algo saldría o como mucho algún pirado más que pierde el tiempo en esas banalidades como entablar una conversación, interesarse por lo que realmente es importante y nos rodea pero no en las décimas de segundo de un mensaje, sino en los minutos, horas... de unas palabras que surgen de la garganta y llevan la emoción de quien las dice.

Yo soy de hablar, así me va claro, pero al menos observo y disfruto cuando no hablo porque estoy solo sin maquinitas ni WI-FI a los que se empeñan en decir cosas sin hacerlo, una forma como otra cualquiera de escuchar sonidos dispares en esta involución que nos lleva.

sábado, 28 de septiembre de 2013

De Vinilos y Otras Glorias DCCCXXII

Cuando se habla de desconocidos puede ser que no los conozcamos o que no se conozcan, por eso a veces uno se sorprende con cosas que parecen increíbles.


Airbus (Test Flight) 1970-1972


Si rizamos el rizo de lo curioso el caso de Airbus puede llevarse algún que otro premio. No estamos hablando de un grupo de ningún país alejado del mapa, los músicos eran ingleses con lo que eso conllevaba en la época, pero cuando la fortuna no está de tu lado ni la partida de nacimiento puede hacer nada.
Un grupo que nunca tocó en directo, nunca consiguieron grabar canciones para álbumes que fueran editados y que durante su existencia, ese período del 70 al 72 estuvieron sacando temas  en el estudio de grabación sin ir más allá porque ninguna casa de discos apostó por ellos.
Este "Test Flight" es una recopilación de esos temas que se han mantenido en el anonimato hasta hace dos días, una increíble colección de maravillosa Música absurdamente olvidada e inexplicablemente perdida en su momento.
Pop Rock de nivel, pero de altísimo nivel, comparable con mucho de lo bueno que se hacía en esos años, composiciones exquisitas, bellísimas y muy bien elaboradas, ya no digamos interpretadas porque los músicos están de dulce, plasmando en grabaciones un talento que se percibe por todos lados, algo increíble. 
Temas que oscilan todos entre los dos minutos largos y los tres para deleite del paladar más exigente, voces tremendas y conjuntos corales mejores aún, letras con mensajes inteligentes y melodías que te elevan a los sueños, un disco tan fácil de escuchar como de conseguir que se te meta hasta dentro, porque son temas que tienen todo lo necesario para llevarte al infinito, hacerlos tuyos y disfrutarlos un millón de veces.
Lo incomprensible de casos como Airbus es que aún hoy están vigentes estos sonidos por la calidad que atesoran, son canciones tan completas que no se entiende su ostracismo pero como todo en esta vida, los hay que... y otros no pasan de los sueños, aunque en este caso se hayan podido rescatar para deleite de los que aún podemos disfrutar de Música como esta, un latigazo a los sentidos de maravillosas sensaciones.
Escucha a Airbus y disfruta, que es de lo que se trata, pero además hazlo con la calidad de una Música hecha con el alma.

SIDE ONE:  Back on the street again;  Whithout a second word;  Every day Is like saturday;  Windmill hill;  Living on borrowed time;  Susana in the summer;  I'm about to lose my mind
SIDE TWO:  Alias Oliver Dream;  Walking the silver hay;  It's only human;  Do you need someone in your life;  I think I'll stay;  This time tomorrow;  Hurry on home to London

De Vinilos y Otras Glorias DCCCXXI

Damos un vuelco en el mapa para no pagar mucho transporte y nos vamos más allá de los océanos, porque donde hay siempre nos gusta recoger.


Spectrum (Geraçao Bendita) 1971


Lo absoluto no suele salir bien, por eso cuando se dice, se piensa o se comenta que algo, alguien o muchos son lo mejor de... siempre prefiero referirme a gustos personales, porque para eso los colores.
En el caso en el cual nos encontramos podríamos decir que "Geraçao Bendita" es el mejor disco de Psycho hecho en Brasil, pero diremos que es uno de los mejores discos porque además con los inmensos autores que pululaban por esas tierras la calidad no se puede establecer en esos términos.
Spectrum es un grupo formado como proyecto en un estudio de grabación para crear la Música de una película sobre la comunidad hippie de "Nova Friburgo" (Río de Janeiro) de la cual eran también protagonistas (Toby, Fernando, Caetano, Serginho y David) y de ese proyecto salió este disco de alto voltaje donde las guitarras eléctricas se empeñan en quemarte la piel a base de fuzz, wah-wah y efectos, realmente salvajes y sorprendentes, pero al mismo tiempo dejan la emoción en susurros y belleza cuando componen temas en base a acústicas dulces y melodiosas, teclados y efectos envolventes y delicados y cantan en su lengua materna que alternan en otros temas con el inglés.
Un disco precioso tan emotivo como oscuro si se puede pensar así ya que en su día fue censurado y absolutamente prohibido, por lo que no deja de ser un documento de otros que iban contra corriente de todo, pero cuyo talento no pudo ser acallado. El único pero que le pongo a esta joyita es la duración, media hora para un trabajo que me deja el regusto de escuchar como cincuenta más por lo que dan, entregan y sale de esos corazones que sienten lo que hacen ¡¡¡y de qué manera!!!
Las voces son magistrales, tanto las solistas como los coros que rompen el silencio en los distintos temas, las guitarras ya hemos comentado, algo para agarrarse, esas acústicas delicadeza y abrazos, unos arreglos que se suben a las nubes y en conjunto un pedazo de disco que deja pero que muy tranquilo tras su escucha.
Es lo que tiene, que donde menos te lo esperas surge ese alma que te hace dejar de pensar en lo que no debe ser y enamora con sonidos como estos.

LADO A:  Quiabo's;  Mother nature;  Trilha antiga;  Mary You Are;  María Inmaculada;  Concerto do pantano
LADO B:  Pingo é letra;  15 years old;  Tema de amor;  Thank you my god;  On my mind;  A paz, o amor, voce

De Vinilos y Otras Glorias DCCCXX

Vamos desgranando etapas de lo más florido del desconocimiento humano (¡¡así nos va!!) de modo que preparados para una andanada de alto voltaje.


Jokers (Jokers) 1972


Luchando contra todo lo establecido, más allá de la razón y jugándose la propia vida se realizó este disco de Jokers, un grupo iraní que en su Teherán natal tuvieron los bemoles suficientes para plasmar en formato de disco las ideas y aquello que amaban, la Música.
Un fogonazo de buen Blues Rock, ramalazos de Hard y mucha jam, sobre todo libertad a la hora de exponer lo que sentían y les salía del alma.
Me resulta emocionante enfrentarme a la Música cuando se hace así, por encima del bien y del mal, de todo lo que no es ni debería ser y sin embargo es capaz de salir a la luz de manera honesta, emocional y bella, porque todo lo que se escucha aunque sea por lo que es se convierte en bello, pero además el disco destila honradez y ganas en cada surco, cada golpe de batería y solo de guitarra, cada estrofa desgarrada y gritos elevados al viento.
La grabación no es como debiera, el sonido adolece de muchas cosas y me meto de nuevo en la piel de esos tipos que conozco y necesitan expresarse a pesar de todo, pero es que aquí ¡¡se estaban jugando la vida!! y en las entrañas de la ciudad hacían esto ¡¡vaya cojones, rediéz!!
Power Trío salvaje, demoledor y abrasador con una voz que hiela la sangre en las venas a cargo de Vaheed que estalla en oleadas de furia cantando de manera descomunal y cuando se pone a la guitarra es simplemente brutal, solos imposibles, más y más al más puro estilo de los Bluesmen eléctricos y rockeros que nos gustan, acompañándose a veces la voz con las seis cuerdas y rompiendo la guitarra cuando puede en esos solos que no tienen fin.
Comran le da un tratamiento de tercer grado al bajo, lo mejor que se escucha de la grabación, golpeándolo con furia y siguiendo la pauta marcada por esas seis cuerdas demenciales; Afshin se encarga de patearte las entrañas, el culo y lo que venga con la batería, tremendo su trabajo en continuo golpeo para no dejar nada en pie.
Cuatro temas enormes, Blues, Rock y Hard de quilates, tres temas en la cara A y una animalada de jam en la B que se lo come todo "Jokers Theme" (que no deja de ser un homenaje a Rory, a... todos) en la cual te vienen a la memoria demasiados mitos, demasiados héroes, demasiadas cosas que nunca pasan porque la Música es eterna.
Jokers es una manera tan primitiva como libre de entender la Música, porque cuando en algo de lo que se hace te va la vida el alma se deja sin condiciones y estos chicos lo hicieron dando una lección de cómo se ama lo que se siente.
Si quieres entender por qué no es tan fácil ser como muchos son escucha Jokers porque se comprenden demasiadas cosas cosas.

SIDE A:  Going Away;  Southern Blues;  All Wrong
SIDE B:  Jokers Theme

De Vinilos y Otras Glorias DCCCXIX

Una vuelta por el mundo, no porque nos guste viajar, que nos gusta y mucho sino por aquello de saborear las delicatessen que la Música ofrece en espacios sin límites ni fronteras.


3 Hür El (3 Hür El) 1972


Ya lo sé, me repito más que el ajo blanco, pero bueno mientras sea en lo que nos lleva y por decir las maravillosas visiones de esto que amamos y se llama Música no me importa. Es cierto, sí, de nuevo tengo que decirlo, la Música no tiene fronteras, no sabe de países, razas ni payasadas varias cuando el talento emerge y sale lo que los creadores sienten y en este caso volvemos a encontrar otro ejemplo ¡¡y vaya ejemplo!!
"3 Hür El" es el álbum debut del grupo homónimo que desde su Turquía natal nos traen esta joya de proporciones inmensas de Folk Rock con aires Psycho mucho antes que todo eso de lo étnico y demás estupideces sacadas por los popes de las ventas se pusiera de moda.
Un grupo con una calidad inmensa, de los pocos en esas tierras que basan todo su repertorio en canciones propias, tremendos juegos de acústicas que te acarician la piel, voz aterciopelada que hace sentir la lengua turca como un susurro y maravillosas percusiones con aires tradicionales simplemente mágicas, porque hay que tener mucha sensibilidad para tocar así algo que lleva los ritmos y te eleva hasta el infinito.
Un trío de músicos, hermanos ellos (Onur Hürel, Haldun Hürel y Feridun Hürel) que se lo comían y se lo guisaban solos, espectaculares composiciones con aires orientales y cuando quieren y desean cercanas emociones de eso que se llama mundo y que ocupa el universo musical. También hay espacio, no mucho porque no lo necesitan para las guitarras eléctricas, pero especialmente la percusión, el bajo y las acústicas llenan el espacio, la voz va desgranando momentos de orgías sensoriales que te llevan muy lejos y ese Folk Rock se te mete en las entrañas sin poder evitarlo.
Cambios de ritmo a golpe de tablas, tambores y timbales, idas y venidas a punto para las danzas ancestrales y momentos de calma excepcionalmente bellos cuando todo parece un susurro que se siente en la piel resbalando como sólo hace la Música cuando te posee como un amante a punto de hacerte el amor.
Un disco para saborearlo desde la primera nota hasta la última, precioso, sensual y simbólico, una verdadera delicatessen que hay que degustar como un manjar.

A:  Ask Davasi;  Ve Ölum;  Haram;  Gurbet Türküsü;  Anadolu Dansi;  Lazoglü
B:  Madalyonun ters yuzu;  Diday dom;  Kara yazi;  Gül'e ninni;  Ölúm al beni;  Pembelikler

¿Al Cielo? 2


¿Al Cielo?


De Vinilos y Otras Glorias DCCCXVIII

Algo desconocido pero que no por ello (y también nos repetimos pero es que es así) falto de calidad como se demuestra con la obra que nos acompaña.


Triade (1998: La Storia Di Sabazio) 1973


Los florentinos Triade deben su nombre en el Prog. italiano (para los que lo siguen y se empeñan en buscar pequeñas obras de arte escondidas) a este álbum, único en su trayectoria y principio y final de la banda, un trabajo de más mérito del que parece y que resulta curioso que nunca haya tenido el reconocimiento que se merece, aunque realmente esto ni es nuevo ni sorprende por lo repetitivo.
"1998: La Storia Di Sabazio" es un álbum con cuatro temas, aunque en este caso no se trata de un disco conceptual parezca o no el caso por el título, es una obra casi instrumental en el cual el trío formado a la usanza de algunos grandes del Prog. (bajo, batería y teclados con alguna guitarra residual) nos deja unas canciones de pura armonía, guiños constantes al Prog. basado en la Música clásica con una complejidad evidente y cambios de ritmo estructurales constantes.
Una profusión de teclados que son los sonidos que marcan la pauta, especialmente el piano en las partes más tranquilas, melodiosas y serenas del álbum y el órgano cuando el ritmo nos lleva y envuelve los ambientes (ciertas variantes Bacherianas y toques de órgano eclesiástico para dar solemnidad) mientras que la sección rítmica lleva el peso sin problemas, especialmente los ritmos de la batería que entra y sale de los temas sin ningún pudor.
Clásico y evidente, bello y emotivo, la primera cara toda ella instrumental se la lleva la suite "Sabazio" con la estructura típica de constantes cambios de ritmo y solos instrumentales sin cesar. En la segunda cara nos encontramos con tres temas en los cuales aparece la voz y alguna pieza de guitarra clásica como "Espressione", bella melodía al piano y acústica, "Caro Fratello" un tema duro y seco que cambia radicalmente la dinámica del álbum para terminar con "1998 (millenovecentonovantotto)"
Un disco para paladares Prog. exigentes y clásicos, especialmente a los que les gusta (en mi caso casi todo, pero esto me lleva...) esos momentos de inspiración que transportan a épocas pasadas contando historias que ayudan en el viaje.
Agostino Nobile voz, bajo y guitarra. Vincenzo Coccimiglio teclados. Giorgio Sorano batería.

"Sabazio era il primo. Quello buono. 
Poi dalla terra sono spuntati i ricchi di Paranoia de Cesare a Hitler tutti affossati. 
Sabazio è ancora dappertutto ricco di profondità vede con sei occhi un Universo."


De Vinilos y Otras Glorias DCCCXVII

Una artista muy especial en un momento y una Música donde ellas no estaban y no por talento por supuesto, como atestigua esto que nos visita.


Jenny Sorrenti (Suspiro) 1976


A pesar del talento de Jenny el apellido siempre ha sido demasiado peso sobre todo si se es hermana de un mito del Prog. italiano, pero tanto en el grupo en el cual consiguió la merecida fama que tenía como en sus principios en solitario, especialmente este "Suspiro" demostró que por ella misma y sin ser la hermana de... podía hacer muchas y grandes cosas.
Tras dos discos de calidad con el grupo Saint Just Jenny comenzó su carrera en solitario y tras dos años de silencio se grabó este disco, su mejor disco tanto compositivamente como musicalmente, con un puñado de canciones escritas en ese período de dos años y que conforman una obra compacta, refinada y pulida de buen Prog. Rock.
Ayudada por unos músicos tremendos que consiguen un sonido compacto, único y personalísimo las canciones escritas y arregladas por Jenny Sorrenti se convierten en un pequeño curso de inspiración vocal con la orquestación al servicio de ese portento de voz que va engullendo cada tema, cada estrofa y con él a quien lo escucha.
La garganta clara, armoniosa y bella va guiando con las palabras que suelen contar emociones profundas y los instrumentos completan un conjunto que es pura armonía. Guitarras eléctricas y acústicas desgranan notas del alma, el piano que está sublime todo el disco es el contrapunto ideal y la base melódica de lo que nos llega y a partir de aquí esos arreglos que permiten a violines, mandolinas y flautas convertirse en solistas privilegiados de temas que son una delicia (el solo del violín en "Nella Notte L'addio" con la voz en dueto es pura fantasía) 
Temas íntimos a pesar del ritmo que llevan la mayoría de ellos, aunque cuando se convierten en baladas acústicas te llega ese halo de belleza que lo cubre todo acompañado de las letras preciosas, como "Cabaret", una preciosidad para soñar despierto.
Un disco que se escucha sin esfuerzo, sin dificultad, todo parece encajar; quizás no sea la obra compleja y difícil que se le pudiera suponer tras su etapa de aprendizaje Prog. pero en lo seguro creó un álbum bello, exquisito y melódico donde el gusto por la Música se siente y llega hasta donde los sentidos quieren.
"Suspiro" una voz y un sentimiento.
Jenny Sorrenti voz y coros. Francesco Froggio Francica batería y percusión. Pino Daniele guitarras. Giorgio Pinsichis piano. Lucio Fabbri violín. Peter Kaukonen mandolina.

Lato A:  Diamante Nero;  Tristessa;  Nella notte l'addio;  Cabaret
Latto B:  Canta;  Break;  Jorma;  Suspiro


De Vinilos y Otras Glorias DCCCXVI

Una pequeña obra de arte por lo original y extremadamente sutil de lo que llega y que me emociona cuando la escucho, será que al final la edad saca de dentro ciertas cosas que uno desconocía.


Nascita Della Sfera (Per Una Scultura Di Ceschia) 1978


Un documento casi único en la escena Prog. italiana, Nascita Della Sfera es el trabajo único y definitivo de músicos de estudio reunidos en torno al talento y la imaginación de Carlo Barbiera que rinde homenaje a su paisano de la zona de Udine, el escultor Luciano Ceschia, creando un disco emocional e imaginativo de Prog. experimental y electro acústico, usando instrumentos de teclados, las técnicas electrónicas de la época y la suave caricia de los sonidos acústicos para crear un ambiente que a modo de viaje nos intenta llevar por la trayectoria del escultor en clave de biografía contada con notas.
Apasionante la manera de expresión compositiva de Barbiera creando una obra sublime por lo intimista y sugerente, la Música se mete en los sentidos y la sensación de vacío va llenándose con los distintos pasajes que llegan a modo de piezas que terminarán formando ese collage que es la obra del escultor, una visión que expresa el amor por un personaje dejado en el pentagrama.
Los teclados manejados de manera portentosa por Carlo Barbiera y Gianfranco Lugano crean la atmósfera dentro de la cual se va desarrollando todo el conjunto, ayudados en ocasiones (no muchas pero excepcionales y exquisitas) por las voces y coros que subliman todo lo que nos va metiendo en ese mundo onírico que la Música nos recrea.
El resto de los instrumentos sirven de apoyo a la obra, aunque sí destacan esas acústicas que acarician y susurran.
Como una obra conceptual, de hecho creo que a pesar de las 19 piezas que vienen indicadas en el álbum el mismo es una suite en conjunto que no tiene ninguna pausa, los sonidos van envolviendo y haciéndote partícipe de ese viaje, ese paseo por los sueños de Barbiera que nos mete en el personaje al cual homenajea haciéndonos conocer su obra, su vida (que viene reflejada en el interior de la portada por reseñas de su biografía) su esencia.
Un álbum que hay que escuchar por lo diferente de lo que deja, un rara avis no sólo del Prog. italiano, sino de la Música, una manera exquisita de decir las cosas en forma de sonidos y un planteamiento tan original como valiente.
En este caso se quiso que fuese una obra y adiós, por lo que algo habría en la mente del autor para crear este monumento tan especial.
La portada, misteriosa y especial, con el personaje y notas, dibujos... acorde a la obra musical.
Carlo Barbiera teclados, guitarra, efectos, voz. Gianfranco Lugano teclados. Paolo Tosolini guitarra. Roberto Colella bajo y efectos. Zladko percusión. Leo Croatto guitarra, efectos y teclados. Edi Croatto efecos y voz. Alberto Zeppieri saxo y flauta.
Paciuli, Paolo Coretti, Ettore Lo Cascio, Flavio Variano, Maria Zanetti voces.  





De Vinilos y Otras Glorias DCCCXV

Una pequeña reseña de ese tipo de Música que tanto me gusta según qué casos y como (como todas, vaya) una corriente con nombre propio a pesar de casi todo.


Delirium (Dolce Acqua) 1971


En los comienzos del Prog. Italiano algunos grupos despuntaron desde el principio por la calidad y sobre todo por la propuesta innovadora que hacían ver. Tras los monstruos del movimiento hubo grupos de primera línea que dejaron su impronta, leve o duradera, en forma de obras que merecen la pena.
Uno de estos grupos es Delirium, nacido en el área de Génova que con este "Dolce Acqua", su primer trabajo, entaron de manera fuerte y directa en los instantes primarios del Prog. en Italia.
A pesar de la calidad del disco la crítica no lo acogió muy bien que digamos y comenzaron los problemas dentro del grupo dando como resultado que tras esta obra uno de los principales creadores, Ivano Fossati comenzara su carrera en solitario.
No obstante y problemas aparte este disco es un gran trabajo de Prog. acústico con unos temas que se mueven especialmente en las baladas de tono romántico, Música de mucha calidad expresada por unos músicos solventes y que sabían lo que se traían entre manos. Quizás son las letras las que fallan un poco, ingenuas y poco incisivas, aunque las voces arreglen el conjunto, sobre todo ese tono oscuro y profundo de Fossati que lleva a caminos de historias contadas para recrear momentos de nostalgia y melancolía.
Los temas, que no reparan en espacio temporal, son un continuo duelo interpretativo de la batería, que no se corta en solos y constantes repliques con el pianoforte y la flauta, dando una sensación de cambio y movimiento por la diversidad de los instrumentos en estos instantes de "batalla" musical.
Un gran disco de Prog. italiano con lo que eso significa, las particularidades propias de esta Música y su origen y el intento más que loable de crear algo al margen de los monstruos sagrados que en las Islas sobre todo creaban sueños en notas, pero con ese toque tan mediterráneo que siempre me ha encantado.
Como en tantas ocasiones y en esto no tienen que envidiar a nadie la portada puro arte, una carátula que se abre en tres partes con alegorías y dibujos del grupo y espacios abiertos, ¡¡una gozada!! en el interior todo lo relativo al disco y fotos de los componentes.
Para disfrutar de una Música con estilo y al margen de lo que nos enseñan, como tantas veces.
Ivano Fossati voz, flauta y guitarra. Mimmo Di Martino guitarra y voz. Ettore Vigo teclados y voz. Marcello Reale bajo y voz. Peppino Di Santo batería, percusión y voz.

Lato A:  Preludio;  Movimento I;  Movimento II;  To Satchmo, bird and other unforgettable friends
Lato B:  Sequenza I & II;  Johnnie Sayre;  Favola o storia del lago di Kriss;  Dolce Acqua



domingo, 22 de septiembre de 2013

Janis


No Es Quien Quiere Sino Quien Puede


No es quien quiere sino quien puede
al zafio le sobran razones para serlo 
y al erudito para saber que no lo es
no puede, no, pensar quien no tiene su mente preparada
sin embargo se dedica a creer que es la voz de la conciencia.

Viven felices en su atril de bellacos sin palabras
sometiendo a quien les escucha a torturas insidiosas por sus hechos
más allá de lo que quieren decir que no lo dicen
embelesan a las bestias que reconocen sus sonidos
bufones de corte sin más cerebro que su propio trasero
pretenden decir lo que no dicen porque no les llega.

No es quien quiere sino quien puede
y no pueden porque no les va en ello el intelecto
por eso braman, vocean, mugen y balan
pensando en lanzar su mensaje preciso
sin palabras que muevan las hojas de los sentidos
porque no están en ellos lo que las letras significan.

No es quien quiere sino quien puede

E Non...


E non ho scudi per proteggermi
né armi per difendermi
né caschi per nascondermi
o santi a cui rivolgermi

Ho solo cuesta lingua in bocca
e forse un mezzo sogno in tasca
e molti, molti errori brutti,
io però li pago tutti.

Surcos del Siglo XXI - 140

No soy muy dado a escoger recopilaciones, y menos aún a plantearme sacarlas a dar un paseo, pero ciertas excepciones siempre vienen bien.


Varios (Re-Evolution FDM Sings The Hollies) 2012


The Hollies fueron en su día el intento de respuesta en la zona de Manchester a The Beatles, y aunque no se puede comparar con el monstruo de Liverpool, fueron un grandísimo grupo que tuvo su espacio, merecido y ganado en la época.
Grandes voces, grandes músicos y temas de calidad se daban cita en los trabajos del grupo, pero aún así su éxito fue menos significativo de lo que debiera por esa calidad que atesoraban. 
Este "Re-Evolution FDM Sings The Hollies" es un homenaje a ese gran grupo de la mano de músicos y grupos que hoy en día sienten de algún modo las influencias de esos grandes de los sesenta y que en especial en este caso sienten la Música de The Hollies un poco más.
Un disco que se preocupa de poner en su sitio los grandes temas de este grupo, algunos altamente conocidos pero otros realmente (y sorprendentemente) tan desconocidos como si nunca se hubieran grabado, y en tono de Psycho Rock con un toque de profundo Pop van desarrollando las canciones con un gusto y clase que realmente sorprende.
Un trabajo a caballo entre décadas que demuestra que la Música bien hecha no tiene un espacio temporal definido, cuando las composiciones demuestran calidad es difícil que no sobrevivan al paso de los años y si además se tiene talento eso resulta eterno, porque en cualquier momento se pueden rescatar y recrear de nuevo de manera maravillosamente fresca y viva.
Dieciséis temas divididos en los doce del vinilo y cuatro añadidos en un 7'' que dejan una sensación de bienestar musical y de emocionante calma sobre la Música y lo que representa, para escuchar en cualquier lugar, espacio o situación donde tus sueños te lleven, porque se trata de sonidos que no sólo no mueren sino que renacen con los años para sentirse de manera distinta pero igual de bella.
Disfruta de lo de ayer hecho hoy y descubre aunque sea a través de otros a un grupo que fue muy especial, un grande quizás no valorado lo suficiente.

Side 1: Butterfly;  All the world Is love;  Elevated Observations;  King Midas In reverse;  Then the Heartaches begin;  Bus Stop
Side 2:  Postcard;  Heading for a fall;  Hard hard year;  Try It;  Water on the brain;  Butterfly

7'' Side 1:  Don't run and hide;  Dear Eloise
7'' Side 2:  Jennifer Eccles;  Everything Is Sunshine

Surcos del Siglo XXI - 139

La segunda entrega de una nueva parte del colectivo "El Ajo Rojo Grabaciones Dimensionales" se acerca hasta nuestros sentidos amenazando con enamorarnos.


El Ajo Eléctrico (¿Letras...? ¡Tiempo Perdido Entre Solos!) 2005


De nuevo en el año del señor, en este caso el 2005, un grupo de músicos de ese colectivo que tan buenos y maravillosos instantes de Música me ha proporcionado se reunieron en torno al proyecto El Ajo Eléctrico para realizar una obra que es un canto a las guitarras, esa electricidad que como dicen "puede crear adicción" (bendita sea por cierto dicha adicción) y una demostración, otra más, de la capacidad creativa del grupo y la libertad emocional en la que se mueven cuando hacen su Música.
Cuatro guitarristas venidos de otros proyectos del colectivo y un genio, iluminado él, que se dedican a lanzar andanadas de sonidos directos a los sentidos, momentos estelares de Psycho Rock, orgías sensoriales de Fuzz, Acid Guitar y distorsiones varias en temas que son un derroche de creatividad y expresión desde lo más profundo. El lugar desde donde lanzan sus viajes espaciales debía estar iluminado por un halo de energía que todo lo cubre (según notas la antigua Sede del Templo Rojo) porque lo que se desprende del disco es pura dinamita repleta de sonidos.
Elegantes jams, improvisaciones y solos sin final, temas eternos sin límite en el espacio ni el tiempo y la maravillosa sensación de naturalidad e imperfección cuando algunas voces comentan, indican o hacen ver los sentimientos en ramalazos de furia que me apasionan.
Carlos Treski, José Carlos Sisto, José y Juan Carlos se encargan de descargar las seis cuerdas y llenar el espacio de electricidad, solos y brutales sonidos (Juan Carlos también se encarga de los efectos invasores) mientras que un genio de esto que llamamos Música, un tipo muy especial que responde al nombre de Pablo se encarga de que todo parezca de otra manera acariciando el sitar y llevando ritmos precisos y preciosos con la tabla; un portento de músico y una sensibilidad muy especial. Lo del sitar es para saborearlo, ese sonido casi sensual que rompe con su contraste la visceral descarga de las eléctricas y consigue un efecto maravilloso.
Un disco especial donde los temas te van atrapando en un universo sonoro precioso a base de cambios y momentos de fulgurante violencia sónica que se traslada a la mente sin esfuerzo, un monumento en clave de virtuosismo libre y sin ataduras donde se van desarrollando las distintas piezas de un perfecto collage que forma un cuadro precioso.

Temas:  Atardecer, 12 de Noviembre;  Viven alrededor;  Sabían lo que pisaban-Nubes de Ámbar;  Rulo Infierno;  Gris entre verdes sobre roca;  Negro y oro;  La invasión de los AX: Perturbación al poder!!!




Disfrutar de la Música hecha con el alma no tiene precio, por eso me gustaría agradecer a estos músicos que me hayan dejado entrar en su mundo y saborear sus creaciones, algo que ya llevo muy dentro. ¡¡¡Gracias a todos!!!

Surcos del Siglo XXI - 138

Una nueva visita de un colectivo fascinante y realmente creativo que he tenido la suerte de conocer y degustar, como el buen vino.


Fuzzy Lady (Sesiones Drónicas Vol. 2) 2005


"El Ajo Rojo Grabaciones Dimensionales" ataca de nuevo, ¡¡y de qué manera!!.
En el día del señor de 2005, concretamente el 20 de diciembre se efectuó la grabación de esta barbaridad a la que sus creadores llaman "Sesiones Drónicas Vol. 2" y que es un reflejo del talento compositivo pero sobre todo de la libertad creativa que anida en las mentes de los miembros de este colectivo que me parecen fascinantes y por desconocidos me parecen parte de esa contracultura a la que siempre los de siempre piensan que está bien dejar de lado. 
Fuzzy Lady es un Power Trío compuesto por miembros de Master Dronic y RIP KC, grupo éste cuyo trabajo "Obvious And Bleeding" ya nos visitó en estos Surcos, y los tres componentes se puede decir que tienen una cosa en común (de lo que yo veo, el resto de lo común es cosa suya) el amor por los sonidos y su manera de expresarlos libres y sin ataduras de ningún tipo.
El disco se compone de dos canciones, dos barbaridades que se sienten como algo que viene de la mente y los instintos musicales que tienen sus creadores y va cubriendo el espacio sonoro por donde se expande de una manera natural, fluida, al margen de lo que pueda sentirse con los sonidos propiamente dichos.
Sí me atrevo a subrayar (será que ya me atrevo con casi todo) que algo que llega es la sinceridad de la propuesta, casi se siente el instante en el cual toman los instrumentos para comenzar a desarrollar estas dos jams que se convierten en suites abiertas al universo, una extraordinaria sensación de libertad, vuelo sin límites y viaje a través de las notas y la mente que puede hacer lo que quiera con ellas.
"Protogénesis" y sus 21'29'' abren el disco, la guitarra de José Carlos Sisto nos estremece con sus desgarros, las cuerdas se tensan y las sientes sobre tu piel, efectos de todo tipo y una enorme cantidad de recursos para invitarnos a montar con él en ese viaje espacial. La base rítmica compuesta por Sergio Ceballos al bajo y Adrián Ceballos en la batería no cesa en su empeño para servir de frontón a la libre creación de la guitarra y a su vez va uniéndose a las improvisaciones viscerales con un resultado realmente espectacular.  
El segundo tema, "Demónico Inmódico" con 19'21'' de orgía sensorial acaba por enviarte muy lejos ya que como el propio José Carlos indica:
"Dejar que la Música fluya, sin miedo a la pausa o al equívoco; electrificar el corazón es la idea, respirar la energía y disfrutar el impulso"
En mi caso desde luego lo consiguen.
"Sesiones Drónicas Vol. 2" una manera muy especial de conocer el alcance de lo que no tiene límites, soñar y hacer que tus sentidos escapen.




sábado, 21 de septiembre de 2013

Surcos del Siglo XXI - 137

Una nueva manera de entender todo lo que ya se ha entendido, por aquello de que nada es lo que parece aún siéndolo (algunos engañan, otros demuestran lo que son)


Buddha Sentenza (South Western Lower Valley Rock) 2013


No dejo de sorprenderme con la Música, además es algo a lo que me predispongo, a dejarme sorprender por todo lo que pueda aportar algo nuevo, distinto o variaciones sobre temas ya sabidos que al final según el talento de los músicos pueden llegarnos de una u otra manera. El tópico cuando se habla de cualquier cosa es decir aquello de "Todo está inventado" y quizás sea verdad en el concepto, pero traducir a hechos esa frase ya es otra historia.
Buddha Sentenza es un grupo alemán que no se ha sacado de la manga unos instrumentos con los que hacer Música que suene distinta a todo lo que se conoce, ni tan siquiera ha concebido algo que no sea de este mundo, pero su manera de entender los sonidos y cómo afrontarlos es una maravillosa y fresca novedad dentro de todo lo que se estila hoy en día.
Resulta como poco complicado entrever la Música de Pink Floyd en pleno siglo XXI mezclada con los contundentes y sólidos sonidos de Black Sabbath y todo ello realizado con una estructura maravillosa y en conjunto, pero aunque parezca imposible esto es lo que nos ofrecen en su "South Western Lower Valley Rock" que se convierte en una pieza de orfebrería realizada en los mejores talleres de Música.
El disco nos trae el Hard Psycho con todo su esplendor, el Prog. más contundente e intrincado en continuo movimiento y creatividad y lo hace de una manera excepcional y sorprendente, una joya de Música que además se convierte en un monumento a los sonidos enlazados de décadas porque todo es uno y nada se desliga de lo bueno cuando hay talento.
Una obra que desde mi punto de vista es un conjunto, un todo y un bloque sólido de Música (es un disco instrumental, sin voces ni efectos corales) que se trata como una creación conceptual en la cual los espacios de silencio no existen, todo está entrelazado con momentos que el grupo denomina con nombres de letras griegas para que el sentido de la unidad no se pierda nunca. Es en estos instantes en los cuales la nave despega y nos brinda la oportunidad de viajar por nuestra mente a través del universo sonoro creado, un cambio de estaciones o paradas emocionales que llevan al estallido del poder y la fuerza cuando de nuevo los temas más Hard atacan los sentidos de una manera salvaje y contundente.
Un emocionante viaje donde todo es posible y estos chicos lo demuestran a base de composiciones increíblemente buenas, calidad a mansalva y una dosis de creación que hace perder el sentido.
No se puede hablar de temas, el disco es un tema y como tal hay que escucharlo, caminar por donde indican los trallazos que llegan y a partir de aquí hacer de uno la propuesta que nos dan.
Un regalo, una joya y una manera tremenda de conocer de nuevo eso que ya se sabe, la Música de calidad no tienen límites, lo que nos vendan es otra cosa.
Martin Pohl teclados. Thomas Traub batería. Jörn Müller bajo y sitar. Michael Knaf guitarra. David Java guitarra y violín.

A:  Alfa;  Time wave zero;  Beta;  Arrested Development;  Gamma;  Spanish Revenge
B:  Delta;  Debris Moon;  Epsilon;  The monkey stealing the peaches;  Zeta;  Tzameti;  Eta;  Psychonaut



Surcos del Siglo XXI - 136

Una banda que trae recuerdos lejanos a estos instantes, momentos de toda la vida para algunos que vamos viviendo más de lo que nos apetecería y menos de lo que sería aconsejable.


Mordecai Smyth (Sticky Tape + Rust) 2011


Uno no puede abstraerse del viaje en el tiempo realizado por los sentidos cuando escucha a Mordecai Smyth, y no es que con otros grupos o solistas no pase, pero con este grupo ocurre como si de pronto las manecillas del reloj se fueran echando para atrás y se perdieran unos cuarenta y pico años.
Y es que la Música que nos proponen en "Sticky Tape + Rust" es un maravilloso freakbeat que en boca de uno que sabe mucho, pero que mucho, mucho de esto bien se podría considerar un cruce entre Syd Barrett, Kevin Ayers y Ray Davies y sabiendo lo que son, han sido y serán por la eternidad musical los nombrados pues llama la atención y mucho.
De entrada el sonido sesentero se hace sentir ¡¡y de qué manera!! para que te vayas poniendo las pilas y mires de nuevo el año de grabación del disco, los arreglos son una maravilla y el conjunto coral que no cesa en los temas es de una emotividad tremenda. Temas con ritmos y melodías espectaculares, muy llevaderas y con un sentido realmente precioso de la Música, una verdadera obra de arte en la concepción de los temas, las estructuras y la forma de componerlas. Al margen de la figura de Mordecai Smyth que lleva la batuta y no deja de realizar preciosas maniobras con la voz que son una delicia los momentos de ritmos se las traen, la base rítmica lleva de la mano a la banda, la voz (o voces según el caso) con esos instantes relajados que te acarician la piel y cuando se van deslizando a la Psycho más sesentera ya es de traca, dejando ese Pop al uso y moviéndose por caminos intrincados de melodías, emociones y cambios compositivos que tanto nos gustan, una verdadera gozada.
Desde luego para un enamorado de Kinks como el que suscribe el disco parece una revisión de sus temas o un homenaje en clave de Música del siglo XXI, maravilloso, fresco y elegante, pero en esos momentos en los que se ponen a indagar por debajo de la alfombra surgen los nombres señeros de la Psycho más salvaje y maravillosamente visceral, realmente un puntazo.
Toda la obra está concebida por Mordecai Smyth, creador de las canciones, las letras y los arreglos además de ser la voz solista, teclados, guitarra y sitar, pero la producción, impecable, elegante y finísima corre a cargo de otro miembro de la banda (y esto es un toque positivo que me encanta porque son dos visiones que llegan al mismo lugar) Mr. Heath encargado además de las guitarras, bajo y voces (según el disco también del arma secreta ¡¡¡vaya usted a saber!!!) Thaddeus Jones a la batería y Tabitha en el clarinete y saxo completan el combo.
Un disco precioso de una Música que no morirá nunca, nunca, nunca, nunca, nunca... porque es la esencia de tantas cosas que es imposible que ocurra; para disfrutar, gozar y saborear la Música de siempre hoy.


Black Magic Woman


Nine Below Zero


Why Does Love Got To Be So Sad


Surcos del Siglo XXI - 135

Uno de esos proyectos de viejos dinosaurios que se creyeron lo que hacían pero al final lo dejaron a medias, una pena.


Mogg / Way (Chocolate Box) 1999


En alguna de las innumerables transmutaciones del grupo UFO esperando el milagro de Lourdes para unirse, desunirse, volverse a unir y volverse a desunir, dos de sus miembros originales, inquietos ellos, formaron este grupo de Hard a la vieja usanza (y eso se llama ir sobre seguro porque es lo que han hecho siempre y cuando querían bastante bien) que no es sino un proyecto que parece estar esperando algo o a alguien.
Moog / Way parte de las bases clásicas del Hard y consigue un sonido setentero en el siglo XXI que empezaba de un nivel más que aceptable, en concreto su segundo y último trabajo, este "Chocolate Box" es un disco realmente de mucha calidad con temazos de altura y un conjunto que suena muy bien.
A pesar de haberle querido asesinar o haberse querido destruir desde hace más de dos décadas la voz de Phil Mogg sigue sonando perfecta, preciosa y con temas acoplados a su capacidad actual hace lo que le da la gana. Un timbre maravilloso en el que ha sido uno de los más grandes vocalistas del Hard y que nos lleva de la mano por cada tema, cada espacio musical donde se luce sin buscarlo, sin esfuerzo y con la calidad habitual cuando se pone a ello.
Musicalmente el disco tiene una perfecta manera de expresarse, sonido limpio y preciso, una producción que ayuda muchísimo a que todo sea brillante y sin ser por supuesto esa barbaridad que los músicos que intervienen han dado en otras épocas es un muy buen disco de Hard llevado con gusto y clase.
Temas grandes hacen que la escucha sea eso, más de temas que de obra, maravilloso "Sparkling Wine" donde Mogg se sale, un trallazo genial "Last Main In Space" todo sobre la base de esa voz y la guitarra que suena con una limpieza que asusta.
En formato clásico de quinteto otro veterano se encarga de los teclados, Paul Raymond, ex de casi todos los grupos Hard de los 70 y 80 y con el bajo de Way machacándote el trasero las guitarras quedan en manos de Jeff Kollman que lo hace pero que muy bien especialmente en los riff que marcan el ritmo de los temas. En la batería Simon Wright cierra el círculo del combo.
Un buen disco de Hard agradable de escuchar, para saborearlo en cualquier lugar y quedarte en la memoria con temas que se enganchan y se siguen sin ningún esfuerzo. A partir de aquí otro UFO, más de MSG y a esperar que hagan otra cosa.

SONGS:  Muddy's cold;  Jerusalem;  Too close to the sun;  This is a life;  Living and dying;  King of the city;  Death in the family;  Whip that groove;  Last man in space;  Sparkling wine


Surcos del Siglo XXI - 134

No necesitamos bono de transporte para viajar con nuestra Música, por eso el espacio es infinito, por eso encontramos cosas como esta.


Baby Woodrose (Money For Soul) 2003


De nuevo recibiendo visitas desde Escandinavia, en este caso daneses que forman un proyecto a partir de otros y así... no paran.
Lo que comenzó siendo una aventura en solitario de Lorenzo Woodrose como un proyecto para hacer la Música que quería al margen del grupo en el cual se encontraba y que dio a luz el primer disco en solitario que nos visitó hace tiempo se convirtió en banda por la decisión del propio Lorenzo y ver que la acogida fue bastante más alentadora de lo esperado.
Psycho salvaje y puro con un toque garajero que quita el hipo y aunque no soy mucho de esta corriente (la del garaje, lo del Psycho creo que ha quedado claro hace mucho tiempo) en ocasiones como la que nos ocupa se trata de un disco realmente increíble que no para de lacerarme los sentidos y ante eso no tengo nada que decir, sólo agradecerlo.
Rock bestial, salvaje, mucha fuzz y distorsión en las guitarras manejadas de forma magistral por Lorenzo y en ocasiones por Riky, acero caliente con riff que te marcan a fuego y solos en la línea de esta Música que sorprendentemente usa melodías más pausadas en algunos momentos ganando en belleza y calidad sin perder esa fiereza que es connatural a la música que crean.
Power Trío potente, duro y sin concesiones, la voz desgañitada en cada tema para escupirte las estrofas mientras van arañando las entrañas, momentos incluso melodramáticos en las composiciones (precioso ese comienzo de "Carrie" que sostiene un tema al margen del resto) con más arreglos pero sobre todo una línea de abrasador y brutal impacto que te llega por todos lados.
El bajo de Riky y la batería de Rocco van horadando las defensas para adentrarse en los sentidos y todo llega de manera directa, impactante, Música para disfrutar como una bola que te atraviesa ¡¡y es que eso me encanta!!.
No hay como una andanada de este Rock que propone "Money For Soul" para sentirse vivo y dispuesto a viajar por donde quieras, una invitación que el tema que da título al álbum refleja en su brutal manera de empujar hacia el infinito, pero como siempre a partir de aquí ya es cosa tuya.
Disfruta si lo deseas de una Música poderosa que te levanta los sentidos al acariciar tu piel, aunque algunas caricias dejen marca, como es el caso.

A:  Honeydripper;  Disconnected;  Pouring water;  Hippie chick;  Everything's gonna be alright;  Carrie
B:  Money For Soul;  Never coming back;  You own It;  You better run;  Rollercoaster;  Volcano

viernes, 20 de septiembre de 2013

Surcos del Siglo XXI - 133

Voy a rescatar a un viejo conocido en lo que para mí es lo último que se le ocurrió hacer con decencia, a punto de entrar en el nuevo siglo y casi con todas las naves quemadas.


Whitesnake (Starkers In Tokyo) 1997


Evidentemente Whitesnake es una marca, y como tal trata el nombre David Coverdale, pero este disco es un concierto acústico donde la banda son él y el guitarrista Adrian Vandenberg, pero así lo hizo y en esto por supuesto no hay ningún reparo puesto que el nombre es suyo.
Cuando este cantante que en su día me encantó haciendo lo que hacía y montando una gran banda de Hard se fue por donde su cabeza y sobre todo su ego le dictaba el que suscribe dejó de seguir a la serpiente blanca y pasé de página. Tuvo que ser un rara avis dentro de su discografía, con el enésimo proyecto para comenzar Whitesnake en proceso de producción el que me llamara la atención de nuevo sobre la Música de este vocalista que para mí ya se había despedido.
"Starkers In Tokyo" es la grabación en directo de un programa de la TV japonesa en el cual Coverdale y Vandenberg demuestran que de Música saben un rato (a pesar de lo que hagan) y que una sesión de este tipo pueden llevarla como quieran.
Relajados, tranquilos, sin sobresaltos y al ritmo que les da la gana los 40'21'' del disco (el programa dura más porque es todo, desde la previa a despedidas varias) son un paseo por temas de siempre tocados de una manera que siempre gusta sobre todo cuando los músicos saben hacerlo bien.
Vandenberg se harta de acariciar su guitarra, preciosos arpegios, bellas melodías y solos acústicos suaves, ligeros y que entran de miedo, una caricia para los sentidos sobre todo en los temas de siempre que se tararean solos.
Por su parte Coverdale, sin tener que decir en cada tema que es el puto amo canta como quiere, su voz sale distinta y más tranquila, madura y sin sobresaltos, emocionante y casi como un susurro, un recitado de poesía en clave de concierto acústico de Rock y así da gusto.
Delante de un puñado de espectadores, prácticamente en familia, Whitesnake se transforma en una bella forma de afrontar el Hard que siempre ha propuesto pero que siempre ha dejado a medias (salvo esos gloriosos cuatro o cinco primeros años) por el ego incontrolado de Coverdale, que aquí está para comérselo.
Un disco para disfrutar de otra manera, saber que cualquier tiempo pasado fue mejor (especialmente para algunos) y que la Música es eterna, no muere, por eso cuando se hace con amor, como lo que estos dos se marcan aquí es una gozada sentirlo.
No será la joya de la corona, y no es lo que debe ser siempre, pero este soplo de aire fresco que además fue el último antes de volver a... se agradece porque demuestra que David Coverdale ama la Música, otra cosa es lo que se empeñe en hacer.

Songs:  Sailing Ships;  Too many tears;  The deeper the love;  Love ain't no stranger;  Can't go on;  Give me all your love;  Don't fade away;  Is this love;  Here I go again;  Soldier of fortune