viernes, 27 de abril de 2018

miércoles, 18 de abril de 2018

Música


He vuelto a ser de nuevo el pintor de mis emociones, a esculpir mi rostro con sentimientos que me hagan olvidar la oscuridad del silencio.

He vuelto a levantarme a sabiendas que poder caer de nuevo es tan real como el susurro que acaricia mis oídos, esperando que todo aquello que aprendí viva en mi interior.

He vuelto a ver sin abrir los ojos, cuando mi piel se eriza al compás del ritmo que mi corazón le marca. Ella sabe que volví a nacer escuchándola más allá de los confines del mundo, por eso nunca se romperá el hilo invisible que forjamos juntos.

domingo, 15 de abril de 2018

Stevie


Bruce Cockburn (Acoustic Guitar Sessions)


De Vinilos y Otras Glorias MM

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


Bruce Springsteen & The E Street Band (Hammersmith Odeon, London '75) 1975


Celebramos la efemérides del MM en nuestra sección "De Vinilos y Otras Glorias" con un verdadero lujazo para los amantes del Rock (y la verdad que para cualquier alma sensible que le guste la Música, si es que eso aún existe)
Uno de los más grandes rockeros de la historia, en especial en esa década que le llevó a ser el santo y seña de esta Música, en lo que mejor sabía hacer y donde mejor podía haberlo hecho.
Por fin se ha rescatado en vinilo por estos lares (hará un par de años, pero ahora es cuando lo saco en la sección, de ahí el ¡¡Por Fin!!) un monumental concierto de la época gloriosa de The Boss, con una banda en estado de gracia que seguía a su líder para conseguir convertir el silencio en una magia llamada Rock 'N Roll. 
En el año 75 la banda se lanzó a la gira de presentación del disco que hizo que Bruce Springsteen dejara de ser un rockero más en el universo de la Música y se convirtiera en lo que durante años fue, y su "Born To Run" sonaba en directo como un trallazo inmenso que arrancaba la piel de quienes lo recibían.
Tres álbumes a sus espaldas, cientos de canciones y la capacidad en directo que nunca se había visto en el estilo, con conciertos memorables que se alargaban hasta decir basta, desarrollando unos temas que son míticos en la historia del Rock. Además, el escenario no podía ser mejor; el yanqui que viene a la tierra madre a presentar su trabajo, y además arrasa en un local que también es un mito para la leyenda de la Música.
Por desgracia (siendo como soy de friki) pude ver el concierto en la edición de DVD antes que tener el cuádruple vinilo, y ya me sabía lo que pasaba, pero aunque sea una excepción, merece la pena, y mucho, degustar el concierto en audio y después disfrutarlo viendo la energía salvaje de este tipo y su banda sobre un escenario.
A partir de aquí... "es sólo Rock'NRoll pero me gusta" y si bien Bruce tiene muchos detractores por demasiadas cosas, esto que nos llega es un concierto para disfrutar desde la primera nota hasta el rugido final del clasicismo llamado "Quarter To Three".
Un monumento a la Música en vivo, brutal exhibición de lo que es la esencia de la vida en escena y un tipo que se encontraba viajando en una nave de la que nunca se ha bajado (aunque eso es otra historia)

SIDE ONE:  Thunder Road;  Tenth Avenue Freeze-Out;  Spirit in the night
SIDE TWO:  Los in the flood;  She's the one;  Born To Run
SIDE THREE:  The E Street Shuffle
SIDE FOUR:  It's hard to be a saint in the city;  Backstreets
SIDE FIVE:  Kitty's back
SIDE SIX:  Jungleland;  Rosalita (Come out tonight)
SIDE SEVEN:  4th of July, Asbury Park (Sandy);  Detroit medley
SIDE EIGHT:  For You;  Quarter To Three

Poster



Vendió su alma por el Rock And Roll

Música


La Música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido.

Música


El sol calienta mi rostro. En el viaje se ha convertido en el despertador de los malos sueños, en los sonidos que de manera inmediata llegan a mi mente cuando vuelvo a estar; rompe el silencio porque a pesar de la nada, en mi memoria recuerdo cada instante de lo que me ha acompañado durante toda una vida, por eso, en el asiento que ocupa mi cuerpo para llegar a ninguna parte, no siento el vacío de mi soledad.

Es lo que nunca he perdido, lo que nadie, a pesar de intentarlo con todas sus fuerzas, ha podido arrebatarme, la sensación de palpitar al ritmo de esa magia que puede con todo. No sé lo que me espera, el final del trayecto se encuentra en cada metro que no deseas avanzar, pero siento que floto sobre esos mediocres que piensan que nada tiene sentido, marcando el paso al compás de cualquier melodía que hace hervir mi sangre.

sábado, 14 de abril de 2018

Roger


Música


Me veo entrando en el colegio, casi adolescente y loca por apurar el mundo y ponérmelo por montera, hasta que el mundo me engulló atropellándome como un autobús sin conductor desatado en la carretera del destino, convirtiendo en blanco y negro todo lo que ocurría a mi alrededor. 

A partir de aquí el blanco y negro se transforma en un color que aúna todos los sonidos que mi alma puede recibir. Sonidos que son parte de mi conciencia, de mi mente, mi cuerpo y lo que soy cuando me dejo embaucar por todo lo que ella me da. Las imágenes crueles y sin sentido ya no ocupan el espacio, ahora cada nota del pentagrama escapa del papel para hacerme suya.

Música


Me deshice de lo material que aun me ataba a ella, la transgresión había hecho que mi nueva vida no fuera tan difícil en sus comienzos, por eso ahora, cuando logro hacer realidad alguno de mis sueños, pienso que nada muere porque sí, creo que todo tiene un sentido, a pesar de las exigencias que me creo y que me hacen querer más de lo que puedo abarcar. En eso no he cambiado, pero al menos lo llevo con la ironía que me da haber muerto y resucitado muchas veces.

Poster


De Vinilos y Otras Glorias MCMXCIX

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


The Band (Rock Of Ages) 1971


Primer disco en directo grabado por The Band, en el cambio de año del 71 al 72, en una época en la cual el grupo se encontraba en su mejor momento, y a pesar de haber sido un combo que en mi opinión no ha sido valorado como lo que realmente valía, daba mucho y bueno, especialmente en sus conciertos en vivo.
Rock de raíces, tirando de oficio y basándose en esa Música parida en lo más profundo de la tierra, tanto la que les vio nacer, Canadá, como la que les acogió y donde hicieron prácticamente toda su carrera, los USA.
Doble vinilo que hace un repaso a todo lo que llevaban parido en producción discográfica, con los mejores temas y los que eran parte indisoluble de sus conciertos. Eran muy proclives a llevar en algunos momentos (especialmente cuando andaba por medio una grabación oficial) vientos y cuerdas que abundaban en el sonido del grupo, pero nunca he sido un enamorado de este tipo de arreglos en los directos y menos para grupos de Música como The Band, que recogían ellos mismos lo que querían expresar. Quizás por eso los temas que aportan esta sección de viento (cinco músicos más lo habitual en algunos temas que es Garth Hudson con el saxo haciendo solos) me sugieren un poco menos, pero la verdad sea dicha, los arreglos están hechos con mucha clase.
Multiinstrumentistas reputados, con un dominio de la Música realmente excepcional, The Band deja claro en este "Rock Of Ages" que los mitos no sólo se encuentran en los nombres, la enciclopedia de la Música de calidad se llena de músicos como éstos, tremendos y emocionantes, los que le dan sentido a todo lo que crean, incluyendo (como es el caso del grupo) la parte en la que son a su vez parte de mitos, como Dylan.
Un disco para disfrutar de la buena Música, la que nunca muere y que hace que todo tenga sentido, entregada por un grupo que a su vez hace grande sentirla.

Side One:  Don't do It;  King Harvest;  Caledonia Mission;  Get up Jake;  W.S. Walcott Medicine Show
Side Two:  Stage Fright;  The night they drove old Dixie Down;  Across the great divide;  Wheels on fire;  Rag mama rag
Side Three:  The weight;  The shape I'm In;  Unfaithful servant;  Life Is a carnival
Side Four:  The genetic method;  Chest fever;  Hang up my rock and roll shoes


De Vinilos y Otras Glorias MCMXCVIII

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


Can (The Lost Tapes) 1968-1975


Lo primero que me viene a la mente al hacer esta entrada es aquello de "los que no tengan la mente para desvaríos y ataques con bombas termonucleares impregnadas en virus mortales, abstenerse", pero la verdad, para los que siguen este espacio si no se han ido ya, no les va a echar nada, y para el resto simplemente da igual porque no están.
Dicho esto, hace mucho que quería hacer esta entrada, desde que llegó a mis manos la caja con cinco discos del grupo alemán y la degusté en varias jornadas de orgías sensoriales y viajes astrales más allá de donde existen los carteles que te indican los caminos a seguir.
La verdad es que el trabajo de recopilación y revisión de temas del grupo en versiones nunca antes editadas y piezas inéditas es ejemplar, ayudado porque detrás de dicho trabajo se encuentran algún que otro miembro de la banda, y para los que nos gusta esta Música y representantes de la misma como Can, simplemente se trata de una andanada que raya el placer más absoluto.
Estos tipos se empeñaban en dar una vuelta de tuerca a todo lo que proponían, y dejando claro que nunca fueron temas sacados en sus discos oficiales, con lo que ello significa, todo el trabajo que se presenta en esta caja "The Lost Tapes" es una verdadera exhibición de Música surrealista, experimental, dejando cualquier atisbo de sintonía con la realidad para perderse en lo más profundo de la mente, y eso es maravilloso.
La Música de Can te envuelve y sirve para que te metas en ella y a la vez seas partícipe de esas creaciones, provocando además que todo gire en torno a lo que tu imaginación es capaz de sugerirte. Esta recopilación de cinco discos abunda en ello, y lo más sorprendente es que a pesar de la evolución evidente en temas que van desde el 68 al 75, esa magia que te sitúa en el extremo de lo entendible no se pierde en ningún momento.
Es cierto que todo lo que supone los principios del grupo es mucho más carnal, más "sucio", más violento emocionalmente, pero a medida que avanzas en los temas y los años, te das cuenta que lo brutalmente mental no se pierde en ningún momento, puro Can, puro Krautrock primario.
Un disco para esas situaciones donde nada es real y creas tu propia realidad, que a mí me resultan sobrecogedoras por lo bello, un gran trabajo de historia pura de un grupo sin artificios.
Holger Czukay bajo, mente, ingeniero. Michael Karoli guitarra. Jaki Liebezeit batería. Irmin Schmidt teclados. Malcolm Mooney voz. Damo Suzuki voz.




De Vinilos y Otras Glorias MCMXCVII

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


Dr. Feelgood (Stupidity) 1975


Por aquellos avatares del destino, que no siempre van unidos a lo que la Música da, ofrece o supone, este disco en directo de Dr. Feelgood fue número uno en su día, y supongo que ante eso nada se puede decir porque son números puros y duros, pero en lo que a mí concierne, la relación calidad-cantidad para esos menesteres la pongo en duda.
Nunca he sido mucho del grupo, y tener este directo es como una demostración de aprecio a unos tipos que de adolescente me hicieron pasar más de un buen rato en discotecas (cuando en esos lugares se ponía Música que merecía la pena) y casas de amigos buscando nuestro espacio.
Lo que está claro es que "Stupidity" es un disco que demuestra lo que eran en vivo, una banda carnal, enfurecida, entregada y salvaje. Rezuma energía por los cuatro costados y no se pierde ni un sólo surco buscando qué vendrá porque sabes lo que llega, Blues y R&B envuelto en esas virtudes que el grupo sabía explotar como pocos, la voz y armónica desgarrada de Lee Brilleaux, la guitarra enervada de Wilco Johnson que se dejaba la piel, los dedos y el alma en los riff salvajes y exagerados que sacaba de las seis cuerdas, y la sección rítmica de The Big Figure (dicho como es y lo que suponga que me da igual) a la batería con John B. Sparks al bajo.
Grabado en piezas de dos conciertos, uno por cara, en el año 1975, no pierde ni un ápice de intensidad, si bien los temas de la cara B son una cronología de Dr. Feelgood en estado puro, tirando de clásicos y clasicismo, y me parecen más lo que eran, pero realmente poco o nada se diferencian de la cara A que aunque tiene otros títulos para desmelarse, no dejan ese R&B machacón que tan bien dominaban.
Un disco para escuchar de corrido desde el principio hasta el final, divertirse hasta decir basta y llegar exhausto cuando termina, porque si te metes en él no paras de mover lo que te dé la gana. Puro ritmo, momentos de clara inspiración de los grupos que les hacían creer en esa Música que hacían y un momento para degustar el directo (para el que suscribe el disco que les hizo ser y parecer) que entregaban.

Sheffield Side:  Talking about you;  20 yards behind;  Stupidity;  All through the city;  I'm a man;  Walking thedog;  She does It right
Southend Side:  Going back home;  I don't mind;  Back in the night;  I'm a hog for you baby;  Checking up on my baby;  Roxette;  Riot in cell block nº 9;  Johnny B. Goode



domingo, 8 de abril de 2018

De Vinilos y Otras Glorias MCMXCVI

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


UFO (Live At The Electric Ballroom, Atlanta, USA, 5th November 1974) 1974


Por si acaso no queda claro el cómo y dónde, el título del disco te lo dice casi todo. Descomunal monumento al Hard Rock en vivo de una de las bandas que mejor lo han llevado en la primera mitad de la década de los setenta.
Una grabación que suena como los ángeles (por eso la tengo tras escucharla de arriba abajo y decidir adquirirla) y que refleja como pocas veces el sentido de lo que hacían en directo en esos años.
Primera gira americana y primeras apariciones en público tras la ruptura de la banda primigenia (la que creó los tres mejores discos de su historia más que les pese a muchos) recién parido su disco "Phenomenon" con su nuevo guitarrista y esa estética entre violenta, hortera (sobretodo) y rayando lo sexualmente impúdico que les hacía ser un grupo para, al menos, ser escuchado.
Lo que nunca más fueron y en ese momento sí eran, una banda salvaje, enorme, llena de vitalidad y Música dura hasta decir basta, el cuarteto que era capaz de arrancar astillas del silencio, mezclando temas del elepé que presentaban con antiguas composiciones de una época gloriosa que no duró mucho (muy valiente la versión de "Prince Kajuku / The Coming Of Prince Kajuku" para que no se perdieran los recuerdos, y la de "Give Her The Gun" con un Michael Schenker en estado de gracia en los riff) y que hacen de la grabación una verdadera joya del Hard.
Lo de Phil Mogg cantando siempre ha sido increíble, una voz excepcional y espectacular a pesar de sus excesos personales, y en el año 74 era algo para escuchar, genial, maravilloso. La sección rítmica a cargo de los clásicos Pete Way al bajo y Andy Parker a la batería (uno se lo sabe de memoria y nunca se cansa porque sabe lo que va a venir) tremenda, aguantando todo y más, dando pie para que el recién llegado Schenker haga lo que le dé la gana, y por cierto muy bien.
Un disco que deja el regusto por una época gloriosa, con un grupo salvaje saliéndose por cada surco para demostrar lo que eran, y que hace disfrutar de Música en estado puro, carnal, desnuda de artificios y llena de todo lo que hace que uno se eleve hasta el infinito.

SIDE 1:  Oh My;  Doctor Doctor;  Built For Comfort;  Space Child
SIDE 2:  Cold Turkey;  Rock Bottom;  Prince Kajuku / The Coming Of Prince Kajuku

De Vinilos y Otras Glorias MCMXCV

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


The Who (Anyway, Anyhow, Anywhere 1965-1966) 1965-1966


Es un placer escuchar a grupos como The Who. Un placer y una forma de entender la Música contemporánea en una época gloriosa y maravillosa, que cimentó todo lo bueno que vino después durante décadas.
Como siempre, adquirir algo relacionado con grupos como The Who se me antoja complicado porque siendo lo que son no me permito (a estas alturas, al menos) basuras que no me dejen darme el gustazo de escucharles como eran.
Este "Anyway, Anyhow, Anyehere 1965-1966" es una más que digna presentación de momentos estelares del grupo en sus comienzos. Grabado en el Aeolian Hall y el Saturday Club, entre los años 1965 y 1966, nos invita a zambullirnos en lo que podía ser parte de un show en directo de estos cuatro tipos cuando apenas habían comenzado, y resulta impactante.
Una energía fuera de toda duda, una calidad apabullante y una demostración de lo que eran en directo sin apenas experiencia, una auténtica barbaridad. Parece increíble la demostración de Música elevada a las galaxias más lejanas con ese poco bagaje, pero es que The Who ha sido uno de los más grandes, y por mucho que les quieran quitar mérito y anteponer a otros, no están por debajo de prácticamente nadie.
Un documento que merece la pena. La grabación está bastante bien, se distingue perfectamente cualquier instrumento y la voz; quizás el ambiente del directo no se aprecia demasiado, pero al menos ellos están, ¡¡y de qué manera!!
Los temas ajenos son atacados de manera feroz, sin tapujos, con momentos del Rock más duro que pudiera pensarse por la época, y en los propios dan ese toque tan personal que les hacía únicos. "My Generation", "Substitute", "I'm A Boy" o "La La Lies" suenan a gloria, y lo que resulta más admirable de todo, medio siglo después se degustan igual de bien.
Un grupo único, una época irrepetible y una grabación para quienes piensan que la Música es algo muy serio (para disfrutar de verdad)

SIDE ONE:  Anyway, Anyhow, Anyehere;  Just you and me, darling;  Leaving here;  Good lovin';  My Generation;  The Good's Gone;  La La Lies
SIDE TWO:  Substitute;  Man with money;  Dancing in the street;  Disguises;  I'm A Boy

One Man Rock 'N Roll Band


Nada Ha Cambiado III




La Corte de los milagros existe aún y de ella debemos apartarnos, al menos los que no somos como los que piensan...

- Piensan que sea necesario creer en una historia de fábula para poder mentirse, engañarse y sobrevivir.

- Están constantemente buscando la conquista del poder, sacrificando, sobre altares ancestrales, su víctima y la parte mejor de sí mismos en un delirante ritual nocturno.

2018: Nada ha cambiado

Joe


Nada Ha Cambiado II


La Corte de los milagros existe aún y de ella debemos apartarnos, al menos los que no somos como los que piensan...

- Creen en la inmutabilidad de las cosas, al saber que, inevitablemente, un día, vendrá el hombre.

- Confían la resolución de todos sus problemas y temores a un único ser, profeta o bufón, con la convicción de poder de esta manera volar hacia el sol.

2018: Nada ha cambiado

sábado, 7 de abril de 2018

Baba O'Riley


Nada Ha Cambiado


1831: Víctor Hugo en "Notre Dame de París" escribe por primera vez sobre "La corte de los milagros". La representa como una masa de individuos deformes y desesperados, ingenuos y astutos, normalmente marginados...

2018: No ha cambiado nada

Dos Genios


De Vinilos y Otras Glorias MCMXCIV

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


Corte Dei Miracoli (Corte Dei Miracoli) 1976 


Clásico, clásico y más clásico grupo de Prog. italiano, con todos los ingredientes típicos del estilo y la clase compositiva dentro de esos grupos seminales que no pasaron de la primera obra pero que lo que dejaron al menos mereció la pena.
Clara influencia de los teclados en todo el disco, aunque a decir verdad no abruman al resto de los instrumentos, debido en gran parte a que el creador del grupo y de los temas que componen el álbum es el teclista Alessio Feltri. Además de él, otro de los componentes, Riccardo Zegna es también teclista, por lo que está claro que las composiciones iban por ahí.
Creado en una época de claro declive del Prog. italiano, aún así resulta muy interesante la propuesta que ofrece, con cinco temas que abundan en los recorridos instrumentales sin dejar de lado las letras, basadas en escritos del genio francés Víctor Hugo y cantadas en un tono demasiado alegre (que en mi opinión es lo que más se debería haber mejorado) por Graziano Zippo, ya que su voz no incide en el carácter melodramático de las composiciones, que musicalmente, y a pesar de la ausencia total de guitarra, toman un sentido de pesimismo y oscuridad bastante emocionantes.
Para ser una época que finalizaba con un espacio de tiempo fantástico en la Música Prog. italiana, la grabación está más que cuidada, consiguiendo transmitir ese aire barroco que tanto marcaba a algunos grupos, con la exuberancia de los arreglos y los teclados muy bien equilibrada.
Disco que merece la pena escucharse si se es seguidor del estilo, más allá de quedarse en los clásicos y nombres míticos de la época italiana, un trabajo que incide en lo que siempre hemos comentado, demasiados para un espacio limitado en lo que se podía ocupar, por lo que quedó como una isla dentro del grandísimo océano de una Música bellísima.
Gabriele Siri bajo. Flavio Scogna batería y percusión. Graziano Zippo voz. Riccardo Zegna teclados. Alessio Feltri teclados.

Lato I:  ... E verrà l'uomo;  Verso il sole;  Una storia fiabesca
Lato II:  Il rituale notturno;  I due amanti


De Vinilos y Otras Glorias MCMXCIII

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


Drama (Melodrama) 1972


No nos engañemos, "Melodrama" no es el segundo trabajo del fantástico grupo holandés que nos regaló un disco para la eternidad del Prog. europeo más allá de las Islas, se trata de una especie de collage que une temas del citado trabajo, con demos y demás desarraigos que se encuentran entre la historia y la histeria de las diversas casas de discos.
No soy nada dado a adquirir este tipo de engendros porque la mayoría de las veces son pufos que no sirven para nada y que venden humo. Dicho esto, y valga como excepción a mi forma de pensar y proceder, lo que nos encontramos en "Melodrama" es un puñado de temazos de un grupo tan efímero como válido.
Evidentemente los temas que ya se conocían son la leche, pero los demás no les van a la zaga. Ni sé de dónde han salido (por mucho que los acrediten en la contraportada) ni me importa, pero al menos tienen la misma calidad que los ya conocidos y suenan igual de bien, por lo que no son desechos "piratas" infumables que no sirven para nada.
Digamos que este trabajo no sirve para pagar el plus que significan los temas no conocidos, pero ya que lo haces te encuentras con otros pedazos de canciones que te llevan al infinito, y eso, la verdad, es una emoción que merece la pena.
Tremendo Prog. de calidad, realizado con una clase enorme y que destila todas las enseñanzas que las bandas de la zona del norte de la vieja Europa recogían y hacían suyas. Sobrados para tocar estaban un rato, y la parte compleja, ese momento de inspiración que supone crear y escribir Música que pueda llegar al alma, Drama lo hacían muy bien. Por todo esto el disco merece la pena, unido a su obra primaria, y nos encontramos con algunas piezas de delicada textura que abundan en esa maravillosa sensación que deja el Prog. cuando está bien hecho.
Un disco para disfrutar de un grupo muy bueno y con una calidad enorme, si no se conoce su primera obra, de todo lo que ofrece, y si se tenía por sabido, de lo que entregan como nuevo, porque no tiene desperdicio.
Polle Eduard voz, bajo y guitarra acústica. Ulli Grün teclados, guitarra, armónica y voz. Frank Van Der Kloot guitarra y voces. Shell Schellekens batería y percusión


De Vinilos y Otras Glorias MCMXCII

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


Jody Grind (Far Canal) 1970


El segundo disco de Jody Grind no puede verse como una obra que sea parte de lo que aportaban cuando llegaron al universo Prog. a finales de los sesenta.
Y no puede serlo porque salvo el nexo evidente llamado Tim Hinkley, si le hubiera cambiado el nombre a la banda y hubiera comenzado otra aventura musical todo hubiera parecido más lógico. 
Por lo pronto es el único que queda, por lo que se embarca en la aventura de este segundo trabajo con dos nuevos músicos (buenísimos y solventes, eso sí) Bernie Holland en las guitarras, bajo y voz y Pete Gavin a la batería.
Sea influencia de los nuevos componentes o que el giro en la trayectoria era un deseo, este "Far Canal" no tiene nada que ver en lo musical con su primera obra. El Prog. clásico con base de teclados y "Hammond" para componer se dirige a un Rock más al uso, Hard en muchos momentos de poderosas guitarras y riff acalorados, una bese rítmica potente y conjuntos corales más del estilo.
Un Rock que no descansa en la aportación de Hinkley cuando se pone a destrozar su "Hammond" y hacerlo aullar, pero con menos agresividad que las composiciones surrealistas anteriores y más directo al entrecejo por la base Hard en la que ahora descansa.
Mientras, la guitarra no esconde nada de nada, y entre solos y riff se despacha a gusto en temas que son puro fuego y que te hacen saltar por donde andes.
"Far Canal" no es un disco que baje las prestaciones de Jody Grind, es otra cosa a lo que presentaron, pero se trata de un tremendo y potente trabajo del mejor Hard Rock en manos de tres músicos que saben muy bien lo que hacen. Las comparaciones en este caso se caen por su propio peso porque no hay nada que comparar, y este disco hay que tratarlo como una creación de un "nuevo grupo" en lo que fueron las cenizas de otro.
Algunos momentos son evitables, como la presentación acústica de "We've Had It" o el final "Ballad For Bridget", pero en otros momentos (todo el resto, por cierto) el impacto no cesa tema tras tema, como esa burrada llamada "Jump Bed Jed" o la exhibición de ritmos mas latinos que otra cosa pero geniales de "O Paradiso", puro humor con locura de batería incluida.
Para disfrutar de la Música, especialmente de la que nunca nos hacen ver y que sin embargo siempre está ahí.

SIDE ONE:  We've had It;  Bath sister;  Jump bed jed;  O Paradiso
SIDE TWO:  Plastic shit;  Vegetable oblivion;  Red Worms & Lice;  Ballad for Bridget

De Vinilos y Otras Glorias MCMXCI

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


The Trip (Time Of Change) 1973


Uno de los grandes grupos del Prog. italiano en lo que fue su canto del cisne. Tras un primer disco que sirvió para acometer el estilo que les definiría y otras dos obras que les encumbraron entre la élite progresiva del Bel Paese, este último trabajo deja un regusto amargo por todo lo que intenta, que es mucho y atrevido, y lo que al final consigue.
No es un trabajo menor que se pudiera pensar se encuentra a años luz de sus obras principales, pero es cierto que el deseo de cambio y de dar un giro a su forma de crear Música (el título del disco es una pista más que evidente) se quedó un poco a las puertas.
"Rhapsodia", la suite que ocupa toda la primera cara es el primer salto al vacío, con momentos excelentes en los cuales además de la habilidad musical de los componentes de la banda demuestran las ideas renovadas que quieren poner en práctica; lo menos bueno es que un tema tan enorme y con lo que supone no se mantiene durante todo el tiempo en lo alto, y esas bajadas afectan mucho para la continuidad que quieren conseguir.
"Ad Libitum", el tema que cierra el disco, se desliza por los senderos jazzy, un tono que el disco va ganando poco a poco a medida que pasan los minutos, y que también demuestra el giro creativo de la banda, aunque no logren lo mismo que con el puro Prog. sinfónico de sus comienzos.
Un disco que fue el fin como grupo y el comienzo en la carrera de algunos de sus miembros como componentes de otros vehículos de expresión, pero que al menos dejó claro el por qué de The Trip como un referente en la Música de su país. La versatilidad de sus músicos y la capacidad de expresión de lo escrito dan más valor a la obra, aunque se podría decir que la valoración la hicieron fuera de lo que pretendían ya como grupo.
Jo Vescovi teclados y voz. Wegg Andersen bajo y voz. Furio Chirico batería, percusión y voz.

Lato A: Rhapsodia
Lato B: Formula nova;  De Sensibus;  Corale;  Ad Libitum



viernes, 6 de abril de 2018

Música


Lacera mi piel cuando su aroma penetra en mis sentidos. Pone mi alma en vilo y sin embargo el placer anida en mi mente al escucharla.

Es lo que soy más allá de la tenebrosa senda de lo mundano. Lo que me hace sentir y no seguir esa marca que mis pies se niegan a reconocer.

Atrapado entre sus brazos, los sones que anhelo me visitan cuando la escucho, sintiendo lo que nadie, jamás, podrá alcanzar.

Roger


Música


Las lágrimas que uno vierte por lo que ama, raramente se aprecian más allá de las manos que las secan.

Cuando eres parte de un deseo y todo muere, nada escapa de lo que se ha perdido, y a partir de aquí puedes volver a nacer o ser parte de las cenizas esparcidas al viento.

La Música no entiende de volátiles amantes de una noche apasionada, es para la eternidad y un día o te abandona cuando tus sentidos se encuentran ajenos a lo que te ofrece.

La Habitación Casi Deseada


De Vinilos y Otras Glorias MCMXC

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


John Lennon / Plastic Ono Band (John Lennon / Plastic Ono Band) 1970


Hay muchas formas de demostrarle el amor a alguien, pero unir el nombre del grupo de nadie con el nombre de uno (sobre todo cuando uno es un mito y desea salir de las cenizas de una incineración más que anunciada) es demostrar demasiado amor.
No voy a meterme en lo que un creador hace con su obra, aunque muchos se meten a gusto con las de uno, pero para mí este disco que nos visita siempre ha sido el primer vinilo en solitario de John Lennon tras la autodestrucción del mito The Beatles.
Un disco compuesto en su integridad por el genio inglés, con canciones que abrasan la piel y que le hacen tomar la senda de un lado oscuro que me encanta. Dejando de lado chorradas popis e investigaciones varias de su pareja (que por cierto, está en lo que debe ser el susurro para inspirar, no en la inspiración que se denota en cada nota que sale por los surcos) John Lennon nos entrega una obra parida desde las entrañas, oscura como la noche antes de la batalla y negra en su concepción de los temas, rasgada y tenebrosa, maravillosamente visceral y por descontado dolorosa.
No sé si le importó mucho que la nave The Beatles se hundiera definitivamente o realmente lo llevaba como un asunto a debatir con su estómago, pero si estos temas hubieran salido en otro contexto no habrían impactado tanto, y son tan carnales que me encantan.
¿Su mejor disco? seguro que no, ¿su obra más desgarradora? seguro que sí. Algo tiene que le hace diferente (y no es el nombre con la banda fantasma a la que alude) la voz de Lennon, de una textura que adora la piel, en ocasiones te muerde más que te besa; los temas no dan tregua, desde el primer fogonazo de "Mother", pasando por esas furias nada contenidas que son "Hold On" y "I Found Out", y que salvo esporádicas concesiones a las melodías muy beatlerianas tienen continuaciones en temas donde la voz se pierde entre oscuras distorsiones y efectos que la hacen no estar como debe y sin embargo llega en lo que sugiere. "Remember", porque al final eres parte de todo lo que has hecho y te ha ocurrido.
El primer disco en solitario (oficialmente reconocido, eso sí) de un genio, una obra para mirarse con los ojos cerrados y sacar lo que cada uno lleva tras una demolición perfectamente diseñada.
John Lennon voz, guitarras, teclados, piano. Ringo Starr batería. Klaus Voormann bajo.

Side One:  Mother;  Hold On;  I Found Out;  Working Class Hero;  Isolation
Side Two:  Remember;  Love;  Well, well, well;  Look at me;  God;  My Mummy's Dead

lunes, 2 de abril de 2018

De Vinilos y Otras Glorias MCMLXXXIX

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


Roy Harper (Return Of The Sophisticated Beggar (1967)


Vaya por delante que considero a Roy Harper un genio. Con todas las peculiaridades de un músico como él, y por supuesto a sabiendas que es el tipo de autores que, o gusta y simplemente te vuelven loco, o deja un regusto amargo que siempre crea dudas.
Dejando claro que para mí es lo que es, el inicio de la carrera musical de Roy Harper en cuanto a obras grabadas no podía comenzar mejor.
Puede ser que tenga discos más completos, en los que las creaciones van más allá de lo que anteriormente había entregado, pero en mi opinión, de lo que no tengo dudas es que este "Return Of The Sophisticated Beggar" es un fiel reflejo de su estilo, la manera de componer y sobre todo una muestra descarada de ese universo tan característico y especial que Harper crea cuando escribe e interpreta.
Canciones íntimas, ligadas a lo más profundo de los deseos, con una manera de tocar la guitarra tan especial que hace que sea parte de la voz suave y de seda que tiene, acompañando las estrofas con una clarividencia cuando toca que es una gozada.
Todo el disco rezuma su manera de entender la Música, con momentos de altísimo nivel cuando la guitarra desvaría y se le "escapa" de las manos para irse hasta el infinito mientras con su voz la sigue, la llama, la intuye y más adelante vuelven a ser uno ("Sophisticated Beggar" puede ser una muestra clara de esto que comentamos)
En otras ocasiones simplemente hace que los arpegios y las cuerdas acariciadas le describan lo que debe decir, y ahí ya nos podemos volver locos (por la Música y un músico excepcional) con el sentimiento como aliado y la emoción siendo parte de todo; aún puede levantarme astillas en la piel con temas como "Legend".
Un disco precioso, tremendo, fiel reflejo de una época de creatividad como no ha existido después, y espejo de un creador inigualable que podrá gustar mucho, poco o nada, pero que ha sabido crear un estilo reconocible y claro cuando sus temas se escuchan, y eso de fácil tiene muy poco.
El comienzo de una aventura increíble, el comienzo de la historia musical de Roy Harper.

SIDE ONE:  China girl;  Goldfish;  Sophisticated Beggar;  My Friend;  Big fat silver aeroplane;  Blackpool;  Legend
SIDE TWO:  Girlie;  October The Twelfth;  Black clouds;  Mr. Station master;  Forever;  Committed;  Hup hup Spiral

De Vinilos y Otras Glorias MCMLXXXVIII

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


Michael Chapman (Live At Folk Cottage, Cornwall 1967) 1967


Curioso y extraño artefacto en formato de doble vinilo que recoge la actuación en solitario (guitarra acústica en mano y voz) de Michael Chapman en el concierto que da nombre al disco.
Sabiendo por la fecha del evento que faltaban dos años para la presentación en sociedad como intérprete con su maravilloso "Rainmaker", resulta de lo más llamativo que avise de que se trata de grabaciones nunca antes recogidas, pero en fin, como dato ahí está.
La fotografía de la portada, tremenda, recién bajado del monte para tocar en el festival, y a partir de ahí, dieciocho temas que son un recorrido de Folk en estado puro, Blues acústico, Música tradicional pasada por las manos de Chapman y un encuentro con espectadores que la verdad es que se sienten (por lo que se aprecia en la grabación) entre sorprendidos y entusiasmados.
La acústica suena a gloria, especialmente cuando la voz se apaga y el protagonismo de las cuerdas de acero es absoluto, jugando a parecer que no se hace nada y sin embargo haciendo que la Música se te meta muy adentro.
En cuanto a la voz, momentos de clasicismo con temas ajenos al tiempo y los estilos y en ocasiones la sensación de dejarse llevar por las circunstancias, casi dormitando a la hora de recitar las estrofas y provocando que el tiempo prácticamente se detenga, que te montes a caballo de la Música y acompañes al intérprete por ese recorrido que es casi un cuadro costumbrista.
Lo que no se puede negar es que aún a falta de tiempo para que entrara de manera oficial en el mundo de los sonidos, esa libertad tan característica de Chapman cuando interpreta se refleja perfectamente en la grabación, máxime cuando él solo no tiene que dar más explicaciones que lo que hace sobre el escenario.
Para amantes de lo clásico, y especialmente de Michael Chapman, que en ocasiones lo es y en otras no puede encorsetarse en ningún lugar, un disco que se escucha con la amabilidad que da la Música sencilla y muy bien hecha, y eso sigue siendo mucho.

Side 1:  Take me home whiskey;  Woke up this morning;  Instrumental number 1;  The prisoners song;  Going down the road feeling bad
Side 2:  When did you leave heaven;  All night worker;  I thought about you;  That'll be the day;  Parchman farm
Side 3:  Baby please don't go;  Conceited;  Instrumental number 2;  I've been around
Side 4:  Dindi;  Instrumental number 3;  Ace in the hole;  Kansas City

De Vinilos y Otras Glorias MCMLXXXVII

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


Nick Drake (Five Leaves Left) 1969


Presentación en sociedad del malogrado autor inglés, un disco que definía perfectamente el estilo y las inquietudes del artista.
Para algunos fue un salto al vacío del que salió airoso, para otros fue mejorando con su escasa discografía. En mi opinión, "Five Leaves Left" es un disco maravilloso por la textura que demuestra. Quizás en algunas canciones los arreglos orquestales podían haberse cambiado por acústicas o teclados más suaves, pero lo cierto es que el intimismo que rezuma está por encima de todo lo que se pudiera pensar que no está en el disco.
Me resulta curiosa la fotografía de la contraportada, con un hombre tomado por la cámara corriendo y difuminado por la propia velocidad, y Nick Drake parado, apoyado en la pared y observándolo. Es la sensación de su Música, que la recibes quieto, parado, como un lanzamiento en cámara lenta, y poco a poco se hace parte de ti.
Los "colores" de sus canciones, el negro, el ocre y el sepia, se mezclan de manera suave y sublime, y junto a su voz se deslizan por el silencio hasta llegar a quien lo escucha. Quizás la melancolía es excesiva, pero realmente la tristeza, la intimidad, lo que somos hacia el interior no siempre se viste de fiesta, especialmente si la Música refleja la soledad.
Un debut que causó mucha expectación, sobre todo porque la línea de otros grandes del Folk inglés se veía reflejada sin problemas, y la verdad es que los momentos de Drake con su guitarra, imaginándolo sin nada más que su propio mundo, son maravillosos (la belleza de "Three Hours" parece no acabar nunca, y se agradece)
Un disco para disfrutar de esos momentos en los cuales el alma se encoge, te dejas acariciar por las cuerdas de acero de una guitarra acústica y alguna que otra parte del violonchelo y los violines queriendo romperte en dos por el dolor y la sensibilidad.
Para aquellos que no creen que la Música lo pone fácil, y además aprenden de cada nota, cada palabra, cada instante buscado al infinito.

Side One:  Time has told me;  River man;  Three hours;  Way to blue;  Day Is done
Side Two:  Cello song;  The thoughts of Mary Jane;  Man in a shed;  Fruit tree;  Saturday sun


domingo, 1 de abril de 2018

Captain Beefheart And His Magic Band (Click Clack)


Captain Beefheart


Captain Beefheart And His Magic Band (This Is The Day)


De Vinilos y Otras Glorias MCMLXXXVI

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


Captain Beefheart And His Magic Band (Trout Mask Replica) 1969


Y por fin lo consiguieron. La banda, en un alarde de valentía sin límites, firmó el pacto con el diablo que deseaban y se convirtieron en una mágica verdad en el mundo de la Música friki más pura y extrema.
El tercer trabajo de Captain Beefheart And His Magic Band está considerado su mejor disco, y en algunos sectores, entre los que me encuentro por pensarlo, se considera una obra maestra de la Música experimental, del Acid Free Music más extremo, en definitiva, una de esas piezas de museo que te encuentras de vez en cuando y que si eres capaz de aceptar por lo que es debes degustar hasta hartarte.
Brutal en su planteamiento, desde la primera hasta la última nota del doble álbum la banda lacera los sentidos y envía toneladas de Música mental, sin ningún otro ánimo (afortunadamente) que no sea hacerte parte de la locura o echarte de ella a patadas.
Y es que con un disco como "Trout Mask Replica" (como con todos los de la primera etapa de la banda, pero en especial con el que nos ocupa) no caben medias tintas porque no puede aceptarse por partes. O estás en ello los 78'51'' que dura esa hemorragia transgresora y bestial, o no puedes aguantar ni un segundo, porque desde el primer sonido de "Frownland" hasta que la aguja se eleva al terminar la cara B del segundo disco, todo es la alucinación convertida en Música, las pesadillas que tus sueños no desean, la gloria de lo que siempre quieres y nunca llega.
Me apasionan los discos como este; sé cuando no puedo estar y simplemente me voy, o me alejo para volver esperando que mis sentidos lo admitan, pero si puedo involucrarme, no hay nada igual. La mente se convierte en el verdadero motor de la escucha, transformando todo lo que llega con un sentido personal e intransferible que mezcla lo que la banda crea y lo que tú eres capaz de recrear, y eso no tiene precio.
La Música es infinita, y además, las obras que traspasan lo meramente musical se convierten en eternas, y cada rincón de las distintas épocas en la creatividad de los músicos tienen espacios para obras como esta, que no pueden catalogarse (afortunadamente)
Don Van Vliet voz, saxos, clarinetes, percusión, jingle bells... y mucho más. John French batería y percusión. Jeff Cotton guitarra, steel, slide. Bill Harkleroad guitarra, slide, flauta. Mark Boston bajo. Victor Hayden clarinete, voz.

De Vinilos y Otras Glorias MCMLXXXV

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido


Captain Beefheart And His Magic Band (Strictly Personal) 1968


El segundo álbum de Captain Beefheart y los iluminados que le seguían, o lo que es lo mismo, la Magic Band, no deja lugar a las dudas en cuanto a lo que podría ser ese frikismo descarado con el que pretendían desenvolverse en el universo de la Música.
Por si acaso quedaban ganas de entender lo que no fueran sus deseos de hacer lo que querían y como deseaban, el comienzo demoledor del álbum, "Ah Feel Like Ahcid", una suerte de Blues clásico y demoledor pasado por el filtro de la Acid Music y la voz descarnada de Captain Beefheart, ya te deja mirando para cualquier lugar del infinito, pero si buscas algo mundano no lo vas a encontrar.
Por si acaso, la cabalgada siguiente, "Safe As Milk", descarga todas las imaginerías claustrofóbicas que una mente pueda repartir haciendo que la guitarra se te meta hasta las entrañas, la batería te patee la cabeza, y la voz, de nuevo la voz, te arranque lo que no te queda de un golpe.
A partir de aquí ya has decidido, si sigues con ellos, la alucinación es parte del viaje, con una banda entregada a la Música en estado puro, libre, absolutamente liberada y creativa, músicos excepcionales que saben lo que entregan, y que no dejan de dejar momentos de sus influencias en forma de Blues eléctrico que se escapa entre las demoníacas andanadas de Música caustica que destilan.
Las guitarras se empeñan en ser las que llevan la voz cantante (obviamente siempre hablando en lo musical, puesto que la voz deja el sello indeleble de lo que es distinto a todo lo que te esperas) y eso que la percusión de John French se hace un hueco siempre que puede entre las cuerdas y esa garganta que se prodiga más de lo que debe para hacernos visitar el infierno.
Un disco para disfrutar de nuevo, a quienes nos gusta y apasiona este tipo de Música, con la forma de creatividad que se escapa de los cánones más encorsetados y se dedica a transformar aquello en lo que cree con lo que le sale de las entrañas.
Seguir de viaje, en estos casos, es más que gratificante, por eso se vive de una manera muy especial.
Don Van Vliet voz y mouthharp. Alex St. Claire guitarra. Jeff Cotton guitarra. Jerry Handley bajo. John French batería.

SIDE I:  Ah Feel Like Ahcid;  Safe As Milk;  Trust us;  Son of mirror man - Mere man
SIDE II:  On tomorrow;  Beatle bones n' smokin tones;  Gimme dat harp boy;  Kandy Korn