viernes, 30 de mayo de 2014

Duanne


Al Lado Izquierdo Del Mundo


Una vida tan intensa como 34 años dedicados al placer de la Música, dando y enseñando, compartiendo y recibiendo sólo puede llevar a pequeñas y grandes anécdotas como las que nos trae nuestro querido Eduardo, todo un libro de recuerdos que merece la pena disfrutar.
En ocasiones pensamos que todo se acaba donde la vista deja de percibir, pero el mundo de las emociones y en especial el mundo de la Música es tan infinito como nosotros queramos.


DISCOS MELOCOTÓN EN LA HABANA

Una pequeña anécdota que acabo de recordar y no sé por qué.

Hará unos 20 años, hacia mediados de los 90 un cliente mío fue de vacaciones a La Habana en Cuba y tuvo cierto problema con su pasaporte, entró a una oficina estatal cubana para sacar algún documento necesario y después de algún tiempo esperando le introdujeron en una vetusta oficina con un funcionario y una antiquísima máquina de escribir, Cuál no sería la sorpresa de mi cliente cuyo nombre no recuerdo al ver en la pared del pequeño despacho una bolsa de ¡¡Discos Melocotón!! clavada con chinchetas como si fuera un poster; preguntado el funcionario porqué estaba allí esa bolsa éste respondió que lo desconocía pero que había varios como él trabajando periódicamente en ese despacho.

domingo, 25 de mayo de 2014

Frank (Sí, Me Gusta ¿Se Nota?)


Una Promesa


Tú no te vas a morir, Tú vas a estar siempre enfermo

Long Live Rock 'N' Roll


Poster


Surcos del Siglo XXI - 220

Un artista que me encanta casi de cualquier manera en una aventura agarrado a su guitarra pero haciendo lo que sabe.


Warren Haynes (Man In Motion) 2011


Cuando no está con The Allman Brothers Band, o con su proyecto estrella Gov't Mule, o en danza con amigos músicos tocando aquí y allá, o... el bueno de Warren Haynes de vez en cuando se descuelga con algún disco firmado por él mismo, como es el caso que presentamos en estos Surcos del Siglo XXI.
"Man In Motion" es un disco por el placer de hacer Música, evidentemente él se lo puede permitir y nadie va a decirle nada, es como si traspasara al vinilo un concierto con amigos de temas hechos por él o esos amigos, versiones de toda la vida, clásicos, una de las infinitas jams a las que nos tiene acostumbrado en vivo pero en este caso más depurado, con arreglos, estudio de grabación y producción de por medio como se exige para un disco que deja más de 65' de Música de la de toda la vida, de esa que en cualquier momento pones para que las pilas se recarguen y volver a saltar de gusto.
Tengo debilidad por Haynes, realmente tengo debilidad por cualquier guitarrista que haya pasado por la ABB y que haya sobrevivido a todo lo que supone, y además escucharle tocar la guitarra me da placer, sea un Blues, un buen trallazo de Rock Sureño, el Rock al uso, Soul pasado a través de su talento o lo que sea, por eso este disco me gusta.
No tiene problemas con la guitarra porque va sobrado, pero es que además se rodea de amigos músicos que son de traca y para el set pues escribe algunas canciones y elige clásicos de toda la vida que traduce en versiones magistrales con todos a una, de modo que la apuesta es segura.
En estos niveles puedes encontrar un disco que es la joya de la corona (no es el caso en este "Man In Motion") o la pifia enorme de un ego superlativo que se cree todo (ni de largo pasa esto en esta obra) lo que nos ofrece Warren Haynes es un disco para escuchar buena Música, muy buena Música en muchos cortes del disco y en ocasiones auténticas barbaridades de nivel superlativo porque si se ponen todo sale, como esa preciosidad de versión al temazo "Everyday Will Be Like Holiday" que se convierte en pura seda, ese toque gospel de "River's Gonna Rise" y alguno de los Blues que se marca o los guiños al Soul que me vuelven loco.
Un disco para escuchar cuando se sienta, cuando a uno le dé la gana, porque es Música de calidad, hecha por gente de muchísimo nivel para los cuales la Música es el aire que respiran y en eso no hay ni trampa ni cartón.
¡¡Que lo disfrutéis!! algunos músicos merecen ser escuchados casi siempre, en mi caso...

SIDE A:  Man In Motion;  River's Gonna Rise
SIDE B:  Everyday Will Be Like Holiday;  Sick of my shadow;  Your Wildest Dreams
SIDE C:  On a real lonely night;  Hattiesburg Hustle
SIDE D:  A friend to you;  Take a bullet;  Save me






Surcos del Siglo XXI - 219

Lejanos en el espacio, Música como tantas otras que rompen las fronteras cuando el lugar no significa nada.


Blackhead (Full Flavor) 1997


Un viejo amigo, entusiasta guitarrero, rockero hasta la médula (tirando por la zona Hard) y enamorado de los sonidos poderosos (su máxima ilusión era quedarse sordo a golpes de seis cuerdas) me introdujo en una Música desconocida para mí porque las posibilidades de acceder a ella eran bastantes escasas, me refiero al Rock asiático y todo lo que alrededor suyo se cuece desde hace tanto tiempo que ni se acuerdan.
En plena carrera para llegar al siglo XXI de nuevo surgió una corriente de grupos ajenos al gran mercado japonés que intentaban llevar esos sonidos más allá de su propia zona y entre ellos y con un poco más de éxito que otros muchos se encontraban Blackhead. 
"Full Flavor" fue una sorpresa para mí y me alegró el regalo por parte de mi amigo de este grupo llegado desde Thailandia y que se dedica a romper los cerebros de quienes nos atrevemos a escucharlos. No esconden nada, es un Rock tan pesado como duro y en ocasiones rozando esas nuevas tendencias que se llamaban de mil maneras y nunca entiendo, el Trash, Stoner... pero de lo que no cabe duda es que tienen muy claras sus influencias y lo que dan, otra cosa con ellos no va y así lo hacen ver en cada tema de los 12 que componen el disco.
Es cierto que se permiten alguna balada suave y con ganas de hacer bailar juntitos al personal, pero esas dos excepciones (que podían sobrar perfectamente) no es lo suyo, en lo que están mejor y se les escucha de manera agradable es en los temas en los cuales arrasan con ganas de quemarlo todo. Cantado en su lengua natal salvo alguna excepción en inglés, la voz te pone en guardia con sus salvajes acometidas, un bestia de mucho cuidado y a partir de aquí las claves del Rock más salvaje salen a relucir.
Guitarras asesinas desgarrándote la piel, escasos solos pero efectivos con pedales y efectos para abundar más en la dureza que lleva impresa la Música, riff secos, abrasadores en la tradición del Rock que destripa y tras las seis cuerdas una batería que ha debido hacer la promesa de patearte el culo porque pone un empeño en ello bastante serio. El bajo cumple al lado de los timbales y juntos suenan de manera compacta, un sonido cuidado y elaborado (aquí se ve que la producción se ha esmerado) quizás los temas que tiran un poco más de elementos tradicionales de su país son los más flojos, o yo no los entiendo tanto, pero cuando cogen carrera se les nota de dónde vienen sus gustos.
Un disco para escuchar otras tendencias, lugares, formas... al final Música y para saber que en cualquier lugar los sonidos son tan universales como lo que llega.

Surcos de Siglo XXI - 218

Otro paseo por nuestros sueños en forma de inmensidad transformada en orgía para que el placer no deje de visitarnos, envolvernos y hacernos suyo.


Earthling Society (Tears Of Andromeda Black Sails Against The Sky) 2007


Hace tiempo que la Música creada por Earthling Society se instaló en mis sueños y desde entonces me paseo por ellos cuando escucho las maravillosas composiciones que me envían a través de sus obras.
"Tears Of Andromeda Black Sails Against The Sky" es otro de esos artefactos que cuando comienza a destilar lo que lleva dentro sientes cómo te va envolviendo y poco a poco te hace tuyo te lo propongas o no, porque el maravilloso sonido de la Psycho se entremezcla de manera brutal con los ambientes espaciales creados a base de una imaginación que parece no tener límites. Un doble disco en el cual te meten jugando con los sonidos y transformándolos en un viaje alucinante, todo el entramado de composiciones que parecen perderse entre los efectos y las tremendas y abultadas cascadas de fuzz, acid guitar, efectos electrónicos y distorsiones no hacen sino dirigirte hacia ese viaje en el cual se convierte todo el disco, una continuación que no se detiene a lo largo de los siete temas en los cuales te puedes subir en marcha o sentarte y dejar que tu mente se eleve hacia el paraíso que la Música y la imaginación crean, un lugar donde nadie puede disturbarte.
En un disco en el cual todo gira alrededor de la creación de espacios sonoros para la ensoñación más infinita, las guitarras, las percusiones y los momentos de ritmos son engullidos por ese halo de misterio que provocan los miles de teclados y efectos en los cuales uno se siente aislado del mundo, de hecho las seis cuerdas van de la mano con pianos, órganos, ambientes y sonidos por miles junto a los demás instrumentos. Todo se escucha, todo se aprecia, pero dentro de esa cúpula en la cual se convierte el trabajo para que se sienta el enganche absoluto con la Música que suena.
Una obra para espíritus libres ¡¡cómo no!! para aquellos que creen que la Música es lo que cada uno desea tras hacerla parte de los sentidos, un precioso trabajo de abducción en el cual los placeres terrenales pueden llevarte a otros en los cuales cada sentimiento se transforma.
Unos los crearon, otros como estos chicos siguieron las enseñanzas y al final todo sigue, porque la Música es infinita y eterna y eso no se puede negociar.

SIDE 1:  Wromg!;  Black country sorceror;  Miss Liberty's morning dew
SIDE 2:  Lucifer Starlight
SIDE 3:  A song for John Donne
SIDE 4:  Tears of Andromeda-Black sails against the sky;  (Almost) Transparent Blue

Surcos del Siglo XXI - 217

Otra de esas maneras de entender la Música que me parece tan increíble como soñar despierto con lo mejor de lo que tu mente te pueda traer.


Causa Sui (Summer Sessions Vol. 1-3) 2009


Va para dos décadas que las corrientes musicales que pueblan todo el espectro físico que comprenden los países escandinavos, Europa del Norte y alguna que otra región de la zona han conseguido traer de nuevo el gusto por la Música sin límites temporales (literal) ni espaciales (más literal aún) y me parece increíble y agradezco ¡¡no veas cómo!! la cantidad de músicos, grupos, y gente de la Música en general que se han involucrado en una espiral que no deja de crecer y traernos más y más y más y mucho de todo esto bueno.
Causa Sui visitaron nuestros sueños hace ya una década y siguen regando de melodías inmensas los paseos que seguimos dando por lugares a los cuales la Música nos invita, con su visión de los sonidos desnudos de cualquier cosa que no sea la inspiración y la inmensidad de sus creaciones.
En este "Summer Sessions Vol. 1-3" rizan el rizo dejándonos un triple vinilo en el cual te puedes encontrar como siempre ese Acid Rock que hacen de manera magistral y enormes viajes hacia la inmensidad del espacio, una mezcla perfecta con el Rock Espacial que bien hecho puede sumergirte en las profundidades de lo más placentero.
Tres discos sin pausa, sin miedo a qué pasará, toda una exhibición de creatividad y Música realizada por los cinco miembros del grupo que ya desde el principio con la brutal "Visions Of Summer" de 24'39'' dejan bien claro que no van a detenerse porque el tiempo pase, lo hacen suyo y llenan de lo que mejor saben hacer.
En una obra tan lírica en lo musical, donde todo puede ocurrir en la inmensidad del tiempo la voz apenas tiene ocasión de dirigirnos (en las ocasiones en las que nos habla es a cargo de Jonas Münk) por eso la guitarra de Münk se convierte en la maestra de ceremonias que va saliéndose por donde quiere con solos que desafían la mente y la comprensión, seis cuerdas ácidas cuando quieren y limpias de polvo y paja cuando desea, a la que disputa el derecho al protagonismo los teclados de Rasmus Rasmussen, creador de momentos que llevan de viaje por los confines de los sueños, un viaje inacabable si uno lo desea.
Sección rítmica que acompaña y no deja escapar nada de esta orgía de sonidos a cargo de Jakob Skott en la batería y Jess Kahr al bajo y para que todo roce el sueño un saxo metido en su justa medida por Johan Riedenlow.
Una obra para dejarse ir, no sentir nada que no sea la Música y creer de nuevo que todo es posible si estás preparado para el viaje, hacerlo y cómo es cosa tuya.

VOL. 1
A:  Visions Of Summer
B:  Red sun in june;  Portixeddu;  Soledad
VOL. 2
A:  Sun prayer;  Rip tide;  The open road;  Cinecittá
B:  Tropic Of Capricorn
VOL. 3
A:  Eugenie;  Red Valley
B:  Manifestations of summer



Surcos del Siglo XXI - 216

No hace mucho que llegaron a nosotros, pero ya han conquistado parte de nuestros sueños, porque la calidad tiene eso...


Airbag (All Rights Removed) 2012


No creo que pueda sentir la necesidad de usar un paracaídas, una red de seguridad o un airbag yendo a toda pastilla cuando escucho este maravilloso y sublime "All Rights Removed" porque me apetece lanzarme al vacío y que los sonidos que emanan del doble elepé hagan con mis sentidos lo que les dé la gana.
El Prog. no sólo no ha muerto, sino que al escuchar cosas como esta me resulta tan vivo y estimulante como hace mucho tiempo, porque la Música se recicla y acopla a los tiempos en los cuales se mueve, pero la esencia queda ahí, y es evidente que todo el poso que el Prog. dejó cuando nos inundó con sus sonidos allá por... no podía perderse, nunca lo ha hecho y nunca lo hará.
Maravilloso Prog. melódico muy inspirado en grandes de todos los tiempos (las influencias de Pink Floyd quizás se definan más que otras) y en otros grupos que desde hace una década riegan el universo con magia, como mis amados Porcupine Tree. Este disco doble no sólo toma lo que debe y lo hace suyo, además es en sí mismo una fuente de inspiración porque el grupo noruego realiza una obra inmensa gracias a composiciones que se pierden en el Olimpo, seis temas brutales por su creatividad y ya no digamos la manera de interpretarlos, simplemente sublime.
Preciosa y melodiosa la voz de Asle Tostrupr parece un continuo lamento, solicitando en cada estrofa, casi suplicante, ideal para esos temas que llevan metidos en vena la melancolía de una Música pausada, increíblemente bella. Esa guitarra que maneja como quiere Bjorn Riis sin ocultar sus influencias, dejándose ir en continuos solos y riff maravillosos, desgarradora, emotiva, siempre sostenida en el aire, una barbaridad.
Los teclados de Jorgen Hagen crean ese ambiente de pesadumbre y melancolía en cada instante en los cuales salen para cubrirlo todo sin dejar un resquicio y la tremenda invasión de sonidos que llegan a tu cerebro se cierran con la sección rítmica de Henrik Fossum que con su batería marca de manera clara y excelente los pasos a seguir y el bajo de Anders Hovdan que no para en todo el disco, una cosa impresionante.
La obra es un continuo devenir de sonidos sin pausa, tan sólo el giro del disco en cada cara detiene esta orgía sensorial que se desliza por lo más profundo de los sentimientos, seis temas que son seis joyas dentro de la joya, momentos de inspiración tan altos que pareces flotando en el aire mientras te acarician las notas de un disco realmente maravilloso.
Disfruta de Airbag y su "All Rights Removed", una sensación más allá de este mundo.

A:  All Rights Removed
B:  White Walls;  The Bridge
C:  Never Coming Home;  Light Them All Up
D:  Homesick I-III

4.451

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sábado, 24 de mayo de 2014

Una Historia De Terror


UNA CURIOSA HISTORIA (LA FAMA ES LO QUE TIENE)

   Corría el año de 1989, en Madrid en el Parque de Atracciones acababa de inaugurarse una nueva atracción “LA CASA DEL TERROR”, algo así como un viejo caserón que ya desde fuera daba un cierto miedo, el público entraba caminando en grupos reducidos, a la entrada aparecía un “jorobado” que te recibía, golpeaba una alaldaba gigante y después pedía permiso a voces para empezar el recorrido avisándote de que cualquier cosa podía ocurrir allí dentro. Todo era oscuro como una noche estigia y durante el paseo te ibas encontrando con escenas de terror revitalizadas por actores disfrazados de “Loca encadenada”, Frankenstein, Drácula, Zombies y otras pesadillas de la literatura del terror que se movían por delante, por detrás y a tu lado, acompañando tu tétrico viaje hacia quizás ningún sitio y con suerte hacia una lejana salida para huir de ellos, también ataúdes, potros de tortura, cadenas y telarañas.

   Una noche, en los primeros días de tal atracción actuaba en el Parque Ramoncín, eran tiempos de tremendo éxito para él que también disfrutábamos sus muy íntimos amigos que muy habitualmente compartíamos con él. Yo tuve la inmensa fortuna de haberle conocido en la tienda de la Calle Toledo al poco tiempo de abrir ya que en aquellos tiempos él vivía también en la misma Calle a unos 200 o 300 metros de la tienda, él paraba muy a menudo por allí, hablábamos, compartíamos ideas, bromeábamos mucho y cimentamos una tremenda amistad que aún perdura después de tantos años.

   Como decía, aquella noche nos abrieron el viejo caserón especialmente para él, sus amigos y unos cuantos familiares que le acompañaban entre los cuales estaban su hija Ainhoa y mi hija Vanessa, también estaban todos los miembros de la Banda de Ramoncín, entre los cuales creo que aún estaba mi gran amigo, el genial guitarrista Ollie Halsall; entramos en 2 grupos separados por unos minutos de intervalo, mi hija no quiso entrar en mi grupo porque conociéndome muy bien sabía que yo participaría en el Aquelarre con poco que se me permitiera actuar en el negro caserón, me encantan las truculencias y raramente me impresiona alguna. Quiero hacer un inciso antes de terminar contando el desenlace de la aventura, a la entrada avisaban que estaba terminantemente prohibido hablar y mucho menos tocar a los actores del drama que podrían juntarse con el grupo, pasar entre medias y lanzar sus correspondientes alaridos, gruñidos, lamentos y otros extraños ruidos.

   Siguiendo con la historia y para terminar, llevábamos recorrido aproximadamente la mitad del viaje cuando de un nicho de la pared del túnel se me acerca un tremendo Frankenstein con las manos enhiestas, sangrando por sus cicatrices y tornillos y dice “COÑO, TÚ ERES EDUARDO DE MELOCOTÓN”.

   El resto ya no tiene más importancia que la habitual salida de la atracción entre las risas del grupo de acompañantes.




Una historia particular de un tipo único, Eduardo, alma de Discos Melocotón



Blue Sky


Poster


De Vinilos y Otras Glorias MLIV

La Música como sonidos, fuera de artificios (esto va con retranca por lo que nos viene) y directa al corazón de quien la siente.


The Tempters (5-1= 0) 1969


No voy a comentar la portada del disco, no por los colores y el anagrama que me parecen muy significativos, sino por la estupenda manía del grupo de uniformarse no sé cómo ni de qué (sus asesores de imagen dejan mucho que desear) porque lo que me interesa es lo de dentro, ese negro vinilo que contiene Música de calidad y más que buena.
Una vez dicho esto para que el susto se pase una vez vista (la contraportada ya es otra cosa, se podía haber cambiado) indicar que este "5-1=0", segundo disco de The Tempters, sigue la línea de su tremendo LP de presentación, un Psycho Rock con unas reminiscencias de los grupos punteros ingleses de los sesenta tremendas, de donde sacan sus influencias y la manera de componer, Música suave y delicada que además se suaviza más si cabe al estar cantada en japonés con una sensación que parece un susurro.
Con ese toque oriental que abruma y que no se puede negar, la Psycho parece otra cosa, es como si de pronto todo se transformara y los sonidos tomasen otra dimensión, realmente bello y sugerente, porque no se tiene la conciencia de esos instrumentos que cortan el aire cuando entran de una manera tan especial, clásicos de leyenda tocados siglos atrás que se acoplan a esta manera de ver la Música hecha en los sesenta, además de los arreglos de cuerdas realmente acertados en momentos de inspiración clásica.
Un álbum que demuestra el gusto por las composiciones cuidadas, muy desarrolladas antes de llevarlas a la interpretación, temas elaborados con voces delicadas y coros que no descuidan nada, armonías vocales y musicales de la mano de las guitarras que tiran del carro para avanzar en los momentos de melancolía o en los temas de más impacto sonoro.
Música que entra sin esfuerzo, los sentidos aceptan ese momento de suave presencia cuando los sonidos te llevan, nada más y nada menos, elevándose por encima del silencio y llegando a través de los surcos que te acarician. Japón, su impronta y la Música que influía en el universo, desde cualquier lugar del mundo porque todo es un espacio libre.

De Vinilos y Otras Glorias MLIII

Tan emocional como la Música que quería sentir desde su propia perspectiva, un artista que se vio reflejado en clásicos y acabó convertido (a su manera) en un clásico.


Tomita (Firebird) 1975


Virtuoso de los instrumentos electrónicos y teclados, creador de su propio universo y de esos mismos instrumentos que maneja con la precisión de un cirujano, Isao Tomita es un rara avis en el universo de los sonidos, tan espectacular como anacrónico, tan incomprensible (en su primeras obras sobre todo) como amado si eres capaz de meterte en el universo que crea y desprende desde su propia esencia.
Amante de lo clásicos, la Música clásica y todo lo que rezuma sinfonía de épocas pretéritas sus estudios fueron por ese camino y una vez convencido de su capacidad para transformar la realidad  se lanzó a tumba abierta para que esos mismos clásicos le permitieran hacer de ellos algo distinto, especial, sugerente. Su inusitado éxito con "Snowflakes Are Dancing" debieron convencerle de no estar tan equivocado y siguió con esos genios a los que llamaba para trasladar sus melodías a estos impactantes sonidos electrónicos del milenio que se avecinaba aún por llegar. 
Isao "Stravinsky" Tomita nos visita en esta ocasión de la mano del compositor del Este para deleitarse y ¿por qué no? deleitarnos viviendo de otra manera lo clásico. Extravagante y ateo musical para algunos, genial y complejo para otros, Tomita se pone la piel del autor de "Firebird" y pasa sus creaciones por 85 instrumentos (según el manuscrito impreso en la contraportada del disco) electrónicos usados por el músico nipón para dar vida a una nueva suite vivida de forma... 
La cara A del disco se la lleva en 25'33'' esa obra transformada que es un canto a la fuerza de los sentidos por comprender todo lo que les llega, y en la cara B sin un ápice de temblor en sus venas dedica el disco a otras dos debilidades, Debussy para tratar con esmero y cuidado "Prelude To The Afternoon Of A Faun" de 10'13'' exultantes y Moussorgsky con su "A Night On Bare Mountain" en sus 12'45'' de orgía para sentidos viscerales.
No hay más o visto de otra manera es una barbaridad, según gustos, emociones y sobre todo inmensidades espaciales que el cerebro pida, porque se trata de una Música para perderse en las sensaciones que se crean a partir de la nada, una nada que te envuelve y te hace suyo de una manera única.



De Vinilos y Otras Glorias MLII

Para hablar de Música japonesa en el sentido más moderno del término y comentar cosas más allá de lo habitual, comencemos con lo básico, por favor.


Jacks (Vacant World) 1968


Uno va y coloca el vinilo para que el diamante lo acaricie, espera el segundo y medio (más o menos) de rigor y comienza una bizarra interpretación en japonés a la guitarra, con una voz que desesperada grita y ruge como casi nunca se ha oído... de pronto te vas a la portada y ves este cuarteto que responde al nombre de Jacks y es entonces cuando dices que todo es posible, que la rabia de Velvet Underground se ha trasladado a Japón si es que no debemos pensar que estaba allí esperando que alguien la trasladase a vinilo para estallar con toda su intensidad.
De pronto el tema desaparece de tus sentidos y comienza la letanía pausada, lenta, casi suplicante de "Stop The Clock", una balada que desgrana tristeza, letanía en clave de guitarra con arpegio y algún motivo de percusiones delicadas junto al bajo y por supuesto las letras que cuentan lo que no es y ya te vas dando cuenta que algo pasa, diferente, distinto a lo que te esperas, dibujando el norte de una Música ensoñadora para espíritus que piensan en más allá de todo.
Pero comienza el tercer corte, ese "Vacant World" que da título al disco y todo se abre, se transforma, enfervorecidos no, dilatados en el tiempo los sentidos aún esperando despertar y sin embargo la seda que cae sobre la piel te vuelve a decir que la suavidad de la Música te está envolviendo, que este maravilloso baile de sensaciones proviene de uno de los grupos japoneses más impactantes y demoledores del período por ofrecer un Pop Rock tan especial como diferente, elegante, sublime, genial... todo encerrado en 38' de Música celestial en los cuales los sentidos creen en lo que les viene, lloran y ríen con lo que les acaricia y pueden imaginar lo que les dé la gana.
Ritmos pausados, palabras hablando de lo que es y no debe ser, de los llantos y las alegrías, guitarras quejumbrosas, flautas y escasos teclados que sirven para endulzarlo todo, una sección rítmica que está para que se la siga o simplemente se pase de ella porque hace falta o no según el caso, seis cuerdas tan anacrónicas como bellas si hacen riff suaves o descargan su furia sin mesura (cuidado con "Gloomy Flower" o "Where?" queman de verdad) y una voz que si grita rasga, si canta en un tono de dejadez abruma, si busca coros para salirse del universo se va de este mundo hacia los sueños... "Vacant World" de Jacks, una experiencia de Música por encima de la realidad o en ella metidos hasta la médula.

Side 1:  Marianne;  Stop the clock;  Vacant World;  In the broken mirror;  Gloomy Flower
Side 2:  Love generation;  Bara-Manji;  Where?;  Love;  500 miles from the sky

De Vinilos y Otras Glorias MLI

Uno de los grandes en el universo nipón de los setenta, Rock de categoría para levantar el ánimo a lo que sea


Far East Family Band (Nipponjin - Join Our Mental Phase Sound) 1975


Evidentemente si nos ponemos a ser exigentes podemos decir que el tema con el cual se abre esta joya del Rock Prog. japonés, la inmensa "Nipponjin" es suficiente para que el disco pase a la historia y de ahí en adelante lo que sea, pero no podemos hacer eso, porque si el tema que da título al disco es una de esas barbaridades que se te quedan grabadas a fuego de por vida, el resto de los que componen esta joya son un regalo para los sentidos de igual calibre, por eso los más de 54' que dura este disco son una orgía sensorial de tal nivel que cualquier cosa fuera de eso es... pura anécdota.
Far East Family Band nos entrega una obra en el mismo sentido de excelencia que su "Parallel World" aunque muchos indiquen que está un poco por debajo de aquella, un disco en el cual todo encaja y te sumergen de nuevo en su universo, ese Rock Prog. pasado por las manos, enseñanzas y querencias de la Música japonesa, con su singularidad y sobre todo su clase (cuando se ponen a ello) 
Espacios vacíos que van llenándose de los sonidos que emergen de la poesía hecha Música, instrumentos contemporáneos alternan y conviven con clásicos de la tradición nipona, los teclados realizan un trabajo inmenso en la recreación de los ambientes que vuelven a involucrarnos en un viaje fascinante a través de los sonidos, esos que ellos crean de lujo.
Todo es un conjunto, y eso que las guitarras y el manejo esplendoroso del sitar dan otra dimensión cuando entran, pero es que está tan equilibrado, tan bien medido en las composiciones y sobre todo su paso a la interpretación que donde parece que uno se pierde abrumado por la maravilla que escucha surge otra cosa que te engancha de igual forma.
"Nipponjin" es la obra dentro de la obra, pero "The Cave" es la continuación del viaje, sublime, mitad sueño, mitad realidad, y para continuar todo lo que nos envuelve trallazos como "River Of Soul" una alegoría para soñar, toques de Rock espacial y futurista en la enigmática "Mystery Of Northern Space" y así hasta atragantarnos con el placer de escuchar esta maravilla que eleva a arte la Música.
Sólo puedo invitar a escuchar lo que nos viene, disfrutar con los cinco sentidos y que la vuelta por el infinito resulte tan placentera como para no querer volver jamás.
Far East Family Band un apasionante instante cuando la mente deja de ser lo que no debe.

Side I:  Nipponjin;  The Cave
Side II:  Undiscovered Northern Land;  Timeless;  The god of water;  River of soul;  The god of wind;  Movin' lookin';  Yamato;  Mystery Of Nothern Space


Discos Melocotón... Para Siempre (Un Poco De Historia VI)


Como de Música se trata y de las influencias en lo que respecta de la gente que desde este Templo de la Música que es Discos Melocotón ha tenido, presentamos un par de documentos de la introducción en el mundo de la promoción de conciertos, según Eduardo "El primero y el único" porque ciertas cosas no van con el carácter de nuestro amigo y los medios son lo que son.

El concierto no tiene desperdicio, porque se trata de la primera visita a España del gran Elliott Murphy, un músico fetiche para el que suscribe y al que conocí precisamente gracias a esta visita en la cual presentaba su álbum "Party Girls / Broken Poets" un pedazo de músico y un artista desde hace años enamorado de nuestro país y los que les seguimos.
Discos Melocotón abrió la puerta y aquí presentamos una muestra de lo que aconteció.



Un par de objetos relacionados con el evento, el flyer del concierto organizado junto a Record Runner en el año 1984, una presentación al uso con portada de disco y el músico.
La fotografía corresponde al post concierto con un Elliott Murphy radiante (la verdad es que el concierto salió muy bien) Pepe Eugena de Record Runner, el gran Eduardo y algunos más con cara de habérselo pasado también muy bien.

Spring, Summer, Winter & Fall


Música



Cuando el río suena, algún músico se está ahogando.

Discos Melocotón... Para Siempre (Un Poco De Historia V)


Seguimos acumulando imágenes y recuerdos que son piezas de museo tanto de lo que Discos Melocotón significó a lo largo de sus 34 años de historia como lo que han vivido sus dos almas en ese período y algo más, piezas que son parte del recorrido de la Música en este país y que pueden dar una idea de cómo iba la cosa (en mi opinión y a pesar de lo que digan alguno bastante mejor que ahora)

En esta ocasión una delicatessen en dos imágenes de la presentación en sociedad de un grupo que no ha sido valorado lo suficiente en el contexto de la Música de este país, quizás porque la época no daba para mucho, quizás porque no interesaba, pero un grupo inmenso que dentro de lo que hacían tenían una calidad tremenda.



Nos encontramos en el año 1965 y los dos pedazos de historia son el anverso y reverso del programa que anunciaba el primer concierto de Los Brincos en Madrid, en el Palacio de la Música.
Según el gran Eduardo fue su primer concierto "serio" alejado de clubs. Se puede apreciar la firma de Junior en la portada realizada tras el escenario al propio Eduardo.
La Música comenzaba a dar sus primeros pasos en este país y por allí pululaban algunos que son parte de ese camino.



Poster


De Vinilos y Otras Glorias ML

Para unos el debut de un mito, para otros la unión de dos mitos, sea como fuese una emocionante aventura que comenzaba.


Yuya Uchida & The Flowers (Challenge!) 1969


En un Japón cambiante y sin límites, en el cual la tradición y la modernidad se mezclaban sin ningún rubor, los movimientos musicales de los sesenta y que siguieron por la década de los setenta provocaron el nacimiento de grupos que a la postre resultaron decisivos para el conocimiento del Rock de ese país a nivel mundial.
Antes de ser el mito viviente llamado Flowers Travelling Band el grupo se llamaba Yuya Uchida & The Flowers y como tal grabaron este álbum, "Challenge!" que muchos consideran el primero del gran combo nipón pero que yo lo separo porque para mí los nombres de los grupos son sagrados y si no se llamaban igual es otra etapa que se diferencia de lo que más adelante hicieron.
Un álbum de clásicos, hecho por futuros clásicos y realizado con todo el amor a una Música que gracias en parte a ellos se fue introduciendo en el mercado japonés y fue conocida para los fans de la Música Psycho Rock. El productor, cineasta y cantante Yuya Uchida, amante de estas tendencias musicales tiene un peso más que específico en el álbum, a pesar de que el núcleo principal de la Música la lleven esos portentosos músicos en su génesis.
Janis Joplin, E.C., Jimi Hendrix, B. Roberts... todos prestan sus temazos históricos para crear este álbum que se convierte en una pieza más que valiosa para conocer los principios de una Música adentrándose en un país en el que con el paso de las décadas ha sido vértice de tendencias únicas e irrepetibles.
Evidentemente lo que impacta desde el principio, sabiendo que los temas son eso, grandes clásicos del Rock, es la voz de Remi Aso, la voz adolescente entre los recesos que se dan entre los temas con un locutor que le pregunta transformada al cantar en una Janis oriental poniéndose en la piel de la gran cantante americana y recreando con su garganta las piezas que van surgiendo, especialmente bella y a la vez salvaje en la entrada a la carrera de "Combination Of The Two", "Intruder" de la propia Janis o "Greasy Heart" de G. Slick, aunque para mí donde se va a las estrellas es con "Summertime", brutal. Janis calcada en "Piece Of My Heart".
Las voces se completan con otro solista, Hiroshi Chiba que no se queda atrás cuando le toca, especialmente en esa maravilla de recreación que se marca en "Hey Joe".
La guitarra se convierte en el vehículo salvaje para adentrarnos en los temas siguiendo la voces o en esos temas en los cuales se deja caer con solos despiadados y brutales, secos, lacerantes, puro Rock elevado al infinito, muy hendriniano en sus solos, especialmente ¡¡cómo no!! en esa burrada llamada "Stone Free".
Percusiones que mezclan lo oriental con lo occidental de manera prodigiosa y una sección rítmica para vibrar por el sonido tan aplastante que ofrecen. En algunas de las versiones los recorridos del bajo son puro fuego, como en "White Room" o "Hidariashi No Otoko", la única canción propia del grupo, una exhibición de las cuatro cuerdas marcando el ritmo a galope tendido.
Un álbum histórico, de factura impecable y que sugiere un grandes éxitos occidental grabado con el sello indeleble de uno de los iconos orientales de todos los tiempos, perfecto para saber el por qué de muchas cosas.
La portada otro clásico, con la banda desnuda bacilando a todo lo que se podía bacilar, y eso en el 69 en Japón tenía mucha miga.

viernes, 23 de mayo de 2014

De Vinilos y Otras Glorias MXLIX

Comenzamos otra aventura con músicos que se encuentran más allá del bien y del mal (afortunadamente y que nunca falten, por si acaso)


Kuni Kawachi & Flower Travelling Band (Kirikyogen) 1970


Uno de los más reputados músicos a los teclados de esos maravillosos grupos setenteros de Japón, Kuni Kawachi, componente y líder de combos como Happenings Four o Group Sounds se une en este disco de colección pura y dura a componentes de la maravillosa y épica Flower Travelling Band para bordar un disco que combina perfectamente (y ya es difícil dado el carácter como músicos de uno y otros) la visión musical de ambos en un Rock sin concesiones y que demuestra el talento compositivo de todos los integrantes de esta aventura que no tiene límites.
La esplendorosa voz de Joe Yamanaka y su canto en japonés destila una furia desatada pero a la vez perfectamente controlada que lleva tan arriba los momentos vocales como quiere este tremendo músico. Su labor a la armónica no hace sino embellecer lo que su garganta nos brinda porque la acopla perfectamente a su manera de cantar. Otro talento e icono de la Música nipona de la época, el guitarrista Hideki Ishema parece disolverse entre los sonidos para hacer que su guitarra forme parte del todo, el ambiente de seis cuerdas de acero que nos arañan las entrañas, realmente genial.
El paridor de la idea, Kuni Kawachi maneja los teclados como le da la gana, clásicos momentos al piano mezclados perfectamente con improvisaciones en los temas para que uno no se despiste, órganos furiosos y chirriantes, apasionantes momentos de moog y sinfonías al margen del resto de los instrumentos, una verdadera locura ¡¡maravilloso!!
Siete temas clásicos se dan cita en el álbum, recorridos por momentos de Rock tan clásico como exuberante, "Kirikyogen" es una perfecta muestra, mezclas de improvisaciones y estructuras organizadas con la voz guiando esos momentos de preciosa locura (la tremenda "Time Machine" es una muestra de todo en uno) o temas en los que se mezcla la tradición japonesa en clave de modernismo rockero con esa furia de la eléctrica contenida en un canto a las estrellas, como en la tremenda "To Your World" simplemente mágica. 
Álbum de inspiración con un guiño al espacio infinito (en la contraportada reza "Recorded In 1970, Japan") y espectacular en su concepción, Rock de quilates para gozar con la Música y ese toque de las lejanas tierras que nadie hace como ellos.

SIDE ONE:  Kirikyogen;  Works Composed Mainly By Humans;  Time Machine
SIDE TWO:  To your world;  Graveyard of love;  Classroom for women;  Scientific Investigation

De Vinilos y Otras Glorias MXLVIII

Seguimos moviéndonos por esas arenas movedizas que tanto nos gustan, con nuestros sueños, locuras personales y el amor que sentimos hacia esto que llamamos Música.


Toshi Ichiyanagi, Michael Ranta, Takehisa Kosugi (Improvisation Sep. 1975) 1975


El título lo dice todo, o de no ser así lo dice TODO, porque de eso se trata, de una improvisación realizada por tres músicos con una calidad mental que casi supera la musical; realmente creo que las ideas del trío están muy por encima de la propia Música, unas ideas enfrentadas a la dificultad evidente de realizarlas en directo cuando los instrumentos se ven limitados por los medios técnicos que la mente y los sentidos no tienen.
El percusionista de Stockhausen Michael Ranta dirige la "fiesta" en la que se convierte este trabajo de sonidos imposibles, ideas lejanas y emociones sin límites, apoyándose (más bien entrelazándose en lo mental) con dos monstruos de la escena más experimental japonesa, Toshi Ichiyanagi y Takehisa Kosugi, consiguiendo una respuesta a la inmensa variedad de trabajos que jalonaban la escena nipona de improvisaciones más experimentales y directas a distorsionar los sentidos y a los que los escuchaban.
"Improvisation Sep. 1975" va subiendo de ritmo poco a poco, casi con esfuerzo, entre las enigmáticas percusiones de Ranta y el uso desmesurado pero excepcional del "modulador" por parte de sus colegas que hubiera llevado al éxtasis al más exigente Battiato. Con esa base rítmica nunca esperada, que va y viene desde el silencio y que vuelve a lo oscuro de los sonidos van pasando alrededor suya esos efectos del "modulador" junto a instantes sorprendentes donde las voces filtradas, los violines, el piano, la vibraciones, oboes e instrumentos clásicos japoneses como el biwa y shamisen desarrollan su espacio sin un por qué pero al mismo tiempo dando sentido a la obra.
Una demostración más de ideas preconcebidas y que surgen de manera distinta a lo que se intentaba, maravillosos momentos de ensoñación en un fascinante viaje que no desea acabar y en el cual el oyente se ve arrastrado por sonidos extraños gracias a esos efectos que los transforman en inimaginables escenas oníricas.
Volviendo a lo de tantas veces, un disco para situaciones, lugares y conciencias ajenas al tiempo y al espacio, para volar, desaparecer o experimentar lo que significa no estar en este mundo cuando la Música se convierte en la nave nodriza de nuestros sueños y a partir de aquí... todo es la historia de cada cual.

De Vinilos y Otras Glorias MXLVII

Comenzamos un pequeño "serial killers" de músicos y bandas que han llenado mi espacio durante muchas y muchas horas de absoluta libertad mental conmigo mismo (porque nadie quiere seguirme)


Stomu Yamash'ta (Red Buddha) 1971


Uno de los mayores y más impredecibles talentos desde la percusión en cualquiera de sus formas, Stomu Yamash'ta o Stomu Yamashita como también se le ve escrito el nombre es una de las piezas fundamentales de la nueva Música creada en Japón a finales de la década de los sesenta y principios de los setenta. 
Con una formación musical de origen clásico debido a su padre y la profesión de éste como director de orquesta, cuando se adentró en el mundo de los sonidos tenía muy claro que ese no era su camino, aunque a decir verdad algo de clasicismo y lirismo tiene su Música. Este "Red Buddha" es su disco más simbólico aunque a decir de los entendidos no el mejor, pero sí el que le dio a conocer fuera de las fronteras de su país.
Radical y transgresora para lo que es la Música de percusión en el ámbito habitual, el disco se compone de dos únicos temas, uno por cara que tras media hora de sonoridad e impacto golpeando los sentidos nos dejan una muy buena muestra de ese halo experimental que llena toda su Música, dos temas embriagadores para viajar fuera de este mundo y las conciencias que lo aprisionan.
Las percusiones metálicas usadas con maestría en un caos perfectamente capturado nos meten de lleno en ese laberinto que es la magia de Yamash'ta a la hora de golpear (nunca mejor usado el término) los infinitos instrumentos que maneja como lo que es, un maestro.
Momentos en los cuales la mente se evade al ritmo de unos sones que parecen rechazar el propio sonido, "Red Buddha" que llena la primera cara es una demostración de armonía dentro de lo que no te esperas y "As Expanding As" nos deleita con un sostenido mensaje que sin dejar ese golpe metálico constante como una lluvia de primavera ya se acerca bastante a lo que entendemos como percusión clásica con timbales, tubas y bombos que se enfrentan a lo que ya estaba en una auténtica batalla para apropiarse de los sentidos, simplemente espectacular.
Ni que decir tiene que se necesita un atisbo de frikismo por arrobas para dejarse ir y comenzar la aventura, pero una vez sumergido en ella es simplemente mágica.
No hay que buscar explicaciones, Yamash'ta y su Música dejan de lado las costumbres y te riegan con emociones más allá de la realidad, y eso es un lujo.

martes, 20 de mayo de 2014

Rosendo... Tal Cual


Destrozos Mentales

Acostumbrados a su quehacer diario de reprimir y mantener bajo su bota de dominio absoluto a todo aquél que ose evadir la verdad absoluta que venden, no consideran la opción de poder sentir en sus carnes la violencia que ellos mismos crean en forma de descontrol emocional y vida más allá de ellos mismos convertida en Músicaaaaaaaaaaaaa.




Los poderes fácticos de la Capital del reino de Nunca Jamás “escuchando” el nuevo disco de Iron Butterfly  “In a Merda da Vida”.

domingo, 18 de mayo de 2014

De Vinilos y Otras Glorias MXLVI

Un paseo por la vieja Europa, más concretamente hacia el norte de la misma para saborear los sonidos de una banda muy particular.


Drama (Drama) 1968


Grupo holandés que bebe de las fuentes del mejor Hard Prog. pasado por la fuerza de un más que cercano y oscuro sonido de pesadas guitarras.
Sin nada que ocultar y a la vista queda (más bien al oído de quien lo escucha) la energía y el poder es el santo y seña de esta banda que no se deja amedrentar por los sones venidos de donde todo se ha parido y crean un disco de increíble emoción en el cual no falta de nada, sonidos Prog. con variaciones preciosas dentro de los temas, brutales andanadas entre guitarras furiosas y teclados elitistas, una pegada Hard que tumba por demolición y ese desliz que tampoco ocultan del Blues que es base de tantas cosas (la exhibición emocionante y bellísima del Blues clásico "I'm Your Hoochi Coochie Man" es para que Willie Dixon se levantara de su tumba a reconocerles el pedazo de versión)
Quedan momentos para las melodías más suaves y sinfónicas llevadas por una guitarra que llena el aire con sus solos enviados a las estrellas, como esa preciosidad a la que llaman "No Doctor" / "Melodrama" una emoción de muy altos vuelos.
Un disco tremendo y con un concepto de los temas realmente increíble, composiciones complejas e interpretaciones de mucha calidad, los teclados cubren los instantes con una sensibilidad abrumadora y las guitarras acústicas vuelan sobre el silencio de una manera delicada y suave hasta estallar en mil pedazos que los sentidos agradecen por la variedad llegada a los mismos.
Me resulta gratificante encontrarme con obras como esta que aportan un sentido distinto al concepto de Música que hacen, nada de encasillamientos, cada tema es un mundo y todo junto un universo que llena de sensaciones lo que se escucha, temas sensibles, otros más duros, Blues para soñar, ritmos que llevan de la mano a las estrellas, voces y coros y en medio de todo las composiciones que hacen que los sueños sigan pareciendo reales.
Escucha "Drama" y hazte un lugar en ese Olimpo de los que se mueven por lugares donde nadie puede alcanzarnos, simplemente la Música, tu imaginación y los sonidos infinitos empapándote el alma.

1:  Mary's Mamma;  Dreamed I was the president;  I'm Your Hoochi Coochie Man;  No Doctor" / "Melodrama
2:  Smile or yell;  Tell the world I'm coming;  Brains Or not;  Give up and go



De Vinilos y Otras Glorias MXLV

Seguimos buscando esas bandas o artistas que por nombre no dicen mucho pero cuyos sonidos se te meten en el alma gracias a la calidad que atesoran.


Dogfeet (Dogfeet) 1970


Desde las Islas ¡¡qué extraño, vive el cielo!! un grupo que nos dejó para la posteridad este gran disco de Hard Prog. guitarrero en el cual se demuestra que la capacidad para crear como en tantas ocasiones simplemente no tiene límites.
Siendo como es un trabajo de buenas canciones que sigue los cánones habituales del Hard con ribetes Prog. que van llenando los surcos al escucharlo siempre se puede detectar esa dosis de creatividad que los grupos de las Islas aportaban a sus obras, en este caso llevado de la mano de las guitarras desde donde sale todo lo que viene a los sentidos.
Precioso el trabajo melódico que consiguen con las voces, una manera de llevar los temas desde el inicio, con introducciones dejadas de la mano del bajo en ocasiones, la batería y por supuesto uno de los dos guitarras, cuando los arpegios comienzan a acariciar la piel y poco después esas gargantas entonan las estrofas que van dando paso al conjunto de los sonidos, realmente bonito y muy efectivo.
Nada espectacular y a la vez grande en su desarrollo, los solos de guitarra que nos ofrece Trevor Povey son tan sostenidos en el aire como precisos en las duraciones, una parte más del conjunto que es a la postre la gran baza del grupo, el sonido de los cuatro componentes sin que nada sobre ni se salga de donde debe, una sección rítmica que marca las pautas con sobriedad pero mucha calidad desde el bajo de Dave Nichols abriendo o siguiendo ritmos a la batería de Derek Perry que lleva de la mano al grupo sin aspavientos, sin exaltaciones pero sin un atisbo de duda.
Tras las voces y melodías que consiguen es obvio que el trabajo de las guitarras son la fuente de inspiración, una rítmica a cargo de Alan Pearse para que Povey haga lo suyo o le doble en esos riff que da gusto escuchar.
Eléctrico, melodioso, armonioso y muy bello en la concepción de las canciones, "Dogfeet" se convierte en un disco de Hard Prog. de calidad, gusto y emociones para disfrutar de la Música en estado puro y eso sigue siendo un lujo que hay que aprovechar.

SIDE ONE:  For Mary;  On the road;  Sad Story;  Reprise;  Now I know
SIDE TWO:  Since I went away;  Clouds;  Evil woman;  Armageddon;  For Mary and child

De Vinilos y Otras Glorias MXLIV

Poderosos, así nos vemos, por eso nos deslizamos por pendientes de Músicas que no tienen nada que perder salvo demoler las conciencias de quienes la escuchan.


Ginhouse (Ginhouse) 1971


En lo que se escucha cuando una andanada tras otra atraviesan tus sentidos nos encontramos ante uno de esos poderosos Power Trío que abrasaban y quemaban todo lo que se ponía delante suyo a través del Hard más genuino.
Puede que el planteamiento de sus composiciones más allá de lo que se escucha, con continuos cambios y giros dentro de los mismos temas se pudiera acercar a la dinámica del Prog. más salvaje, pero de lo que no cabe duda es que el concepto de trío Guitarra-Bajo-Batería llena los poros de los surcos del negro vinilo en el cual se sustenta y desde aquí presiento que el Hard es el Leitmotiv de la obra sin quitarle mérito a la complejidad que quieren expresar (y que además creo que consiguen) a sus composiciones.
Dentro de esta sensación la dureza de este trío es significativa, un golpe directo al entrecejo con cada tema a pesar de instantes en los cuales se permiten lentos cambios de discurso con acústicas u otros instrumentos al margen, pero el impacto sigue ahí, riff pesados, sección rítmica demoledora y un bloque por el que todo parece ir en la dirección que debe. Los solos que se van alternando no son ni lo profusos que podrían ni se hacen necesarios escuchado el conjunto porque las composiciones vienen dadas como un todo, y así se van pasando uno tras otro los temas hasta completar los casi 45' del disco que eso sí pasa como un suspiro por la energía y la contundencia que desprende.
Preciosas melodías conseguidas con la voz, instantes de emociones sostenidas en temas que dan para mucho por el desarrollo de los mismos, como esa barbaridad de composición llamada "Portrait Picture", una andanada que te deja seco o el viaje hasta el paraíso logrado en "The Journey" precioso. Versión beatleriana de "And I Love Her" pasada por filtros Hard, elegante y muy pero que muy distinta.
Portada con gusto troquelada y escondiendo el vinilo que surge de una casa abierta desde su tejado, un dibujo de la banda casi como de cómic y algo de risa en todo lo que supone.
Un buen disco de Hard para saborear con toques exquisitos de un poco más, sea lo que sea merece la pena.
Geoff Sharkey guitarra y voz. Stewart Burlison bajo y voz. Dave Whitaker batería.

SIDE 1:  Tyne god;  I cannot understand;  The journey;  Portrait picture;  Fair stood the wind
SIDE 2:  And I love her;  life;  The morning after;  The house;  Sun in a bottle