domingo, 28 de diciembre de 2014

2015



Call Me The Breeze


Música


Este es el lugar de la gente que se pierde en sus sueños, el lugar donde la Música es la reina del espacio, el lugar donde la realidad y la ficción se cruzan entre notas lanzadas al infinito.

Poster


De Vinilos y Otras Glorias MCCXLVII

Guitarrista excepcional, músico complejo y personaje auto destructivo, todo en uno lo poco que dio de sí.


Tommy Bolin (Private Eyes) 1976


Un guitarrista pretendido por muchos y que muchos quisieron echar de su lado, soberbio cuando daba lecciones de guitarra con su corta edad gracias a un talento descomunal que nunca fue más allá de lo que las bandas donde estuvo le permitieron.
Lo poco de Tommy Bolin en solitario intentando hacerse una carrera en el mundo de la Música llegó tras la separación y finiquito de Deep Purple, con un gran álbum debut llamado "Teaser" y esta segunda entrega que nos visita, su póstuma entrada en el mundo de los sonidos titulada "Private Eyes".
Me gusta el estilo de Bolin, me agrada su forma de hacer sonar la guitarra y cómo llevaba el Rock en las venas. Evidentemente sólo él dio por concluida su efímera carrera como músico pero creo que los dos discos que realizó son interesantes para saber por dónde iba cuando tomó las riendas (de aquella manera, según se ha visto) de su trayectoria musical.
Rodeado de una banda con clase y que sabían lo que había que hacer, el talento a la guitarra de Bolin y su voz aterciopelada, que fue una sorpresa cuando se encargó del micro, hacían el resto. Intuitivo, genial, con recursos, en este segundo trabajo intenta continuar la labor de su primer disco y quizás ese es el error, aunque en los momentos en los cuales da rienda suelta a las seis cuerdas todo se eleva, como en ese tremendo trallazo en el cual se convierte el tema "Post Toastee", donde las influencias de la Música que le gusta se ven bien a las claras. 
Si con 25 años revientas, poco puedes dar de ti en un mundo en el cual el talento se desborda (los que lo tienen y se empeñan en enseñarlo) sin embargo Tommy Bolin había marcado más de una señal de calidad en este espacio y este "Private Eyes" que no es en absoluto un mal disco pero para mí adolece de cierta calidad a la hora de componer cuando la guitarra debe estar a otra cosa.
Aún así es un trabajo de Hard Rock bien hecho, con ganas y momentos que llegan, un disco que no sobra porque dice algo dentro de ese estilo apasionante, y además escuchar esas seis cuerdas cuando realmente se ponen es una gozada que hay que aprovechar.

1:  Bustin out for Rosey;  Sweet Burgundy;  Post Toastee
2:  Shake the devil;  Gypsy soul;  Someday will bring our love home;  Hello, again;  You told me that you loved me


sábado, 27 de diciembre de 2014

De Vinilos y Otras Glorias MCCXLVI

Una banda que fue el principio de muchas cosas para mí, en el principio de todo para ellos, tan especial como...


Thin Lizzy (Thin Lizzy) 1971


Que Thin Lizzy fue un suceso dentro del Hard y es una de las bandas más influyentes para muchos de los grupos que nacieron al amparo de lo que fueron es un hecho, pero también lo es que su eclosión en el mundo de los éxitos y lo que significaron se inició tras unos trabajos que a mi modo de ver no se han valorado lo suficiente.
En formato de trío, con un grande a la guitarra llamado Eric Bell y los dos referentes con los cuales el grupo nació y murió, Brian Downey en la batería y el icono Phillip Lynott en el bajo y esa voz única y carismática, en el año 1971 se inició la aventura del grupo con este "Thin Lizzy", el comienzo de una historia maravillosa para el mundo del Hard.
Primitivo, esperanzador, expectante... un disco que demuestra lo que querían y aún estaban por hacer, con canciones de una textura más abrupta de lo que más adelante fueron creando, con Lynott marcando ya las pautas del grupo en la creación de los temas, una guitarra más dura y seca que refinada y esa sensación de poder que el trío va dejando en cada tema con un sentimiento de desgarro en los cortes más duros.
Comienzos sin tapujos para la galería, Eric Bell se lanza a tumba abierta cubierto por la sección rítmica más conocida de Dublín (o una de ellas) con solos de experimentaciones y riff cortados a cuchillo, mientras la voz de Lynott ya nos deja lo que era y sería por siempre, especial y única, una forma de dar melodía a temas cargados de fuerza y ponerse "violento" al atacar notas de desgarro buscado, al tiempo que apalea inmisericorde su bajo al mismo son que Downey patea el culo de quienes le siguen (un placer por cierto) con esa batería sello inconfundible de la banda (consiguen todo en uno en esa barbaridad llamada "Return Of The Farmer's Son")
No es más que eso o quizás nada menos, el comienzo de un mito del Hard cuando aún se postulaban como banda dentro del mundo de los sonidos, un disco muy desconocido y por ello poco valorado pero que sin llegar a la excelencia de lo que fueron en sus mejores momentos enseña lo que eran cuando querían llegar a esa excelencia y para alguien que ama la Música de Thin Lizzy como yo, una gozada aprender. 

SIDE ONE:  The friendly ranger at clontarf castle;  Honesty Is no excuse;  Diddy Levine;  Ray-Gun;  Look what the wind blew In
SIDE TWO:  Eire;  Return Of The Farmer's Son;  Clifton Grange Hotel;  Saga of the ageing orphan;  Remembering


De Vinilos y Otras Glorias MCCXLV

Una banda fascinante, o un dúo fascinante según se mire y en qué épocas, que hace Música especial para paladares especiales.


The Incredible String Band (The Hangman's Beautiful Daughter) 1968


Cuando dos genios (y entiéndase como se quiera la palabra en este caso) se unen para expresar las ideas de su mente a través de la Música, puede ocurrir cualquier cosa, y partiendo de la base que The Incredible String Band me parece y lo asumo como una aventura fascinante durante casi todo lo que hicieron, lo que suele ocurrir en estos casos es que salgas con la sensación de levitar tras escucharles.
"The Hangman's Beautiful Daughter" es su tercer trabajo, una barbaridad musical que el que suscribe considera una joya del Folk Psycho más extremo o más alucinógeno, o más esotérico o más imaginario, o más... porque cualquier calificativo que no sea normal o al uso se le puede aplicar, un conjunto de canciones (que según rezan las crónicas son vivencias oníricas de uno de los iluminados ya comentados, Robin Williamson) en los cuales la mente de los dos genios que componen y sustentan la banda se deja ir para llegar hasta donde les da la gana, como en ese desvarío escrito por Mike Heron de 12'55'' "A Very Cellular Song" que trata sobre la vida, el amor y las amebas en clave de orgía sensorial donde todo es posible, "buenas noches" incluidas hasta la saciedad o himnos hipnóticos que no son tales.
Afortunadamente el disco se encuentra en la línea de sus creaciones primarias y otra genialidad convertida en arte musical para deleite de los que creemos que puede ser, debe intentarse y si sale... es posible cualquier cosa que se quiera con talento, mente sin límites y desbordante imaginación.
El disco es un reflejo de lo que pretendía la cultura social que quiso cambiar el mundo, la Psycho vista con los ojos del hippismo más absoluto y libre, la Música sin fronteras, voces que cuentan, narran, recitan y te llevan de viaje por historias fascinantes, imposibles y reales al tiempo, guitarras rasgadas para formar parte de tus entrañas, clavicordio y momentos de vientos y cuerdas que rememoran sueños, historias escritas en libros ancestrales o (como es el caso según las crónicas ya mencionadas que nunca se sabe) sueños y deseos.
Tremendo en las composiciones, bellísimo en las interpretaciones y un alarde de equilibrio para convertir en Música lo que da, un disco para soñadores y creyentes de todo esto que te ocultan, una verdadera joya que hay que saborear con la calma del tiempo infinito.
Mike Heron voz, guitarra, sitar, "Hammond", clavecín, dulcimer. Robin Williamson voz, guitarra, percusión, flauta, piano, órgano, laúd, mandolina, arpa... Dolly Collins órgano, flauta y piano. Regaliz McKechnie voz y crótalos.

SIDE ONE:  Koeeoaddi there;  The minotaur's song;  Witches hat;  A very cellular song
SIDE TWO:  Mercy I cry city;  Waltz of the new moon;  The water song;  Three Is a green crown;  Swift as the wind;  Nightfall


De Vinilos y Otras Glorias MCCXLIV

Una banda que llegó hasta donde muchas deseaban en un alarde de creatividad como pocas, haciendo de un estilo una manera de entender la Música de forma distinta.


Dando Shaft (An Evening With...) 1970


A finales de la década de los sesenta el concepto de Folk era muy distinto a lo que se convirtió en los años posteriores, y en las Islas esa manera de expresión tomó un camino más que definitivo con bandas y artistas que decidieron llevarlo de manera clara y contundente hacia los caminos que la libertad creativa les ofrecía.
La Psycho y el Prog. deambulaban a sus anchas ofreciendo todo tipo de posibilidades en aquello en lo cual la mente tuviera algo que ver, y de esa amalgama de sonidos, ideas y creencias surgió Dando Shaft, un grupo de Folk Psycho Prog. que se fue reinventando a partir de su fundación en el año 1968 y que con este su primer trabajo, "An Evening With..." deja una muestra de calidad y belleza en forma de Música.
En una conjunción casi mística con la Música de épocas remotas y las nuevas tendencias, los sonidos de este trabajo se trasladan por el universo para llegar hasta la mente de quienes los reciben, a través de la voz nostálgica, casi apesadumbrada de Bert Jansch que va relatando como un juglar moderno todo lo que quiere expresar en la historia de cada tema, acompañada por guitarras y flautas, violines y percusiones que se adentran en los sentidos como si fueran ese canto de musicalidad plena que esperas.
En la escasa media hora que dura el trabajo nos encontramos viajando por paisajes orientales, medievales e incluso de relatos de fantasías, traídos de manera espectacular hacia nuestros tiempos con esa manera delicada y sutil de tratar la Música, esa sensibilidad que hace que lo que suena parezca un idílico encuentro con nuestros sueños y un viaje inacabable de nuestra mente, dueña y señora de todo lo que podemos sentir.
Para degustar esos momentos en los cuales la Música es mucho más de lo que nos llega, una traslación temporal convertida en belleza y sensaciones, "An Evening With..." es una manera perfecta de irse sin moverse, no volver sin habernos movido y sobre todo creer en lo que deseemos a través de la magia y todo lo que la Música nos ofrece, que según queramos puede ser infinito o el principio de algo maravilloso.

SIDE 1:  Rain;  Cold wind;  September wine;  Cat song
SIDE 2:  In the country;  Drops of Brandy;  End of the game;  Lazily Slowly





Garry


Spirit In The Night 1975


Spirit In The Night 1973


Poster


De Vinilos y Otras Glorias MCCXLIII

Elegante, refinado, el Rock más habitual llevado con clase por un grupo efímero de una calidad incuestionable.


Home (Home) 1972


El segundo disco de la banda británica Home nos sigue dejando un Rock de los que uno no se cansa nunca, de esos que aúnan calidad compositiva y calidad interpretativa para llevar eso que nos apasiona y que se mueve en un estilo para levantar los pies del suelo.
La guitarra como alma madre de la Música que nos enseña Home, composiciones todas ellas firmadas por Mick Stubbs (con alguna ayuda en tres) cerebro y guía del grupo, seis cuerdas de acero que en los riff se van hacia arriba y en los solos marcan la pericia de un guitarrista que pocos años después (dos para ser exactos) comenzaría a escribir su nombre con letras de oro en la historia del Rock británico, Laurie Wisefield, un portento de calidad, estilismo y técnica.
El disco no enseña nada que no se sepa y no esconde nada, ocho canciones del Rock más clásico que mezclan los ritmos más frenéticos en juegos de guitarras que van y vienen sin cesar junto a baladas y melodías para dulcificar y templar los ánimos que nunca llegan a dispararse pero que tampoco decaen. La steel que entra cuando Laurie lo decide marca sonidos de otros estilos y se mezcla de manera perfecta con la guitarra tradicional.
La sección rítmica compacta y sobria con Cliff Williams al bajo y voz y Mick Cook en la batería, permite a las guitarras y la voz sustentar los temas, arreglos de cuerdas y pianos manejados por Stubbs que en las canciones más suaves quedan muy bien y marcan sueños dulces entre riff más elevados de tono. La voz de Stubbs es quizás lo que más me aleja del resto, se arregla un poco con los conjuntos corales pero podría llegar más allá de lo que lo hace (en esto se nota mucho que los temas son suyos)
Un disco de los que se escuchan solos, composiciones que nunca van a sorprender por la complejidad o el impacto de lo que se escucha pero que ofrecen esa Música que los sentidos reconoce y recuerda en cualquier lugar, en cualquier momento, en cualquier situación, y eso como digo siempre no tiene precio para quienes amamos los sonidos y lo que nos dan.

Side One: Dreamer;  Knave;  Fancy lady, Hollywood child;  Rise up;  Dear Lord
Side Two:  Baby friend of mine;  Western front;  Lady of the birds


De Vinilos y Otras Glorias MCCXLII

Una banda que sublima los momentos en los cuales se puede soñar sin más compañía que una melodía acariciando la piel.


Heron (Twice As Nice & Half The Price) 1971


Hay momentos musicales en la historia del Folk que hicieron que este estilo diese un salto de calidad marcando un punto de inflexión en lo que eran las composiciones y lo que fueron a partir de ahí. Las Islas fueron las valedoras en el nacimiento de grupos y solistas excepcionales que dieron una vuelta de tuerca a esta Música que navega entre la historia y las nuevas formas de expresión musical desde hace décadas, y entre esos portentosos instantes de calidad musical se encuentra Heron.
"Twice As Nice & Half The Price" es su segundo trabajo, que en formato de doble disco nos vuelve a dejar un monumento a la sensibilidad y la delicadeza en forma de veintiuna canciones que se empeñan en hacernos felices y dichosos a través de los sonidos, las melodías entrelazadas entre sentimientos y la mejor manera de no ser nada que no sea parte de lo que nos proponen.
Las voces de los cuatro componentes del grupo comienzan guiándonos por senderos de sublime belleza, coros de altísimo nivel que recorren los espacios (y por qué no decirlo) y las épocas para embaucarnos en ese viaje sin retorno que tiene la calidad y las palabras salpicadas de melodías. Solistas, dúos y conjuntos corales que dan paso a la armonía de las acústicas mecidas y acariciadas por unos dedos que apenas rozan las cuerdas para sacar esa Música tan especial que el estilo ofrece.
Junto a ellas los teclados metidos en su justa medida envolviendo el conjunto y una sección rítmica que en ocasiones se encuentra escondida esperando para contener toda la magia lanzada al viento.
Un disco que va pasando y sin darnos cuenta nos hace suyo con el devenir de las canciones, pequeñas piezas por lo general entrelazadas con algunas composiciones que alargan el sueño entre notas y susurros ("John Brown" y "Winter Harlequin" demuestran que la sensibilidad se puede beber en pequeños sorbos o a grandes tragos sin reducir un ápice la calidad)
Un disco para que todo fluya y se nieguen los momentos oscuros; calidad, belleza y lo que la Música es capaz de recrear en los sentidos cuando está hecha con la magia.
Roy Apps voz, guitarra, piano, teclados, percusión. Steve Jones teclados y voz. Tony Pook voz y percusión. Gerald T. Moore vpz, piano, guitarra, percusión.

De Vinilos y Otras Glorias MCCXLI

Una artista sin igual en un momento portentoso cuando en lo que hacía había muy pocas como ella, y había mucho y bueno.


Aretha Franklin (Spirit In The Dark) 1970


Para una artista que siendo una adolescente ya entonaba canciones y era buscada para grabar por su portentosa voz, su personalidad y su talento, decir que "Spirit In The Dark" lanzado en el año 70 es su décimo octavo álbum puede sonar a bomba sin espoleta, pero es la realidad de una artista sin límites.
El final de la década de los sesenta nos dejó una Aretha prolífica y emocionante, y este disco, injustamente valorado por el público pero muy tenido en cuenta a nivel de crítica y que con el tiempo se ha convertido en uno de sus mejores trabajos, es una poderosa combinación de melodías, Soul puro y emociones desgarradas en forma de temas que surgen de las entrañas para salpicarnos la piel.
Un disco en el cual los más de diez años de carrera que ya atesoraba la cantante la hacen manejar cada momento de una manera muy especial, con su voz poderosa y exquisita llegando hasta donde quiere, esos momentos de intimidad que la banda le deja cuando Aretha toma el piano y recorre las notas y la implicación en la composición de prácticamente la mitad de la obra que además salta las barreras de escasa duración para llegar un poco más allá dentro del estilo.
Temas con el sello indiscutible de la artista en su primera grabación con el sello Atlantic, que puso a su disposición un memorable grupo de músicos (habituales algunos de sus giras y requeridos para la ocasión otros) que mantienen perfectamente el equilibrio de los temas, hacen surgir desde la nada la apabullante voz que envuelve todo y se dedican (que no es poco) a dejar que sobre las notas este genio de la Música se deslice con la insultante facilidad que suele hacer.
Quizás el disco se topó con unos años en los cuales las creaciones de Aretha fueron Música y parte de la compleja sociedad en la cual le tocó vivir por igual, debido a su implicación social y referente musical, pero "Spirit In The Dark" es un tremendo trabajo de Música de calidad, Soul de altísimo nivel y sonidos que estremecen hasta decir basta. 
Esa oscura fotografía que marca aún más la imagen del disco, con ella entre sombras y sin los alegres colores habituales me fascina porque va acorde a un disco que se te mete por donde menos lo esperas con esa intensidad que dan la noche y los sueños.
Si lo deseas, es para disfrutar, si lo quieres, es para retener en la memoria, a partir de ahí lo que el alma te pida.

Side One:  Don't play that song;  The thrill Is gone;  Pullin';  You and me;  Honest I do;  Spirit in the dark
Side Two:  When the battle Is over;  One way ticket;  Try Matty?s;  That's all I want from you;  Oh no not my baby;  Why I sing the blues

De Vinilos y Otras Glorias MCCXL

De nuevo con nosotros un genio de los que hay que saborear a menudo para saber que la Música de calidad no entiende de nombres.


Roy Harper (Folkjokeopus) 1969


Cuando una publicación que se extiende desde hace décadas opinando sobre la Música, los músicos y sus obras (de la cual de vez en cuando busco para saber porque obviamente no son cualquiera) comenta sobre la tercera obra de Roy Harper que es "Sprawling and Unwieldy" y por ello lo valora como un disco menor en la generalidad de los sonidos, evidentemente eso puede marcar la escucha o no de "Folkjokeopus", pero de verdad que me sorprende que algo como lo que nos visita se pueda criticar por esas razones.
Extenso y difícil de manejar en un disco en el cual Harper demuestra su talento compositivo llevándonos a melodías y canciones sublimes, donde su maestría a la guitarra queda demostrada como lo que es, un grande, y su voz es una pieza para viajar a través de los sueños... me parece que es hilar muy fino o no hilar nada.
Quiero y deseo piezas de Música como esta extensas y difíciles de manejar a lo fácil y corto si comparo la calidad por encima de todo lo demás, y "Folkjokeopus" es un grandísimo disco que se degusta con el placer de una obra que atesora canciones que son parte de los sueños por su calidad.
La inmensa inspiración vocal y coral de "She's The One" con falsete incluido nos va dirigiendo por ese universo único y emotivo en el cual el músico se maneja, con temas que en su extensa calidad esconden un abanico de posibilidades tremendas. "One For All" y sus 8'11" son un pequeño deseo para satisfacer paladares exigentes, guitarra de terciopelo y el maestro transgresor a las seis cuerdas. La joya compositiva llamada "McGoohan's Blues" que en sus 17'55'' se convierte en un viaje y un referente en el disco, nos aleja de las brumas para hacernos deambular por la Música en estado puro, varias canciones dentro de la propia canción que cambia sin cesar en un ejercicio de calidad musical.
Inspiración, belleza, sensibilidad y sentimiento en los 47'57'' (nada densos) que nos regala un Harper de emociones al viento, con incursiones en el sitar y el gusto por expresar todo lo que un músico de su calidad puede hacer.
Disfruta de una Música sin límites, fronteras ni artificios, disfruta de la pureza del Folk Prog. de belleza y gusto y vuela sin freno hasta donde tus sentidos te indiquen. Lo de volver... otro día.

Side One:  Sgt. Sunshine;  She's The One;  In The Time Of Water;  Composer Of Life;  One For All
Side Two:  Exercising;  McGoohan's Blues;  Manana

domingo, 21 de diciembre de 2014

Hey Joe


Eterna


Hay gente que se cansa cuando mira la belleza, quizás porque lo más bello es tan mundano que buscan algo más allá de lo que esperan.

No busco porque siempre me ha sido dada la oportunidad para descubrir belleza en lo que me rodea, lo que miro, lo que vivo en el día a día de un lugar cualquiera. Tampoco busco porque desee encontrar esos instantes que mi mente a través de la retina guarda para la eternidad de mi propia existencia, están y a veces vienen a mí dados por lo que aspiro cuando respiro profundamente las ansias por vivir.

Lo eterno no es porque nunca se acabe, lo eterno es porque se pierde en la memoria y jamás se olvida, porque al final ser finitos nos impide saber qué es realmente la eternidad. He recorrido con mis pies, a veces cansados, a veces con ganas de comerse el mundo, lugares que son parte de esa eternidad tan fugaz como el propio ser humano, esos espacios donde te sientes pequeño porque ya te han visto a pesar de no haber estado, donde el hombre es una mota de polvo a través de los siglos, y me he sentido infinitamente eterno por saber que no lo soy.

Cuando los rostros pétreos te miran fijamente desafiando el tiempo, cuando las enormes columnas de férrea construcción se alzan altivas por encima de tu cabeza, cuando las piedras del camino se ríen de ti porque no puedes descubrir nada que no haya sido ya escrito, en esos momentos sentirme insignificante me sublima porque el humo y el polvo que seré es ya parte de todo lo que me excita y llena mis sentidos.

Mis ojos, los mismos que se llenan de lágrimas ante la emoción de lo que fui siglos antes de haber nacido, recorren el infinito que se presenta ante ellos tras el meandro de un río eterno, un coloso de pies gigantes, unas columnas que no tienen final o el aroma del polvo levantado por carruajes que no saben qué es el final de los tiempos.

domingo, 14 de diciembre de 2014

Música


Hoy es un día más, la niebla lo envuelve todo, la humedad realza ese sentimiento de lejanía que dejan las sombras. 
Es de noche, lo mundano se ha retirado a su cubil, comienza el momento por el cual espero. 
Una melodía atraviesa las sombras, me llena como la fina lluvia a través de la nada, ella ha vuelto para tenerme y dejaré de nuevo mi alma en sus manos.

Poster


sábado, 13 de diciembre de 2014

De Vinilos y Otras Glorias MCCXXXIX

Un tipo muy especial, que hoy hace cosas (si las hace) de otra manera, pero en estas épocas hacía gasolina de 1.000 octanos con el pipí de vaca, y eso no es ninguna broma (aunque lo parezca)


Al Stewart (Love Chronicles) 1969


Segundo trabajo del escocés Al Stewart, que por estas épocas realizaba joyas como esta dentro de un Folk exquisito y de una calidad brutal.
Trabajo de autor, miserias de la vida y la existencia pasadas a Música de la mano de un talento que tras una presentación ya bastante emocional se dejó la piel y nos la erizó con este "Love Chronicles", una andanada de sensaciones que te habla a través de la Música para que todo parezca del color que ésta ofrece.
Al margen de parecerme una joya, la calidad musical del disco te lleva hasta donde quieras, un viaje a otra dimensión de la mano de un artista que simplemente sabe qué, cómo y de qué manera, algo tan difícil y que Al Stewart hace fácil en este disco sublime de Música para soñar.
La voz ya te va poniendo en órbita, las guitarras acústicas te colocan en la antesala del placer y el resto de los instrumentos cuando van entrando de manera pausada, sólida y sin prisas escriben el guión de una película perfecta, en la cual todo es bueno, todo cuadra, todo sale según el que la escucha, porque este disco lo haces tuyo y lo tienes dentro de lo que te apetece en esos instantes en los que estás para... eso tan humano como es el placer.
Cuando gente como Jimmy Page, Ashley S. Hutchings, Brian Odgers, Simon Breckenridge... se interesan por el disco y participan en él, algo debe tener, y lo que tiene es la cautivadora emoción de la belleza, la Música elevada a la categoría de arte desde las canciones escritas, los arreglos realizados y la interpretación que llega de manera magistral para ser saboreada.
"Love Chronicles" y sus 18'04'' es la demostración de sentirte en la cumbre de la montaña, pero para llegar a ella has recorrido un camino nada tortuoso por lo placentero de Música que te ofrecen joyas como "Ballad Of Mary Foster", 8'02'' de suave caricia, "Old Compton Street Blues", un tema que te abduce hasta lo más profundo, la maravillosa sensación de "In Brooklyn" o el viaje sin retorno que te ofrecen "Life And Life Only" y "You Should Have Listened To Al".
Maravilloso, sublime y genial, una caricia en la piel y un beso en los labios, Música para soñar (una vez más) y perderse donde nadie pueda alcanzarte (o sólo quien tú desees)

De Vinilos y Otras Glorias MCCXXXVIII

Afortunadamente seguimos siendo los cuatro de rigor, por eso nos podemos permitir barbaridades como esta para que los poderes establecidos (que no tienen ni puta idea de que existimos) nos molesten.


Charlies (Musiikkia Elokuvasta Julisteiden Liimaajat) 1969


Tras este nombre tan fácil de pronunciar y que se queda en la memoria sin ningún tipo de problema se esconde la obra de presentación de un grupo que fue y aún es (por lo que he podido saber gracias a mi amigo en esas tierras) un mito en Finlandia.
Charlies llegó a la Música con este trallazo directo a las entrañas que nos lleva por el Hard más puro, el Hard Prog. más puro y los deslices por el Blues eléctrico con arreglos de Prog. más puro. En definitiva, Charlies es un grupazo de Música que se presentó en sociedad con este disco grabado en Finlandia, cantado en finés y elevado a la categoría de grande para la Música universal. 
El disco que nos llega, por mor de circunstancias y diversos avatares comerciales, tiene incluido su single de cuatro canciones grabado a comienzos de 1969 que ya supuso un impacto bastante importante en la época, tanto en su país como allende las fronteras de Finlandia (supongo que por eso su coste en € es de aquella manera) con lo cual nos encontramos con un inmenso trabajo de más de 50' que no deja indiferente por su calidad y la cantidad de lo que ofrece.
Brutal, directo a los sentidos, Rock de altura y Música sublime para lidiar con los sueños más oscuros, eso nos ofrecen los cinco componentes de esta banda que se dejan la piel para ofrecer Música de la que te metes en vena y después destilas a través de las entrañas, temas que son parte de lo que tu cuerpo pide cuando tienes ganas de romper con todo.
La animalada llamada "Sunshine Supergirl" en sus 18'36'' deja bien claro que el grupo no va de broma, solos impactantes del bajo y la batería, una voz desgarrada y el grupo ofreciendo lo que pueden ser para que se sepa, que siempre es bueno. Blues al uso en la maravillosa "Rautavaimo", 6'51'' de eléctrico y potente Blues para ponerte las pilas. 
Una banda con estilo cuando nadie sabía qué era eso de... músicos que han mamado lo que saben y lo desgranan con energía y sobre todo mucho sentimiento, consiguiendo un disco de Música para soñar, evadirse y saber que aún es posible, algo que nos lleva hasta donde queramos.
Bienvenidos a donde nadie sabe qué somos, escucha, disfruta y piérdete más allá de lo que te cuentan, porque eso es... otra historia.
Vellu Lehtinen voz y armónica. Juha Saali voz. Eero Ravi guitarra. Kari Lehtinen bajo. Ari Ahigrén batería.

De Vinilos y Otras Glorias MCCXXXVII

Nos damos un salto atravesando la vieja Europa para recalar en ese país en el cual los aires mediterráneos se mezclaron durante una época sin pudor con los sonidos llegados de las Islas.


Capitolo 6 (Frutti Per Kagua) 1972


Formado de la fusión de diversas bandas de la escena Pop italiana en el año 69, no es hasta ya entrada la década setentera cuando consiguen tras años actuando en festivales y eventos que un amigo que se dedicaba a cazar talentos (más o menos) les consiga un contrato para firmar la única obra del grupo, este magnífico trabajo llamado "Frutti Per Kagua" una ópera en cuatro actos que no es sino el desarrollo de una idea concebida desde la exhibición musical y la historia en clave de Prog. de Música hecha con la pasión.
Disco infravalorado por crítica y público cuando salió a la luz y hoy valorado en su justa medida por lo que fue, un gran disco original y lleno de ideas. Momentos de calma que adormecen los sentidos con largas incursiones instrumentales se dan la mano en constantes cambios de ritmos y tempos de auténtico Hard Prog, momentos más que brillantes que llenan de energía todo lo que se te viene encima, guitarras ardientes y duras en riff contundentes o solos explosivos junto a duetos que se transforman en diálogos entre la flauta y la batería, como en "Frutti Per Kagua" o "Il Tramonto Di Un Popolo" en los cuales también se resalta la parte vocal, poderosa y enérgica.
Textos visionarios pero profundos, significados sobre la existencia, la vida... tremendos los textos que vienen dados por Francesco De Gregori en una colaboración muy especial que enriquece la obra, una Música a la cual se adaptan las palabras como parte indisoluble de ella. 
La tremenda "Frutti Per Kagua" ocupa toda la cara A del disco, 22' de Prog. clásico y de calidad, una obra dentro de la obra, un recorrido por los sueños contado y cantado a golpe de garganta, una exhibición compositiva para disfrutar sin mesura.
Tres temas nos deja la cara B, la melodía suave y encantadora de "Grande Spirito" en la cual la voz dirige el llanto y sufrimiento con la banda siguiéndola hasta el final del camino. "Il Tramonto Di Un Popolo" revive la energía del principio y el disco se termina con otra larga suite de 11', "L'Ultima Notte" en la cual los cambios y recovecos te mantienen atento a todo lo que tus sentidos pueden absorber, una demostración instrumental fantástica.
Disco para disfrutar y viajar con la propuesta, imaginación y palabras que llevan hasta el final de los sueños.
Riccardo Bartolotti voz, flauta y guitarra. Maurizio Romani bajo. Lorenzo Donati batería. Antonio Favilla teclados



De Vinilos y Otras Glorias MCCXXXVI

De los grupos que no pudieron hacer, o que no quisieron, una carrera dentro de la Música Prog. con duración pero entregaron obras de una calidad incuestionable, una pequeña muestra venida de frías tierras.


Junipher Greene (Friendship) 1971


Valor y muchas ganas es lo que no se les puede negar a este grupo de Prog. llegado de Noruega, más concretamente de Oslo, ya que su primera obra fue lanzada en formato de doble vinilo, lo que da una idea de que al menos ideas y mucha energía sí destilaban.
Quinteto de Prog. melódico clásico con profusión de teclados y especial sonido a través de la flauta que no sólo no se esconde durante la grabación sino que en algunos pasajes de los temas se convierte en el instrumento solista peleando en constantes batallas instrumentales con el "Hammond" y la guitarra.
Temas de largo recorrido se alternan con otros de menor duración en los cuales la melodía y el clasicismo se nota mucho más, pero no se alejan de la tradición Prog. de los temas que varían y cambian radicalmente dentro del mismo. Obra grande como concepto y musicalmente preciosa, temas con una energía descomunal en su interpretación, como "Try To Understand" con la que se abre el disco o la brutal "A Spectre Is Haunting The Peninsula".
Por supuesto que el tema estrella es "Friendship", 23' de orgía sensorial que ocupa el último espacio de la cara a del segundo disco y toda la cara b del mismo, tremendo en su creación y una delicia escucharlo interpretar, una ópera dentro de la ópera que es en sí el disco en su conjunto.
No se enseña nada que no se haya escuchado pero no se esconde nada de la calidad que atesora, porque "Friendship" nos desarrolla espacios de Hard Prog., Psycho tardía y sonidos que rayan lo canterburiano en según qué pasajes, pero todo realizado con una calidad mucho mayor de lo que cabe suponer por el desconocimiento del grupo y su obra. 
Muchas ideas y todas buenas en el tiempo en el cual el espacio se llena con la Música de esta obra que no deja nada al azar, voces y coros filtrados para expresar esa sensación de profundidad que se busca en temas determinados, cambios de tempo, de atmósfera, riff ardientes y el "Hammond" que chirría hasta enloquecer, una base rítmica sólida y contundente y esos cambios que realizan con mucha elegancia y clase.
Si con lo habitual no te basta, descubre Junipher Greene y vuela dentro de ese universo infinito llamado Música.
Helge Groslie teclados y voz. Bent Aserud guitarra, flauta y voz. Oyvind Vilbo bajo. Geir Bohren batería y voz. Freddy Dahl voz y guitarra.

SIDE 1:  Try to understand;  Witches' daughter;  Music for our children
SIDE 2:  A Spectre Is Haunting The Peninsula;  Sunrise/Sunset;  Magical Garden
SIDE 3:  Autum diary;  Maurice;  Attila's Belly-Dance; Friendship
SIDE 4:  Friendship


Janis


It's Too Late


Música


El tiempo recorre mi piel como el viento en una mañana de otoño. Sé que soy esclavo de mis propias prisas y no soporto la mediocridad de lo que me rodea. Quisiera escapar con la mente hacia ese lugar en el cual me encuentro libre sin el martillo de las horas golpeando mi conciencia.

Puedo sentir que traspaso la barrera del mundo real cuando los primeros sones de la Música acarician mis sentidos. Un fogonazo que detiene todo alrededor y me transporta, que me hace vibrar de la mano de lo único que puede servirme para llegar un poco más allá. 

Lúcidos momentos que calman mi cerebro cuando los sonidos me traspasan, abren mi cuerpo hacia ese universo mágico, intangible, de colores creados por mi imaginación, en el cual me muevo. Soy de nuevo, siento otra vez, sé que mi amante está envolviéndome con su abrazo y puedo creer en cualquier cosa.

Hey Jude


Poster


De Vinilos y Otras Glorias MCCXXXV

De lo que se conoce y no tanto, un grupo que comenzó como un estilo y se reencarnó como supremo mesías de otro, aquí nos visita cuando era algo... fascinante.


Deep Purple (The Book Of Taliesyn) 1969


El que terminaría siendo uno de los iconos más populares y seguidos del Hard en estado puro, mito y habladuría hasta la extenuación, comenzó con un talante musical de marcado clasicismo y Prog. de corte duro y contundente.
"The Book Of Taliesyn" es el segundo disco de una trilogía que con el tiempo se me ha antojado siempre fascinante, por la diversidad de estilos musicales abarcados por el grupo dentro del Prog. que hacían y por la calidad mental de sus componentes en los arreglos y toques clásicos, especialmente John Lord y el sello de formación primigenia como músico clásico.
Al margen de la fascinante portada, preciosa y sugerente para estar durante horas descubriendo cosas y mensajes en la misma, y el título del disco sacado de un libro del siglo XIV, la obra se desenvuelve entre arreglos Prog. de versiones de temas famosos ("Kentucky Woman", "We Can Work It Out") y otros de nueva factura creados por la banda. Entre las versiones la demostración instrumental de 10'12'' de "River Deep, Mountain High" que consigue un tema de fuerte impacto dentro del momento Prog. que la banda propone. 
En los temas de nuevo cuño el grupo se maneja en un formato que varía según las composiciones y su autor, desde el Rock Sinfónico Barroco que propone Jon Lord en "Exposition" y "Shield" al aria de siglos pasados metidos en una Música Clásica al uso "Anthem", pasando por el Hard Prog. de la instrumental "Wring That Neck" compuesta por los otros miembros del grupo y que suena al Purple conocido de los setenta.
Un disco en el cual se integran perfectamente tendencias y estilos unidos todos por ese sello inconfundible que el Prog. ofrece y que de la mano de los cinco músicos consigue crear un ambiente de Música heterogénea que no se dispersa en absoluto, sino que lleva al disfrute de la obra de manera más que gustosa.
Los comienzos distintos y casi enigmáticos en ocasiones de un mito que a pesar de los pesares no pudo borrar (para alegría de muchos de nosotros) estos años de inspiración venida de universos sonoros ajenos a lo que serían.
Ritchie Blacmore guitarra. Jon Lord teclados. Ian Paice batería. Nick Simper bajo. Rod Evans voz.

De Vinilos y Otras Glorias MCCXXXIV

Nombre propio en el mundo de la Música sublime y que además fue por sí mismo piedra angular de mucho de lo que se creó.


King Crimson (Starless And Bible Black) 1974


Media década después de asombrar al mundo con la creación de una obra magna en la historia del Prog. y posteriormente demostrar que el estilo se escribía con la mente de algún iluminado llamado Robert Fripp, el creador de ese mundo fascinante y los músicos que creían en la aventura nos traen este "Starless And Bible Black", un disco que para el que suscribe está por encima de lo que siempre se ha pensado en las creaciones de la banda.
Título enigmático, tomado de Dylan Thomas, y nuevo sistema de registro para la obra, utilizando la sala de conciertos como estudio de grabación (una técnica usada mucho antes por otro genio, mi querido Zappa) en la cual se registran en directo los temas y más tarde se pulen en el estudio de grabación propiamente dicho.
Un disco enorme en su nivel musical, inspirado e inspirador para volver a disfrutar de la Música y el universo onírico de Fripp, especialmente con las maravillosas muestras de interpretación que nos deja la segunda cara, improvisaciones inmensas al estilo de los comienzos del grupo con los 9'11 de "Starless And Bible Black" y el final de la fiesta transformada en 11'14'' de instrumental delirante y precioso llamado "Fracture".
Prog. en estado puro y una vuelta de tuerca a la Música de King Crimson con la guitarra de Fripp y las muestras del más clásico estilo gracias al violín de David Cross que nos sugiere y lleva por ese viaje que la banda siempre ha intentado realizar con sus sonidos.
Casi todo lo bueno cabe en el disco, el gótico urbano que nos llega de la mano de "The Mincer", las improvisaciones instrumentales con la ya citada "Fracture" y la bella "Trio"; una delicada caricia con texto inspirado en la obra de Rembrand "Ronda Nocturna" llamada "The Night Wach" y momentos de inspirada oda Crimson como "The Great Deceiver" o "Lament".
Disco para disfrutar (de nuevo) del Prog. más elevado, inmenso y de calidad de la mano de los músicos y las mentes que crearon un universo único para que los sentidos se despierten y las entrañas se remuevan. ¡¡¡Disfrútalo!!! es todo tuyo.
David Cross violín, viola y teclados. Robert Fripp guitarra, mellotrón. John Wetton bajo y voz. William Bruford batería.

sábado, 29 de noviembre de 2014

De Vinilos y Otras Glorias MCCXXXIII

Seguimos respirando el aire puro de las andanadas del Prog., concepto y magia en la creación de sonidos y lo que significan.


The Moody Blues (To Our Children's Children's Children) 1969


De un grupo que fue (junto con otros nombres gloriosos) el primero en ese intento de ir desde el Pop al Prog. como idea de obras completas y complejas, no es de extrañar que aún en la década de los sesenta entregaran su quinto trabajo, este "To Our Children's Children's Children" que en mi opinión es su obra más personal y a pesar de todo no tan reconocida como debiera.
Un disco que sigue los caminos trazados por el grupo pero que me sugiere un ambiente más intimista, más cercano a los propios músicos que parecen querer expresar esas emociones que surgen desde lo más profundo y estallan en forma de sonidos cuando la aguja realiza su acto de amor sobre el vinilo.
Sigue manteniendo esa estructura tan de ellos que nos llevan al concepto de obra, un todo que se va formando a partir de partes que manejan esos pedazos de intensidad musical en forma de canciones y que acaban engarzando el puzle en el cual se convierte el disco, aunque no es la obra conceptual más enérgica de The Moody Blues por la uniformidad, pero sigue viéndose esa "historia dentro de cada historia". En esos espacios que se aprecian como parte que forman el todo, dos de los temas más bellos de la banda, "Watching And Waiting", una balada de suave textura que invita a soñar, y "Gypsy", otro de esos temas para salir de este mundo y perderse en la inmensidad de nuestros deseos.
Los temas de larga duración se cambian en esta ocasión por otros que son como impactos dentro de la obra total, una intensidad que comienza en lo más alto y va relajándose a medida que se desgranan los minutos hacia un Rock de tendencia melódica y tranquila.
Quizás el último álbum del Prog. sinfónico y melódico más puro realizado por el grupo, una obra hecha para el estudio, realizada a través de los momentos más íntimos y que difícilmente ha sido plasmada en directo; un disco completo, musicalmente impregnado de esa belleza que sugiere y que provoca a los sentidos, para degustar y... en eso cada uno con sus emociones.
Justin Hayward voz, guitarras, sitar. John Lodge, voz, bajo y armónica. Ray Thomas, voz, flauta, oboe, percusión. Graeme Edge batería y percusión. Mike Pinder, voz y teclados.


De Vinilos y Otras Glorias MCCXXXII

Otro de los grupos clave en lo que se fue definiendo como una de las formas de expresión más increíbles de la segunda mitad del siglo XX.


Family (A Song For Me) 1970


Mito en la época y uno de los grupos señeros en la transición de la Psycho al Prog., Family es la perfecta armonía entre dos décadas que aspiraban a ser historia dentro de la Música.
Quizás parezca algo banal, pero para mí es muy importante recordar que el grupo también fue pionero en dar más importancia al vinilo de 33rpm que al disco de 45rpm, intentando en sus obras ese concepto de homogeneidad que la larga duración requiere (al menos en una Música como la suya)
"A Song For Me" es su tercer trabajo, parido tras dos monumentos que son parte indisoluble del mejor Prog. de la época. Quizás por eso no llega en lo que se presupone al magno espectáculo de ellos, pero en mi opinión es un pedazo de disco que encierra aún todo lo que Family era como banda creativa y original.
La salida de dos de los miembros de la banda original, Jim King y Ric Grech provoca que el sonido del grupo se resienta un poco en cuanto a lo buscado en sus primeras obras, pero la entrada de John Palmer y John Weider no desmerece en cuanto a la calidad, aunque la Música varíe ligeramente. Aún así, la voz de Roger Chapman marca (como no puede ser de otra manera) esa mágica impresión que nos ofrece toda la creatividad del grupo, que en este caso nos deja un disco más ágil, vigoroso y con un cierto sentimiento de caos en el sentido creativo del término, si no tan fascinante como lo entregado anteriormente sí más impactante y sorprendente en algunos aspectos que pudieran no esperarse tanto.
Entre el Folk y el Hard, nos llegan sonoridades acústicas con arreglos más intrincados, canciones distintas a lo que sabíamos de la banda y el uso de instrumentos por primera vez dentro del grupo, como el vibráfono, usado de manera continua y habitual. También nos deja el título más extenso en duración de la historia de la banda, "A Song For Me", en el cual demuestran su saber hacer compositivo y la maravillosa capacidad vocal de Chapman llega a niveles de excelencia. 
Un disco de la época más dorada de ese Prog. en constante evolución que se dirigía directamente a las estrellas, para gozo y disfrute de los que amamos ciertas cosas incomprensibles. ¡¡¡Disfrútalo!!!
Roger Chapman voz y percusión. John Whitney guitarras, banjo, órgano. Robert Townsend batería, persución, armónica. John Weider guitarra, violín, dobro. John Palmer vibráfono, piano, flauta.

Side One:  Drowned in wine;  Some poor soul;  Love Is a sleeper;  Stop for the traffic through the heart of me;  Wheels
Side Two:  Song for sinking lovers;  Hey let It rock;  The cat and the rat;  93's ok J;  A song for me 


viernes, 28 de noviembre de 2014

Bad Company


Música


Estaba solo en la habitación, pensando en la nada más absoluta, ese negro espacio donde me refugio de vez en cuando para desaparecer de todo, y una sensación comenzó a invadir mi cuerpo.
Mis sentidos se pusieron en guardia y mi cuerpo comenzó a levitar como si me hubiese convertido en algo etéreo, ligero como una pluma y con la sensación de escapar de la realidad que me rodeaba.

A lo lejos, cubriéndolo todo, una nube se acercaba al ritmo de caprichosos movimientos que iban seduciéndome conforme la miraba. No podía ni quería moverme, seguía flotando sobre la nada y todo lo que mi universo representaba, y dejé que su manto me cubriese por completo.

Dentro de ella, sin nada más que mis sentidos y yo mismo, me di cuenta que todo se había convertido en una melodía compuesta por los millones de temas que a lo largo de mi vida me habían hecho sentir vivo. Una melodía que se formaba con los pedazos de un ser que había sido a través de las notas que acariciaban su piel, un ser que creía más allá de lo que era, en ese mundo infinito que la Música ofrece.

Me encontraba en el interior de mis deseos, unido como un todo con lo que había formado mi esencia, lleno de lo que me hacía respirar, sentir, seducir en la mente, estaba en el umbral de la inmortalidad que me ofrecía lo que nunca se sintió abandonado por mí, la Música y todo lo que era, lo que había sido y lo que podía desear en mis más profundos sueños.

domingo, 23 de noviembre de 2014

De Vinilos y Otras Glorias MCCXXXI

Un mito del Prog. se asoma de nuevo a nuestro espacio para dejarnos una obra de una innombrable belleza.


Emerson Lake & Palmer (Pictures At An Exhibition) 1971


Que ELP han sido uno de los mitos e iconos del Prog. no creo que lo dude nadie, que formaron un grupo capaz de romper muchos de los tabúes que el mundo del Rock aún tenía metido entre sus ideas tampoco, y que algunas de sus obras son historia viva de la Música del siglo XX por lo que significaron... creo que si se duda se les conoce poco.
Quizás la formación que nos ocupa fue la que en mayor medida se lanzó a mezclar esos estilos tan distantes en lo creativo como el Pop Rock y la Música Clásica, y es muy posible que este "Pictures At An Exhibition" basado en el obra del compositor ruso Modest Mussorgski sea uno de los trabajos (si no el que más) de perfecta sintonía y mezcla entre lo clásico y el mundo del Rock.
Dentro del mundo del Prog. y más concretamente del Prog. Sinfónico este disco supuso una alteración del orden establecido llevado hasta las últimas consecuencias, porque si bien se han hecho más de una versión en formato de estilos ajenos a la Música clásica de esta obra, ninguna con el resultado que ELP consiguieron. 
Grabado en directo en el año 1971 en el Newcastle City Hall, lo cual da a mi entender más valor aún a la propuesta del grupo, Keith Emerson ejerce de dueño y señor de la escena con sus teclados inundando el ambiente por todos lados, mientras sus compañeros cubren todo lo que se debe cubrir con la clase que les caracteriza (la escasa guitarra y sobre todo el bajo de Greg Lake se desmelena en muchos instantes y lo que no se puede eludir, ni el mismo Emerson, es la poderosa batería de Carl Palmer cuando decide saltarse todo para patearte las tripas) y van desgranando tema a tema toda la obra hasta conseguir meterte en un viaje que recorre siglos de historia en idas y venidas constantes, sin pausa, sin mesura y sin ningún tipo de pudor.
Salvo el final del disco, que es una versión de "Nutrocker" de Kim Fowley (no sé si para dar a entender que no todo era Clásico y serio o porque se les quedaba corto el concierto) la obra como tal es el acercamiento al público del Pop Rock de lo clásico realizado por un grupo de tal calidad que en sus manos la Música parece una apuesta que todo el mundo puede hacer.
Un disco para conocer de primera mano lo que se pensaba que el Prog. podía aportar al mundo de los sonidos más allá de la propia Música, y un recorrido por la historia de un estilo que consiguió mucho más de lo que al final los libros pueden escribir.

SIDE ONE:  Promenade;  The gnome;  Promenade; The sage;  The Old Castle;  Blues Variation
SIDE TWO:  Promenade;  The hut of Baba Yaga;  The curse of Baba Yaga;  The hut of Baba Yaga;  The great gates of Kiev;  Nutrocker