sábado, 29 de noviembre de 2014

De Vinilos y Otras Glorias MCCXXXIII

Seguimos respirando el aire puro de las andanadas del Prog., concepto y magia en la creación de sonidos y lo que significan.


The Moody Blues (To Our Children's Children's Children) 1969


De un grupo que fue (junto con otros nombres gloriosos) el primero en ese intento de ir desde el Pop al Prog. como idea de obras completas y complejas, no es de extrañar que aún en la década de los sesenta entregaran su quinto trabajo, este "To Our Children's Children's Children" que en mi opinión es su obra más personal y a pesar de todo no tan reconocida como debiera.
Un disco que sigue los caminos trazados por el grupo pero que me sugiere un ambiente más intimista, más cercano a los propios músicos que parecen querer expresar esas emociones que surgen desde lo más profundo y estallan en forma de sonidos cuando la aguja realiza su acto de amor sobre el vinilo.
Sigue manteniendo esa estructura tan de ellos que nos llevan al concepto de obra, un todo que se va formando a partir de partes que manejan esos pedazos de intensidad musical en forma de canciones y que acaban engarzando el puzle en el cual se convierte el disco, aunque no es la obra conceptual más enérgica de The Moody Blues por la uniformidad, pero sigue viéndose esa "historia dentro de cada historia". En esos espacios que se aprecian como parte que forman el todo, dos de los temas más bellos de la banda, "Watching And Waiting", una balada de suave textura que invita a soñar, y "Gypsy", otro de esos temas para salir de este mundo y perderse en la inmensidad de nuestros deseos.
Los temas de larga duración se cambian en esta ocasión por otros que son como impactos dentro de la obra total, una intensidad que comienza en lo más alto y va relajándose a medida que se desgranan los minutos hacia un Rock de tendencia melódica y tranquila.
Quizás el último álbum del Prog. sinfónico y melódico más puro realizado por el grupo, una obra hecha para el estudio, realizada a través de los momentos más íntimos y que difícilmente ha sido plasmada en directo; un disco completo, musicalmente impregnado de esa belleza que sugiere y que provoca a los sentidos, para degustar y... en eso cada uno con sus emociones.
Justin Hayward voz, guitarras, sitar. John Lodge, voz, bajo y armónica. Ray Thomas, voz, flauta, oboe, percusión. Graeme Edge batería y percusión. Mike Pinder, voz y teclados.


De Vinilos y Otras Glorias MCCXXXII

Otro de los grupos clave en lo que se fue definiendo como una de las formas de expresión más increíbles de la segunda mitad del siglo XX.


Family (A Song For Me) 1970


Mito en la época y uno de los grupos señeros en la transición de la Psycho al Prog., Family es la perfecta armonía entre dos décadas que aspiraban a ser historia dentro de la Música.
Quizás parezca algo banal, pero para mí es muy importante recordar que el grupo también fue pionero en dar más importancia al vinilo de 33rpm que al disco de 45rpm, intentando en sus obras ese concepto de homogeneidad que la larga duración requiere (al menos en una Música como la suya)
"A Song For Me" es su tercer trabajo, parido tras dos monumentos que son parte indisoluble del mejor Prog. de la época. Quizás por eso no llega en lo que se presupone al magno espectáculo de ellos, pero en mi opinión es un pedazo de disco que encierra aún todo lo que Family era como banda creativa y original.
La salida de dos de los miembros de la banda original, Jim King y Ric Grech provoca que el sonido del grupo se resienta un poco en cuanto a lo buscado en sus primeras obras, pero la entrada de John Palmer y John Weider no desmerece en cuanto a la calidad, aunque la Música varíe ligeramente. Aún así, la voz de Roger Chapman marca (como no puede ser de otra manera) esa mágica impresión que nos ofrece toda la creatividad del grupo, que en este caso nos deja un disco más ágil, vigoroso y con un cierto sentimiento de caos en el sentido creativo del término, si no tan fascinante como lo entregado anteriormente sí más impactante y sorprendente en algunos aspectos que pudieran no esperarse tanto.
Entre el Folk y el Hard, nos llegan sonoridades acústicas con arreglos más intrincados, canciones distintas a lo que sabíamos de la banda y el uso de instrumentos por primera vez dentro del grupo, como el vibráfono, usado de manera continua y habitual. También nos deja el título más extenso en duración de la historia de la banda, "A Song For Me", en el cual demuestran su saber hacer compositivo y la maravillosa capacidad vocal de Chapman llega a niveles de excelencia. 
Un disco de la época más dorada de ese Prog. en constante evolución que se dirigía directamente a las estrellas, para gozo y disfrute de los que amamos ciertas cosas incomprensibles. ¡¡¡Disfrútalo!!!
Roger Chapman voz y percusión. John Whitney guitarras, banjo, órgano. Robert Townsend batería, persución, armónica. John Weider guitarra, violín, dobro. John Palmer vibráfono, piano, flauta.

Side One:  Drowned in wine;  Some poor soul;  Love Is a sleeper;  Stop for the traffic through the heart of me;  Wheels
Side Two:  Song for sinking lovers;  Hey let It rock;  The cat and the rat;  93's ok J;  A song for me 


viernes, 28 de noviembre de 2014

Bad Company


Música


Estaba solo en la habitación, pensando en la nada más absoluta, ese negro espacio donde me refugio de vez en cuando para desaparecer de todo, y una sensación comenzó a invadir mi cuerpo.
Mis sentidos se pusieron en guardia y mi cuerpo comenzó a levitar como si me hubiese convertido en algo etéreo, ligero como una pluma y con la sensación de escapar de la realidad que me rodeaba.

A lo lejos, cubriéndolo todo, una nube se acercaba al ritmo de caprichosos movimientos que iban seduciéndome conforme la miraba. No podía ni quería moverme, seguía flotando sobre la nada y todo lo que mi universo representaba, y dejé que su manto me cubriese por completo.

Dentro de ella, sin nada más que mis sentidos y yo mismo, me di cuenta que todo se había convertido en una melodía compuesta por los millones de temas que a lo largo de mi vida me habían hecho sentir vivo. Una melodía que se formaba con los pedazos de un ser que había sido a través de las notas que acariciaban su piel, un ser que creía más allá de lo que era, en ese mundo infinito que la Música ofrece.

Me encontraba en el interior de mis deseos, unido como un todo con lo que había formado mi esencia, lleno de lo que me hacía respirar, sentir, seducir en la mente, estaba en el umbral de la inmortalidad que me ofrecía lo que nunca se sintió abandonado por mí, la Música y todo lo que era, lo que había sido y lo que podía desear en mis más profundos sueños.

domingo, 23 de noviembre de 2014

De Vinilos y Otras Glorias MCCXXXI

Un mito del Prog. se asoma de nuevo a nuestro espacio para dejarnos una obra de una innombrable belleza.


Emerson Lake & Palmer (Pictures At An Exhibition) 1971


Que ELP han sido uno de los mitos e iconos del Prog. no creo que lo dude nadie, que formaron un grupo capaz de romper muchos de los tabúes que el mundo del Rock aún tenía metido entre sus ideas tampoco, y que algunas de sus obras son historia viva de la Música del siglo XX por lo que significaron... creo que si se duda se les conoce poco.
Quizás la formación que nos ocupa fue la que en mayor medida se lanzó a mezclar esos estilos tan distantes en lo creativo como el Pop Rock y la Música Clásica, y es muy posible que este "Pictures At An Exhibition" basado en el obra del compositor ruso Modest Mussorgski sea uno de los trabajos (si no el que más) de perfecta sintonía y mezcla entre lo clásico y el mundo del Rock.
Dentro del mundo del Prog. y más concretamente del Prog. Sinfónico este disco supuso una alteración del orden establecido llevado hasta las últimas consecuencias, porque si bien se han hecho más de una versión en formato de estilos ajenos a la Música clásica de esta obra, ninguna con el resultado que ELP consiguieron. 
Grabado en directo en el año 1971 en el Newcastle City Hall, lo cual da a mi entender más valor aún a la propuesta del grupo, Keith Emerson ejerce de dueño y señor de la escena con sus teclados inundando el ambiente por todos lados, mientras sus compañeros cubren todo lo que se debe cubrir con la clase que les caracteriza (la escasa guitarra y sobre todo el bajo de Greg Lake se desmelena en muchos instantes y lo que no se puede eludir, ni el mismo Emerson, es la poderosa batería de Carl Palmer cuando decide saltarse todo para patearte las tripas) y van desgranando tema a tema toda la obra hasta conseguir meterte en un viaje que recorre siglos de historia en idas y venidas constantes, sin pausa, sin mesura y sin ningún tipo de pudor.
Salvo el final del disco, que es una versión de "Nutrocker" de Kim Fowley (no sé si para dar a entender que no todo era Clásico y serio o porque se les quedaba corto el concierto) la obra como tal es el acercamiento al público del Pop Rock de lo clásico realizado por un grupo de tal calidad que en sus manos la Música parece una apuesta que todo el mundo puede hacer.
Un disco para conocer de primera mano lo que se pensaba que el Prog. podía aportar al mundo de los sonidos más allá de la propia Música, y un recorrido por la historia de un estilo que consiguió mucho más de lo que al final los libros pueden escribir.

SIDE ONE:  Promenade;  The gnome;  Promenade; The sage;  The Old Castle;  Blues Variation
SIDE TWO:  Promenade;  The hut of Baba Yaga;  The curse of Baba Yaga;  The hut of Baba Yaga;  The great gates of Kiev;  Nutrocker




De Vinilos y Otras Glorias MCCXXX

Un grupo que supo ir más allá a pesar de las dificultades de no ser de donde todo se suponía que debía, y eso tiene mérito.


Magma (Magma) 1970


De la gloriosa época Prog. se puede decir sin ánimo a equivocarse que no muchos grupos nacidos fuera de las Islas podían tener un nombre más allá de lo que era hacer esta Música para soñar dejando escrito en la historia su legado. De los pocos grupos capaces de competir en ideas y calidad con los monstruos sagrados y tener un nombre propio por talento, originalidad y creatividad se encuentra el combo francés Magma.
Original, innovadora, inquietante, emocional, guiada por la figura inmensa y versátil del batería Christian Vander, Magma se caracteriza por hacer una Música única que se extiende a través del universo creado y recreado por su líder.
"Magma" es su primer trabajo, que para no dejar nada al azar lo presentan en formato de doble vinilo, una entrada en el mundo de los sonidos tan atípica como fabulosa. Toda la idea que marca el destino de Magma y por ende sus trabajos, al menos los primeros y no digamos ya éste, es la increíble y fantástica historia de una saga que aúna el planeta Tierra con otro llamado Kobaia, donde se va introduciendo a quien escucha para llevarle de viaje (alucinante y fascinante, majestuoso y singular) por el universo onírico que surge de la mente de Vander y que nos hace estallar en un mar de sonidos como nunca se había visto.
El viaje imaginario de la Tierra a Kobaia se divide en largas suites donde la Música se convierte en el transporte espacial para llevar nuestros cuerpos y nuestros sueños, contado o cantado en la lengua del planeta de destino y musicado en un estilo que puede recordar al jazzy más libre con todos los aditivos de un Prog. sin trabas, sin límites, sin corsé. 
Una experiencia alucinante que nos introduce en una Música especial, donde se puede ir y venir sin ningún momento de respiro, un trabajo conceptual para llenarse de emociones y volar con la imaginación hasta donde se quiera, al margen del destino propuesto.
Brutal, menta, especial y libre, como debe suponerse. ¡¡Bienvenido, no bajes, es gratis!!

Side One:  Kobaia;  Aina;  Malaria
Side Two:  Sohia;  Sckxyss;  Aurae
Side Tree:  Thaud Zaia;  Nau Ektila
Side Four:  Stoah;  Muh

De Vinilos y Otras Glorias MCCXXIX

Uno de los personajes fundamentales de la escena Prog. y alternativa inglesa en uno de sus proyectos más especiales.


Matching Mole's (Little Red Record) 1972


La ruptura con cualquier norma establecida y los cánones que pudieran dirigir los estamentos del arte en general y la Música en particular puede decirse que es una de las bases del talento y creatividad de Robert Wyatt, un genio e icono de cualquier tendencia que supusiera novedad, transgresión, emociones fuera de los límites de la realidad.
Tras un álbum histórico en solitario, su "The End Of An Ear" se embarcó en la aventura Matching Mole, una odisea que prometía mucho, por el propio Wyatt y los que se atrevieron a seguirle en la misma, Dave Sinclair, Phil Miller, Dave McRae, Bill McCormick, pero que el accidente que sufrió y le dejó paralizado truncó cuando iba más que bien.
"Little Red Record" es el segundo ensayo (digo esto porque todo el disco es o al menos me sugiere una experimentación brutal en clave de ritmos que sirven para el ensayo mental de cualquier cosa que uno desee) y último de la banda, una obra que vio la luz poco tiempo después del homónimo álbum debut y que me resulta tan fascinante como difícil y compleja.
Experimentaciones con base jazzy en clave Prog. y secciones de cualquier otro momento que uno pueda imaginarse, todo el disco es una sucesión de creatividad, improvisaciones y amalgama de sonidos que surgen, están, vienen y van, desaparecen y llenan el silencio desde la nada para hacer que la mente y lo que sugiere busque donde uno quiera, donde uno pueda o donde uno...
La batería de Wyatt (que en este disco y por motivos obvios es la última vez que suena) te arrastra a ese universo sónico desde el impacto que supone golpearte constantemente los sentidos, con furia o sin ella porque de cualquier manera llega y te eleva, dejando que los teclados y las guitarras pasadas por todo tipo de filtros y eventos se encarguen de darte el golpe certero que te echa a patadas o te enamora de todo lo que estás sintiendo.
Un disco muy especial con declaración de intenciones que disparan al entrecejo, "Starting In The Middle Of The Day We Can Drink Our Politics Away", "March Ides", "Brandy As Benji", "Smoke Signal" son momentos de controversia que no dejan títere con cabeza, "Gloria Gloom" y "God Song" recuperan al Wyatt solista y el disco en general recupera las ganas por gritar todo lo que no dejan que se grite.
¡¡Disfruta!! el resto ya lo tienes o te viene dado.

De Vinilos y Otras Glorias MCCXXVIII

Seguimos inmersos en esas obras que nos llevan a conocer los sentimientos a través de la Música, algo tan fascinante como bello.


Curved Air (Phantasmagoria) 1972


Curved Air nació como tantos grupos del Prog. británico convencido en hacer una Música que debía mezclar de manera ineludible el Pop con la Música Clásica, y en eso anduvieron en sus primeros trabajos.
"Phantasmagoria" es la tercera entrega de la banda que si bien no pierde el sentido Prog. Sinfónico que seguía siendo la base de su obra, abandona un poco esta línea de fantasía y creatividad basada en la interrelación ya comentada de manera constante y se dirige hacia un Pop más melódico, más habitual, basándose como siempre en la textura de seda que contiene la voz de Sonja Kristina, alma e imagen del grupo, y su forma de transmitir emociones (en temas como "Melinda", una balada bellísima y delicada, parece que se mete en la piel y forma parte de lo que sientes, algo precioso)
Aún así, todavía hay espacio para las experimentaciones y los continuos cambios dentro de las composiciones, como ese intento de sonidos históricos en forma de canción llamada "Marie Antoinette". La experimentación más sorprendente y que recuerda los comienzos del grupo la encontramos en el temazo "Whose Shoulder Are You looking Over Anyway?" una locura en clave Prog. que es un divertimento mental de altos vuelos. Junto a la voz de Sonja, el violín de Darryl Way crea las variaciones en los temas que provocan esa ruptura con las normas del Pop que poco a poco se iba engullendo las teorías musicales de la banda, aunque en temas como "Cheetah" queda bien claro que aún les quedaba mucho de lo que hicieron y muy bueno.
Quizás el ultimo disco en el cual la banda concebida como tal dentro del Prog. más sinfónico y barroco se empeña en hacernos viajar a lugares lejanos en el tiempo, pero todavía con momentos memorables dentro de esa vertiente tan bella dentro del estilo que hacía realidad los sueños de quienes querían escuchar algo distinto, diferente, emocionante.
Disco para disfrutar sin pretensiones, posiblemente mejor de lo que parece y aún con mucho que regalar, el problema son las comparaciones, con el propio grupo y su obra y otros monstruos sagrados del período, pero en lo que aún retiene es una obra para saborear.
Sonja Kritina voz. Darryl Way violín, teclados, guitarras, percusión. Francis Monkman teclados, guitarras, percusión. Mike Wedgwood bajo. Florian Pilkington-Miksa batería.

Side A:  Marie Antoniette;  Melinda;  Not Quite The Same;  Cheetah;  Ultra Vivaldi
Side B:  Phantasmagoria;  Whose Shoulder Are You looking Over Anyway?;  Over and above;  Once a ghost, Always a ghost

Bruce


Shaft


Música


Esperando la hora del adiós, escucho Música.
En el amanecer de un nuevo día, buscando en los albores del tiempo algo que me indique quién soy, escucho Música.
Paseando a través de mis sueños, con la soledad que busco cuando todo es lo que quiero que sea, escucho Música.

Si el fuego se eleva y me quema las entrañas, queriendo partir en dos mi alma, sólo puedo mirar al infinito mientras una melodía recorre mis venas, y entonces escucho Música.
Un pedazo de nada y un inmenso todo, soy o no según los dispares deseos de la providencia, pero algo no cambia nunca, no se pierde porque la llevo dentro, en esos momentos escucho Música.

Light My Fire


Poster


De Vinilos y Otras Glorias MCCXXVII

Otra expresión del Prog. más sinfónica de la mano de un grupo cuyos músicos son capaces de dar cursos de estilismo magistrales.


Strawbs (From The Witchwood) 1971


El carácter de grupo Prog. de Strawbs y su evolución desde el Folk clásico que los componentes de sus inicios interpretaban a ese aire barroco de Prog. sinfónico excelso se debe en gran medida a la influencia de Rick Wakeman, pianista clásico que recién salido del conservatorio se une al grupo y provoca ese giro hacia la Música concebida desde momentos históricos lejanos en el tiempo y cercanos en la manera de entender ese lirismo musical del grupo.
Tras una primera obra que fue un impacto de público y crítica, nos llega este "From The Witchwood" un disco en la línea de un grupo exquisito a la hora de componer y maravilloso en su concepto de la interpretación elegante y vistosa. Es cierto que esta obra quizás pierde un poco de la sorpresa que supuso su debut, también puede parecer menos solemne, pero indudablemente se trata de un disco de gran recorrido en lo musical, más complejo, difícil y elaborado. Con unas composiciones de marcado carácter sinfónico progresivo, la Música parece envolverte llegando desde la nada y convirtiéndose en esa nube que lo cubre todo hasta sentirte dentro de ella. 
prácticamente todo el Folk de sus inicios desaparece para convertirse en un aire barroco que todo lo inunda, un tono místico y emocional que incluso se atreve a deslizarse por los confines de lo religioso (en algunas parte muy concretas de la obra) pero que en ningún momento baja el tono más importante del disco, la belleza que exhala desde sus notas.
La aportación de Wakeman, perfectamente equilibrado entre lo que ofrece como músico y lo que su talento le pueda sugerir (especialmente cuando se transforma en el dios supremo de la grandilocuencia a los teclados) marca la Música que fluye como un torrente en temas de preciosa factura "Glimpse Of Heaven", "Witchwood" o The Hangman And The Papist".
En otros el aire Pop se impregna gracias a detalles exquisitos como el sitar de Richard Hudson en "Thirty Days o The Shepherd's Song"; maravillosas recreaciones de lo onírico en temas de textura como la seda, "I'll Carry On Beside You", "Canon Dale". Un disco para degustar la belleza, los momentos de inspiración de la mente y los sentidos, una obra que nos acaricia la piel y nos ayuda a creer un poco en todo esto.
Dave Cousins voz y guitarra. Tony Hooper guitarra y voz. Rick Wakeman teclados. John Ford bajo. Richard Hudson batería


De Vinilos y Otras Glorias MCCXXVI

Una de las formaciones importantes del llamado Prog. Barroco nos visita de nuevo en nuestro Paseando Por Los Sueños, ¡¡y que dure!!


Renaissance (Ashes Are Burning) 1973


Uno de los grandes nombres del Prog. inglés en su vertiente más clásica, capaz de mezclar de manera exuberante y preciosa el Folk con aires de épocas pretéritas (sobre todo el medievo y su significado musical) y por supuesto ese Prog. sinfónico que en su caso realiza un guiño más que evidente a la melodía.
Este disco que nos visita, "Ashes Are Burning" es su cuarto trabajo, una obra completa y compleja al mismo tiempo que significa el final de la evolución lógica de la Música del grupo, el disco de la madurez . Con una mezcla muy bien conseguida entre las influencias clásicas (que vienen de la escuela rusa y francesa, sus compositores más notables y excelsos) y esa textura homogénea de Prog. sinfónico, la voz de Annie Haslam consigue llevarnos a ese universo onírico de siglos pasados en el cual nuestra mente se recrea con su timbre maravilloso y controlado, una garganta privilegiada que engarza de manera especial y perfecta con la Música compuesta por el grupo.
Seis temas de largo recorrido que se forman a partir de un lirismo poético más acentuado que en sus anteriores obras, textos preciosos y evocadores que ayudan a meterse en las canciones acompañados de la voz y esos ambientes conseguidos con orquestaciones y teclados, éstos manejados de manera dulce y elegante por John Tout que son como el abrigo que cubre los sentimientos encontrados entre lo que se da y se queda en la memoria. 
Temas de tono y sentido impresionista como "At The Harbour" pasan a Rock Prog. típico en el tema que cierra el álbum "Ashes Are Burning" que cuenta con la ayuda en las seis cuerdas de Andy Powell de Wishbone Ash, desarrollando esos espacios temporales en los cuales el final lo pone la mente y el contacto de los sentidos con la última nota escuchada. 
Un disco bello, para disfrutar de la Música hecha con elegancia, seda de manos suaves y melodías para embaucar con su textura. "Ashes Are Burning" puede hacerte volar hacia esos paraísos donde el tiempo se detiene, sólo depende de ti.
John Tout teclados y voz. Annie Haslam voz. John Camp bajo, guitarra y voz. Terence Sullivan batería, percusión y voz.

SIDE ONE:  Can you understand;  Let It Grow;  On the frontier
SIDE TWO:  Carpet Of The Sun;  At The Harbour;  Ashes Are Burning


sábado, 22 de noviembre de 2014

De Vinilos y Otras Glorias MCCXXV

Grupo que surgió de la escisión de otro grande y que produjo momentos de ese Prog. que tanto elevaba los ánimos emocionalmente.


Greenslade (Bedside Manners Are Extra) 1973


En el año 1971, con la desintegración de Colosseum, el que insuflaba de sonido a la banda y de ideas más o menos complejas, Dave Greenslade, forma Greenslade, una banda hecha a imagen y semejanza de su talento musical con la idea de desplegar todo lo que llevaba en su cabeza.
"Bedside Manners Are Extra" es la segunda entrega del grupo, pocos meses después de ver la luz su álbum debut y que por desgracia en cuanto a lo que podía ser es demasiado parecido al primero. Y con ello no le quito ni un ápice de la calidad que tiene, pero en mi opinión se acerca más a ser una segunda parte de... que una nueva obra, y eso desdice un poco de lo que nos encontramos.
Centrándonos en el disco en sí mismo, el sonido que prima en él sigue siendo ese uso indiscriminado de los teclados gracias a sus dos componentes, Dave Greenslade y Dave Lawson, que consiguen el sonido de magnificencia que desprenden los temas creados, largos recorridos musicales donde las improvisaciones y solos se convierten en el sello representativo de la banda.
El bajo de Tony Reeves, otro de los componentes de Colosseum que ya sabía lo que era tratar con Greenslade en temas de Música, sustituye a la guitarra, convirtiéndose en un solista más dentro de los momentos de enfrentamientos musicales que los temas ofrecen; una barbaridad escuchar las cuatro cuerdas bramando de esa manera. 
Grupo de músicos virtuosos que en este trabajo llevan un poco más allá sus capacidades instrumentales junto a la batería de Andrew McCulloch, todos ellos dentro ya de un marcado Prog. de ambientes oscuros y lúgubres, en algunos casos casi Dark, pesadumbre y reminiscencias en las melodías de los temas que encumbran la capacidad compositiva con seis temas tremendos para sentirse aplastado.
Portada de Roger Dean para completar el círculo de lo que se pretende, una Música para que los sentidos se dispersen sin mesura y vuelen a los confines de los sueños, Prog. de lujo para amantes de lo que no se suele dar y clase a raudales para disfrutar.

Side One:  Bedside manners are extra;  Pilgrims Progress;  Time to dream
Side Two:  Drum Folk;  Sunkissed;  Chalk hill




De Vinilos y Otras Glorias MCCXXIV

Seguimos recorriendo esos caminos de la época en la cual todo podía ser y de vez en cuando era más que posible.


Colosseum (Those Who Are About To Die Salute You) 1969


Un caso particular y curioso de grupo Prog. este de Colosseum, llegado directamente de las bandas británicas de Blues que germinaron en los sesenta y fueron desparramándose, algunas con más fortuna que otras, por distintos estilos.
En el caso que nos ocupa siempre se consideró como una banda de Jazz Rock que deslizándose por las bases de estos estilos fue llegando a un Prog. majestuoso, basado en la calidad musical de sus componentes. No niego que la base jazzy está ahí pero indiscutiblemente tiene tantos elementos de otras formas de expresión sonora que el mejor indicativo de su Música es el Prog. que generaban, aunque paradójicamente este "Those Who Are About To Die Salute You" suene menos en ese sentido a pesar de la época de su creación.
El saxo de Dick Heckstall-Smith se convierte en uno de los símbolos distintivos del sonido del disco, tremendas las andanadas del instrumento entrando y saliendo de los temas, improvisaciones en constante pelea con los teclados de Dave Greenslade y deambulando entre los temas los solos de guitarra, bajo y batería (esta última en cada tema es un aperitivo para degustar) que demuestran la capacidad técnica de los músicos.
En esos momentos de cambios entre estilos y décadas las influencias se notan y mucho en el disco, que termina convirtiéndose en una exhibición instrumental de músicos básicamente de jazz haciendo Rock y experimentando con los sonidos que lanzaban directamente hacia el Prog. más exquisito, lo que provoca una amalgama de temas que por su variedad incluyen todo lo que se puede esperar, desde el R'n'B de "Walking In The Park" pasando por las fastuosas improvisaciones de temas como "Debut" o "Mandarin" para dejarnos momentos de Blues directo a las entrañas "Backwater Blues", jazzy a toda pastilla en "Those About To Die" y terminar de asombrar con variaciones sobre temas de Bach que son un giro a lo clásico "Beware The Ides Of March".
Esencialmente un disco de Música, donde puedes encontrar de todo y bien hecho gracias a la calidad de lo que se escucha y quien lo hace, para disfrutar de los comienzos de una Música apasionante de la mano de un grupo que se convirtió en nombre propio de la escena Prog. británica a pesar de muchas cosas.
Jon Hiseman batería. Dick Heckstall-Smith saxo. Dave Greenslade teclados y voz. Tony Reeves bajo. James Litherland voz y guitarra.


De Vinilos y Otras Glorias MCCXXIII

Vamos a recorrer durante unas entradas el mundo de los sonidos que nos apasionan de manera especial, que no es más ni menos, ni mejor ni peor, porque en esto de los sentimientos...


Caravan (Caravan) 1968


Nacido en la maravillosa escuela de Canterbury, que tanto placer sensorial ha dado en el mundo del Prog. más exquisito, Caravan es una de las formaciones con nombre propio y que ha sabido unir ese toque genuino del sonido de la escuela con las composiciones melódicas a gusto de muchos menos cercanos al estilo.
Su primera obra, este "Caravan" que abría una carrera de bellísimos momentos, es un primer contacto con el mundo del Prog. pero notándose aún las influencias evidentes de haberse creado metidos aún en la década de los sesenta, regada por los sonidos del Folk y sobre todo el Pop Psycho, de donde aún toman influencias en el disco, como esos temas de regusto venido del estilo "Magic Man" o "Grandma's Lawn".
A pesar de estas influencias de las que poco a poco se irán alejando en su historia, de lo que no cabe duda es de que ya en esta primera obra se sienten de manera clara e inequívoca los elementos distintivos del sonido Caravan, comenzando con ese timbre típico e inconfundible de la voz de Richard Sinclair y en los momentos más clásicos del grupo en forma de suite, compaginados con pequeñas piezas que marcan instantes de susurros musicales, como "Ride" o "Policeman".
La introducción del disco, esa puerta a la belleza llamada "Place Of My Own", ofrece suficientes indicaciones, señales y signos claros de la evolución estilística de los músicos y por ende de lo que pretenden, que queda bastante diáfano en la suite "Where But For Caravan Would I?" que en sus 9'01'' demuestra la delicadeza del grupo a la hora de tomar esos largos desarrollos y convertirlos en piezas preciosas.
Invitados de lujo que dejan su sello en la obra, como Brian Hopper de Soft Machine o Jimmy Hastings, hermano del guitarrista Pye que realiza una auténtica exhibición con la flauta en el delicado tema "Love Songs With Flute". En mi opinión un gran disco que sin ser el mejor del grupo (eso ocurriría escasas fechas después) ni el más significativo a nivel de conocimiento del mismo sí que da la idea de lo que pretendían y además un clásico y buen ejemplo de la transición entre la Psycho y el Prog. en un período de búsqueda de nuevas formas de expresión musical.
¡¡Comienza la aventura!! atrévete y disfruta, es toda tuya.
Richard Coughlan batería. Pye Hastings guitarra, bajo y voz. David Sinclair teclados y voz. Richard Sinclair bajo, guitarra y voz.


sábado, 15 de noviembre de 2014

Música


La Música, cuando te golpea, no te causa ningún dolor.

Hideki Ishima


Música


Será siempre un peligro para lo establecido como norma abstracta que nos ata y obliga pero nunca podrá encorsetarse lo que la imaginación y el poder de las ideas expresan de un modo u otro y en esto que nos ocupa derramado en líneas que se convierten en parte de lo que siento menos aún si el susurro de una melodía es capaz de atravesarme el alma y erizarme la piel. 

La Música es mi esencia, lo que me lleva y hace volar con la imaginación, y por encima de eso no hay nada que pueda detener el pensamiento, al menos el mío no.

250 miles


Poster


Surcos del Siglo XXI - 235

Para que no todo sea pensar en el lugar donde el Sol nace y su Música creada hace décadas, parte de lo que ahora se elabora en ese lejano oriente apasionante y vivo.


Kikagaku Moyo (Forest Of Lost Children) 2013


Si nos olvidamos de la duración del álbum, que me pilló por sorpresa dados los tiempos en los que nos movemos, esos 31' que me saben a muy, pero que muy poco dada la maravillosa música que llevan dentro, "Forest Of Lost Children" es una pedazo de obra en la cual el talento y la magia de un grupo llegado de Japón nos vuelve a demostrar que no hay fronteras para la clase y el talento.
Japón, palabra temida por amantes de sonidos que se apresuran a desdeñar lo que viene dado desde esas tierras y que sin embargo sigue haciéndonos vibrar (al menos a mí y algún que otro loco descarriado) cuando se proponen crear magia en forma de notas.
Desde la Psycho a la Música más experimental uniendo todos los elementos del Rock con instrumentos que dotan a los sonidos creados de una textura diferente, bella y emocionante, el disco creado por Kikagaku Moyo es un pequeño cofre del tesoro que al abrirlo va escupiendo al aire momentos de ingravidez sonora en clave de Rock, Psycho, melodías mantenidas en el espacio, intimismo sumergido entre voces que susurran y baladas que acarician la piel, espectaculares instantes con sonidos que mezclan la tradición oriental y el Rock espacial más poderoso, guitarras que saltan las normas con sitar y teclados que se empeñan en dulcificarlas, más voces que no cantan, ni recitan, ni reclaman, sólo emanan sonidos llenos de emociones y poesía.
Un disco que invita a los sueños desde su manera de componer, canciones complejas y muy bien escritas que sirven para una interpretación de lujo por los músicos que las entregan, con una sensibilidad que se aleja de esa monotonía en la que algunos caen y que inventa en cada nota, cada cambio, cada momento en el cual van moviéndose por los sueños para que lleguen a tus sentidos.
Escucha "Forest Of Lost Children" y encuentra la maravillosa sensación de perderte por esos mundos donde sólo se oye Música, los sonidos del silencio más absoluto que creas tú con lo que estos maravillosos intérpretes te regalan y ¡¡disfrútalo!! eso sólo depende de ti.

SIDE A:  Semicircle;  Kodama;  Smoke and mirrors
SIDE B:  Streets of Calcutta;  Hem;  White Moon



Surcos del Siglo XXI - 234

Un paseo por estos movimientos surgidos en una parte del Viejo Continente que no cesan de crear y dar lo que se necesita.


White Rabbit Dynamite (Psi) 2013


Desde Berlín con amor, o si no quieren dar amor, desde la capital de tantas cosas con Música poderosa y de calidad se nos presenta este grupo de brutales acometidas, Rock Duro para secar un lago en época lluviosa y momentos de recuerdos hacia lo que fue una época gloriosa en esta Música apasionante y que afortunadamente algunos se niegan a olvidar (hablo de los creadores, porque a los que nos apasiona escucharla no se nos va a olvidar jamás)
"Psi" es la continuación como grupo tras la presentación en sociedad en forma de andanada directa al alma, Rock sin concesiones que parte de la base de todo buen concepto de Música dura, las guitarras llenándote con riff poderosos y marcándose solos en los que se juegan la vida, una tremenda sección rítmica que aplasta cuando debe y supone la perfecta pared para que todo estalle en ella y en este caso la voz desgarrada y rota de una mujer increíble que se deja todo en el empeño, Chrissi Jost, una garganta abrumadora y muy especial.
Cinco temas de largo recorrido para que la Música no pare, jams a medio camino entre las suites y los temas más llevaderos en el tiempo, impactos sonoros que van golpeando tus sentidos una y otra vez (la entrada de "Baby You Don't Know" ya te va poniendo en guardia) para disfrutarlos con tus emociones o con quien te dé la gana ("Try" te lleva, te eleva, te seduce, te calma, pero al mismo tiempo te hace recordar dónde estás...) porque casi en su totalidad van hacia ese Rock Duro que levanta a patadas de donde estés.
Cuando la voz se aleja la Música toma el espacio y nos encontramos con una vuelta a los orígenes, todo gira alrededor de esa mágica guitarra y lo que ofrece, engarzada como un anillo al bloque compacto del resto de los instrumentos para deleitarnos con el Rock de siempre, exhibiciones como los 9'59'' de "What's There" que revientan el ánimo o la descarada cabalgada hacia el infinito de "These Are The Nights" que con sus 14'48'' estremece sin saber el final.
Disfruta de lo que ahora nos empapa con ese regusto añejo que no debe perderse, Música para que todo siga pareciendo posible cuando los sueños y la realidad se confunden a través de los sonidos.
Arne pargmann bajo. Marcus Reetz guitarra. Chrissi Jost voz. Arne Schulz batería.


Surcos del Siglo XXI - 233

Una banda de recorrido más que interesante que se nos presenta en nuestro "Paseando Por Los Sueños" para llenarnos de energía.


Radio Moscow (Radio Moscow) 2007


Psycho Rock ya metidos de lleno en el siglo XXI con el sonido incandescente que suponen estas emociones derramadas con la energía de una banda que se atreve a llevarnos de nuevo hasta los confines del Rock más poderoso y libre.
Desde Iowa, en las entrañas de los USA, más concretamente nacidos en Story City (esto va para los amantes de los datos que son o no deben ser nunca, que no lo he sabido jamás) nos llega Radio Moscow con su primer trabajo, de nombre homónimo y con Música para estremecer, clase a raudales, sensaciones nacidas del poder de la mente y plasmadas en estrofas y magia poderosa desde la mente de Parker Griggs, creador, pensador, ideólogo (esta palabra me suele dar escalofríos, pero...) autor, guitarrista, batería, vocalista y la fuerza en la cual se inspira este proyecto de Música hecho con pasión, fuerza y muchas ganas de enervar los ánimos de quienes lo sigan.
Rock potente, embutido en el traje de lo que hace estallar dentro de los sentidos, con guitarras demoledoras y golpes directos al estómago gracias a unas composiciones llenas de energía, seis cuerdas que arrasan con riff calientes, ardientes diría yo, a quemarropa de lo que viene detrás y saliéndose siempre por donde los sonidos lo esperan. Una banda sonora que de saberse nos hace ver la película deseada, con sección rítmica demoledora a cargo del propio Griggs en los timbales (en directo suelen usar un batería contratado para que todo fluya como debe) y Luke McDuff en el bajo, el uso de esa slide que tanto apasiona y alguna que otra steel en los pocos instantes intimistas que se permiten (que por otra parte son de agradecer porque los hacen muy bien) para que el clasicismo no se pierda y aún así suene a la frescura que este siglo XXI pide para pensar que seguimos hacia adelante y de camino a las estrellas.
"Radio Moscow" hará que despiertes de tu letargo y te sumerjas en la magia del Rock, que subas hacia el infinito y elijas quedarte o volver a tus pensamientos, sueños o pesadillas ya depende de ti, porque al final y por encima de todo es Música, simplemente y nada menos.

Side A:  Introduction;  Frustrating Sound;  Luckydutch;  Lickskillet;  Mistreating Queen
Side B:  Whatever Happened;  Timebomb;  Deep Blue Sea;  Ordovician Fauna;  Fuse

Surcos del Sigo XXI - 232

Por los recónditos caminos de la soledad humana, con emociones grabadas a fuego en la piel que espera ansiosa.


Migrantes (Moon Journals) 2002


Jason Bill a las guitarras, órgano y alguna que otra percusión. Caroline Vickers a la voz y "Hammond".
Con esta premisa y el comienzo de lo que habitualmente es el final de una de nuestras entradas comenzamos ésta que a su vez es la presentación de un grupo especial y muy distinto a lo que nos pudiéramos esperar.
Dúo de Acid Folk que deambula por los ambientes más Underground que uno se pueda imaginar, creadores de un universo especial, pragmático e intimista que nos hace viajar por esos mundos de sonidos marcados por nuestros propios sueños, porque más allá de ellos no hay nada o la nada lo engulle todo.
Una guitarra que rompe el silencio con su monótona y casi abrumadora forma de pasearse por nuestros sentidos, una voz (esta especial manera de cantar a donde no hay de Caroline) que se empeña en meterse en nuestra piel a poco que le dejemos hueco por los poros abiertos a la expectativa de la belleza, órgano que de vez en cuando acompaña en los espacios donde parece que todo cabe y sin embargo nada se puede meter y así, una tras otra van naciendo las canciones que forman este "Moon Journal", un pedazo de tela que puedes vestir si te agrada lo que va más allá de los sentimientos, algo cercano a la realidad que unos sueñan y a todo lo irreal que nos hace ser distintos de lo que otros siguen empeñados en creer.
Vuelta a lo básico o un paso más en las ideas de lo que es crear emociones, cada uno se puede tomar este disco como le dé la gana, pero creo que hay que tener muchas agallas para crear algo así cuando se supone que nada puede sorprender porque lo que se puede deducir es que lo primario, lo que hizo que casi todo naciera ya está escuchado una y mil veces aún es posible escucharlo con clase, sentimientos y emociones a flor de piel.
Si en algún momento te pones de pie y sientes que tu cuerpo levita, o que tu alma se va de este formato dado por la madre Naturaleza, posiblemente estés escuchando piezas del calibre de "Towars The Brighter Light" y en esos momentos nada ni nadie puede detener lo que la mente siente más allá de lo que llaman racional.

Side 1:  El Paso;  Bridge/Tunnel;  Towars The Brighter Light
Side 2:  Rachel McKenny;  Sea of dogs;  Malpais


Surcos del Siglo XXI - 231

Un paseo por ese final de siglo que fue definiendo mucho de lo que el XXI nos ha traído, y en ocasiones, como esta, bastante bueno.


The Brian Jonestown Massacre (Their Satanic Majesties' Second Request) 1996


Grupo de Psycho pura y dura, a pesar de las épocas y a pesar de las nuevas definiciones (nueva psicodelia, raga rock...) con claras influencias de todo lo que se bebía en la década gloriosa en la cual este estilo de Música regaba los sentidos de mucho y bueno.
Cuarta entrega en doble vinilo dentro de su producción, uno de los álbumes, si no el más según el que suscribe, más logrados de su productiva carrera, en especial en este año 96 en el cual sacaron a la luz tres obras de mucha calidad.
Claro homenaje a uno de los iconos que les influyen tanto en su Música como en su idea y pensamiento, en especial a ese álbum que marcó el nombre del mito en el año 67.
Dentro de la Música realizada por el grupo, que sigue siendo el aliento vital dentro de lo musical de su líder e ideólogo Anton Newcombe, nos encontramos con nuevas formas de experimentación en base a sonidos llegados desde los instrumentos que de manera ya habitual (hasta entonces eran pequeños detalles dentro de sus obras) son parte importante de las composiciones, como percusiones orientales, drones indios, sitar, tablas, melotrón, que se acoplan perfectamente al sonido del grupo gracias al talento compositivo de Newcombe, que en este giro en la idea no baja ni un ápice su calidad, más bien todo lo contrario.
De esta manera "Their Satanic Majesties' Second Request"  se convierte en una estructura Psycho mucho más compleja, ritmos continuos y melodías que desgranan lo mejor del estilo aderezados por esos sonidos tomados de diversas partes del universo sonoro y que enriquecen las composiciones de manera notable, especialmente logrados los contrastes cuando esos sones orientales chocan primero, para después acoplarse, con las guitarras y bases rítmicas que llevan el peso de la canción.
Dieciocho temas elevados en la Psycho más auténtica, musicalmente una delicia para escuchar, con la calidez en la voz de Anton Newcombe que nos lleva de la mano entre las melodías y los sonidos pasados por la modernidad en una Música eterna que se revisa con pasión y deleite.
Disfruta de una banda original y con estilo, una vuelta a las ideas dentro de este tiempo en el cual la Música de calidad se niega a morir.
Anton Newcombe voz, guitarra, sitar y órgano. Jeff Davies guitarra. Matt Hollywood bajo, guitarras y voces. Dean Taylor guitarra. Joel Gion percusión. Brian Glaze batería. Mara Keagle guitarra, voz y percusión.

SIDE ONE:  All around you (intro);  Cold to the touch;  Donovan said;  In India you
SIDE TWO:  No come down;  Everywhere;  Jesus;  Before you;  Miss June '75
SIDE THREE:  Anenome;  Baby;  Feelers;  Bad baby
SIDE FOUR:  Cause, I lover;  Love of my life;  Slowdown;  Here It comes;  All around you (outro)

domingo, 9 de noviembre de 2014

Música


Deja que la Música entre en ti, deja que te posea y hazla tu amante, sé el vínculo del sentimiento que regala y el que se siente al tenerla. 
No hay más allá del placer que te provoca, no hay nada más cuando la vida te cubre a borbotones sintiéndola.

Bap Kennedy, Sinónimo De Seducción


Al leer el nombre de Bap Kennedy, no lo encontré entre los que mi memoria musical había sido capaz de retener, no lo tenía identificado, pero no tardé en descubrir que ese nombre era el alma de un grupo, Energy Orchard, que me había aportado años atrás momentos de auténtico delirio.
Aun así, mi subconsciente sí se había encargado de grabar todas esas sensaciones vividas, y  afloraron cuando mis oídos se llenaron, y mis ojos contemplaron, cómo la sensibilidad salía a borbotones de esa voz y ese estilo tan personal capaz de transformar en magia pura cada nota y cada acorde de su guitarra.

La increíble experiencia de tener delante a Bap Kennedy es la del encanto, la del hechizo de la música sobre los corazones, la seducción a todos los niveles, porque no puede haber un ser sobre la tierra que se resista a la calidez de su palabra, la intensidad con la que derrama esas melodías, porque eso es lo que hizo flotar en el aire desde ese escenario y nos embrujó a cada uno de los que estábamos presentes, dedicando todo su arte y dejando claro que ha recogido lo mejor de los grandes, demostrando con dignidad ser un extraordinario transmisor de aquellos a los que él mismo y muchos admiramos.

Y por si esto hubiera sido poco, que ni mucho menos lo fue, se hace acompañar de otro gran artista a la guitarra, McCallister, que supo arrebatarnos el alma desde el momento en el cual rasgó la primera cuerda su guitarra, porque sonó a gloria y nos encogió a todos el corazón en momentos de auténtico placer sensorial.

Ahora sí lo recordaré siempre, Bap Kennedy será un nombre que me acompañará en mi deambular por este mundo, todo un universo de emociones en el que nunca se deja de aprender, por aquello de que la Música es infinita, y gracias a nombres como este y muchos más, hacen que el resto de lo que nos toca vivir lo hagamos de otra manera, más especial, y eso, creo, no tiene precio.

Un lujo más que he disfrutado, gracias Bap Kennedy y gracias a quien me lo entregó un día solo por el hecho de eso, dar música.






Entrada realizada por Jane; Compartimos Música, Compartimos Vida.
Gracias Preciosa


Poster


De Vinilos y Otras Glorias MCCXXII

Un extraño ser ha nacido, y de paseo por los sueños nos visita en una obra llena de imaginación y hermosura.


Mij (Yodeling Astrologer) 1969


Artefacto de miras más allá de la propia realidad, el único disco firmado por Mij, a la sazón Jim Holmberg, es uno de los más deslumbrantes y originales discos de Folk Cósmico o espacial de la década sesentera y por ende de lo creado en este estilo en casi cualquier época.
Según cita el propio disco en su contraportada, el trabajo se grabó en 3 horas el 12 de Enero de 1969 y la verdad, me parece portentoso que se pudiera realizar un trabajo de este tipo (que dada la duración es casi como hacerlo en directo) en ese espacio temporal y salir la maravilla que surgió del talento del músico.
Voz y guitarra, una garganta que hace lo que le da la gana (y si eso no se entiende se puede escuchar la brutal exhibición que nos entrega en "Grok (Martian Love Call)" para cerciorarse de ello) y una guitarra que es la prolongación de la misma a base de arpegios y ritmos controlados a saltos de melodías que subliman por la compleja interpretación sin aparentarlo.
Una maravilla del Folk más extremo, viajes mentales por universos cargados de simbolismos, silencios sostenidos y estallidos de sonidos con mensajes en la garganta y las manos de este músico que es capaz de casi todo con apenas nada.
Los temas se van dando de la mano uno a otro, separados por los segundos obligados por el descanso de las composiciones, todo tiene una conducción, como un camino a seguir que marca la siguiente entrada de esa guitarra que suena como si estuviera fuera de nuestros sentidos, especialmente lejana y distante, pero que se te mete en el alma cuando la voz la atrae y se une a ella en cada estrofa, cada riff, cada melodía, cada rasgar de las cuerdas de acero.
Un disco muy especial, para los que vuelven a creer que no hay límites en la concepción del arte, una Música de intimismo exagerado para que se adentre en el interior de los sentidos y las entrañas la hagan suya para siempre. 
Piérdete con Mij y su "Yodeling Astrologer", otra manera de disfrutar de esos viajes que cada uno recrea como le viene en gana, sin cadenas, sin trabas, sin nada que no seas tú.

SIDE 1:  Two stars;  Grok (Martian Love Call);  Romeo & Juliet;  Little boy;  Lookin' out today
SIDE 2:  Door Keys;  Planet of a flower;  Never be free;  Look into the (k)night


De Vinilos y Otras Glorias MCCXXI

Nos lanzamos al vacío con esos sonidos que no se saben por dónde pueden venir y que para escucharlos hay que tener... pues eso.


Group Ongaku (Music Of Group Ongaku) 1960-1961


Formado a finales de los cincuenta como un colectivo de Música creada desde la improvisación por Takehisa Kosugi y Shukou Mizuno, dos estudiantes de la Tokyo National University Of Fine Arts And Music, la idea por la que surgió y que es el santo y seña del colectivo japonés no varía ni un ápice en lo que fue la vida del mismo y por supuesto en este trabajo que nos visita.
Lo más increíble de todo son las fechas de las grabaciones, una primera cara registrada el 8 de mayo de 1960 y la cara B grabada en directo el 15 de septiembre de 1961 en el Sogetsu Kaikan Hall de Tokyo.
Hago mención a las fechas porque es realmente maravilloso comprobar que muchas de las cosas que más adelante fueron la guía de grupos de extremas sensaciones musicales, ya venían décadas atrás marcando el camino para lo que la mente inventa.
En los 59'36'' que dura el disco nos encontramos con una apabullante y brutal interpretación mental de la Música por parte de los miembros del colectivo, improvisaciones infinitas sobre espacios vacíos que se van llenando con lo que cada miembro aporta desde su creatividad, traducida a los instrumentos y unida a los demás miembros de la banda.
En un universo sonoro como este, en el cual todo es posible y nada es lo que parece, la versatilidad de los músicos desde el punto de vista de la libertad creativa, a su vez vista desde los temas que se toman como una guía, no son de extrañar temas como la furibunda entrada del álbum, ese "Automatism" de 26'20'' que en una época como la comentada debía parecer un salto a las estrellas sin posibilidad de vuelta. Si puedes imaginar en el año 1961 un tema como "Metaplasm 9-15" interpretado en directo, de 25'42'' y dividido en dos partes que son un todo emocional, es que se puede imaginar cualquier cosa, porque los adelantados a su tiempo tienen eso, que más adelante se les puede considerar por encima de lo que cualquiera haya podido creer.
No sé si es un disco para perderse, porque ya están perdidos los propios creadores al hacerlo, pero me fascina la propuesta, la osadía, el valor intrínseco de lo que nos indican (además de maravillarme al escucharlo por la propia Música) porque si nunca ha habido límites para la libertad mental en la Música, ahora con sensaciones como ésta se pierden en lo temporal, y eso es un paso de gigante en la comprensión de los sonidos.
Takehisa Kosugi violín, saxo y cintas. Chieko Shiomi piano. Mikio Tojima chelo. Yasunao Tone saxo y cintas. Genichi Tsuge guitarra. Shukou Mizuno chelo, batería y cintas.