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Música

Todos estamos predestinados a la Soledad, pero hay quien la alcanza sin que aún le corresponda y en ese instante es muy duro aceptarla tal y como viene.

Música

Palabras que erizan la piel, que llenan la imaginación a través del deseo, letras que se unen para crear todo aquello que los sentidos suponen.

Así crea y recrea lo que pido, lo que anhelo, lo que siento, todo aquello que me hace ser, sentir y desear más allá de la realidad en la cual vivo.

Es un nombre en la distancia, una parte de la imaginación que me llena, un poco de todo lo que quiero y no tengo, de aquello que puedo suplicar y me llega, esos pedazos de mí que no busco porque temo, y sin embargo lo tengo tras esos espacios infinitos que nos unen.

Delicado, sutil, enhebra la aguja de los sentimientos y recorre con ella la tela que le dispongo para que, a su antojo, pueda elevarme hasta lo más alto, donde soy suya tanto como mía, el lugar en el cual somos sin temor a nada, a nadie, sin disturbarnos por los que no entienden, preguntan o discrepan, allí, en ese lugar de sueños imposibles que acerca a la realidad tanto como mis mañanas.

Un Suspiro, Un deseo.

Seguimos suspirando, deseando, sueños imposibles, deseos prohibidos, seres que traspasan la realidad por un vínculo invisible que va más allá del propio pensamiento, alguien que es, a pesar de todo, una exquisita manera de compartir lo que supone.

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De Vinilos y Otras Glorias MMCLXI

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

Jimmy Buffett (Down To Earth) 1970

Mucho antes de convertirse en un millonario que pasa sus días al sol del caribe, o de Honolulú, o donde las playas te admitan con dinero (con algún que otro concierto por la zona de caipiriñas, ron o algún bufette libre) y productor musical, y de cine, y... este tipo se marcaba algún que otro disco donde los ademanes del Folk, Pop Rock se veían más que claros y con un punto de tradición americana del Oeste fluyendo por sus venas, Country y otros estilos entre ellos.

De hecho, este primer trabajo de su carrera, "Down To Earth", es el más atípico de todos, un disco que se adelantó y mucho a lo que hizo posteriormente y en el que descarga sus aficiones por esos géneros que le gustaban, ajeno a lo que pretendía posteriormente, ajeno a lo que le hizo triunfar, ajeno a lo que no fuera Música en estado puro.

Un disco que marca un antes y un después en lo que creía, porque a partir de aquí, y visto el fracaso comercial, se desvió por otros derroteros (craso error en la calidad musical, un acierto imponente en lo que a ganar dinero y ser conocido se trataba)

Canciones creadas todas ellas por Jimmy Buffett, de fácil ritmo y con una base más que evidente del Folk y el Country, aunque a la hora de traducirlas al vinilo se añadieran componentes del Rock que les daban más empaque.

Y es que en un momento (el año 1970) en el cual las burradas de creatividad eran inmensas y la cantidad en la calidad más aún, lo mejor que se podía hacer con una propuesta como esta era basarse en lo establecido y a partir de aquí llevarlo a tu terreno. En el caso del autor, ese era acoplar temas más o menos convencionales a una voz dulce, delicada y que podía hacer mecer los sentidos, con una instrumentación de base rítmica al uso y la guitarra acústica cubriéndote por todos los lados.

Por eso "Down To Earth" no se sale por ningún lado, pero se escucha como un puñado de canciones que siendo lo que son agradan y te hacen disfrutar un buen rato.

Para momentos de Música que no va más allá de ningún lugar, una voz que sí que llega donde quiere.

Side One:  The Christian;  Ellis Dee;  Richard Frost;  The Missionary;  A mile high in Denver;  The captain and the kid

Side Two:  Captain America;  Ain't he a genius;  Turnabout;  There's nothing soft about hard times;  I can't be your hero today;  Truckstop salvation

De Vinilos y Otras Glorias MMCLX

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

Steve Forbert (Steve Forbert) 1982

No nos engañemos, de no haber mediado los problemas personales y algún que otro desvarío emocional, Steve Forbert hubiera podido marcar una época como roquero y compositor de canciones de muy alto nivel en el mundo del Rock.

Pero como eso no ha pasado y además lo que prometía ser una carrera de auténtico lujo se rompió y comenzó desde unas cenizas más que oscuras (aunque se han ido aclarando gracias a conciertos íntimos y volver a ser un "vagabundo poeta con su guitarra a cuestas") centrémonos en esa primera época dorada, en la cual creó, como su cuarto trabajo, este "Steve Forbert".

Disco en la línea de esas creaciones que mezclaban de manera excepcional toda la esencia del Rock con parte de la Música tradicional americana, y que cuando Forbert las cantaba quedaban como una mezcla de gusto exquisito y para saborear despacio, sin prisas.

Rock de impacto inmediato que se mezcla con esas baladas marca de la casa que la voz del músico hace ensoñadoras, momentos de nostalgia inmensa que sirven para acariciar la piel. Un puñado de canciones en la más pura esencia del Rock, a veces con vistas al pasado de lo que hizo crear esta Música, en ocasiones intentando llegar a saltos a esas nuevas tendencias que en los ochenta se desmarcaban de muchas cosas y pretendían (no lo consiguieron muchos, la verdad) inventar otras.

La personal y excepcional voz de Steve Forbert le permite llegar donde quiere, pero además le hace ser sugerente como un susurro o marcarse temas que parecen comerte desde las entrañas, porque el disco, ya curtido en media década de vinilos de mucha calidad, le sirve para saborear con su garganta todo tipo de registros, y eso, al final, consigue enganchar porque los temas son creaciones de mucha calidad.

Para frikis enamorados de todo lo que no debe ser, descubridores de nuestros sueños a través de la Música, un disco donde el gusto se aprecia y el Rock te abraza con el desinterés de quien desea disfrutar.

SIDE ONE:  He's gotta live up to his shoes;  Ya Ya (Next to me);  When you walk in the room;  Listen to me;  Oh so close (And yet so far away)

SIDE TWO:  You're darn right;  Prisoner of Stardom;  On the beach;  Lost;  It takes a whole lotta help;  Beautiful Diana

De Vinilos y Otras Glorias MMCLIX

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

John Cougar (Chestnut Street Incident) 1976

Si nos fijamos en fechas, diversos prensajes de los discos y alguna que otra página y blogs referencia en esto de la Música, este "Chestnut Street Incident" sería el primer trabajo del roquero americano John Cougar, que para más descomposición de mitos y liturgias firma el disco como Johnny Cougar.

Realmente no sabría decir si es una grabación como tal para salir en formato de vinilo, o es una recopilación de temas grabados por Cougar en sus comienzos, pero la fecha del disco, el año 1976, da pie a pensar que fue lo que hizo que a partir de aquí se dedicara (bien por convencimiento o por necesidad) a esto del Rock 'N' Roll.

El caso es que seis de los temas del disco, escritos por John Cougar, se unen a cinco clásicos de toda la vida, versioneados con gusto (sin sacar mucho los pies del plato) y dando ese toque tan personal que su voz y sus maneras hacían.

Y es que sin ser la joya de la corona, este disco sirve para hacernos una idea muy clara de lo que este tipo hacía cuando intentaba (ya con 25 años y mucha carretera) hacerse un hueco en la historia del Rock; en eso no defrauda en absoluto, porque los temas firmados por el artista son puro sonido Cougar, estremecedor y desgarrador por la voz, impactantes y ¡¡Cómo No!! Rock hasta la médula.

En lo que se refiere a las versiones, correctas y sin salirse de la norma, de modo que ni da ni quita nada, pero para formar un disco que divierte y saca el partido al Rock de siempre están muy bien.

Lo mejor de todo es que se marca canciones como "Chestnut Street" que son una maravillosa bocanada de brisa fresca, balada sensible y emotiva, o "Chesnut Street Revisited" que la revive superándola en lo más alto del Rock (con una banda que se vuelca mucho más, todo sea dicho)

Un disco que divierte, que si te gusta el roquero sirve (y mucho) para saber que no todo comienza desde el infinito, y que permite conocer a un músico que se lo quería comer todo, pero poco a poco.

Side One:  American dream;  Oh, Pretty Woman;  Jailhouse rock;  Dream killin' town;  Supergirl;  Chestnut Street

Side Two:  Good girl;  Do you believe in magic;  Twentieth century fox;  Chesnut Street Revisited;  Sad Lady

De Vinilos y Otras Glorias MMCLVIII

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

Tom Petty And The Heartbreakers (Tom Petty And The Heartbreakers) 1976

Disco presentación del roquero Tom Petty y la banda que fue parte de su historia musical hasta el final.

Allá por el año 1976 este tipo se empeñó en hacer Música que, a primera vista y en sus comienzos, como este disco, parecía un Rock 'N' Roll básico y pasado por el tamiz de lo que se llamaron las tres notas de la historia de la Música, pero siempre ha buscado algo más allá de lo que parecía ser y después era.

La textura de sus canciones, con esa forma de componer tan melancólica, se aprecia desde este disco de su debut, unos temas que enganchan por la frescura de lo que ofrecen y la manera tan particular de hacerlos llegar.

Algunos de los temas del disco, como "Breakdown" o "American Girl", son parte indisoluble de la historia de la banda, y estuvieron en sus conciertos siempre, por eso la importancia de ser un disco que enseñaba de manera clara y evidente lo que era la Música y el sonido (especialmente) de Tom Petty, un roquero impenitente que dejó cuatro décadas de auténtico Rock 'N' Roll.

Por descontado, la voz de Petty marca una pauta que se sigue en cada uno de los temas, en este caso compuestos por él salvo uno de ellos, que firma su escudero de lujo, Mike Campbell y su peculiar manera de tocar la guitarra, en ocasiones entre salvaje y contenido, otras veces de manera rítmica y sin sobresaltos. El resto de la banda, unos Heartbreakers que son parte del compositor como éste lo es de ellos en una conexión maravillosamente conseguida, cumple con nota el papel de trasladar al vinilo lo escrito por Petty, y el resultado es un disco de sensaciones roqueras y emociones nada contenidas.

El comienzo de uno de los mitos de las últimas décadas en el Rock, que fue comparado con muchos pero que consiguió ser él por encima de todas las cosas, y eso, como siempre, ni es fácil ni suelen regalártelo en estos niveles.

Tom Petty voz, guitarra y teclados. Mike Campbell guitarras. Ron Blair bajo, guitarra y chelo. Benmont Tench piano y órgano. Stan Lynch batería.

SIDE I:  Rockin' around (With You);  Breakdown;  Hometown Blues;  The wild one, forever;  Anything that's Rock 'N' Roll

SIDE II:  Strangered in the night;  Fooled again;  Mystery man;  Luna;  American Girl

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Música

Leyenda, mito y realidad.

Es lo que nos hace ser algo más a los ojos del mundo, es lo que provoca que ríos de tinta se derramen con nuestros nombres.

Sin embargo, la Música me sugiere esa intimidad que va aparejada a los sentimientos más profundos, a lo que realmente sientes cuando te encuentras contigo, en la soledad de la habitación, en el momento en el cual crees (¿por qué no?) que eres ese ser privilegiado al que van dedicadas las notas que te llegan.

Siempre he querido compartir cada vinilo con la gente que, al igual que yo, sentía muy profundo eso que llamamos Música, pero sé que hay algo de esa escucha, de esas maravillosas horas al amparo del viejo tocadiscos, que nunca he sido capaz de entregar.

Son los momentos que hacen que lo que mis sentidos perciben sea algo tan mío que no puede salir de mi piel, no puede traspasar lo que soy gracias a ella, a esa compañera a la que le debo cada uno de los pálpitos que las notas provocan en mis entrañas.

Rhiannon

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De Vinilos y Otras Glorias MMCLVII

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

Joe Cocker (Joe Cocker!) 1969

Segunda entrega (que se sepa) del cantante inglés, uno de los pocos solistas de las cuerdas vocales capaces de grabar su nombre a sangre y fuego en la historia del Pop Rock moderno (amén de interpretar Soul, Blues y algunas zarandajas más)

También será recordado (o a mí me apetece recordarlo así) como uno de los más grandes a la hora de transformar en versiones excelsas temas compuestos por otros iconos de la Música. Precisamente este álbum, al igual que otros de la época, es una demostración de lo que decimos. Diez temas de los cuales uno está escrito por Cocker junto a su amigo Chris Staiton, el resto son grandes títulos que este sublime vocalista hace suyos de una manera tan original como inspiradora.

La primera producción de Joe Cocker, al menos hasta bien entrada la década de los setenta, es realmente apabullante, y en este "Joe Cocker!" vuelve a demostrar sus dotes de malabarista con la voz, un registro único que se te mete hasta lo más profundo. Ese tono entre rasgado y roto, profundo y salvaje cuando quiere, hace que cada palabra se eleve por encima de las notas e impacte en los sentidos, como si te hiciera parte de él.

En este disco le ayudan, de nuevo, parte del innumerable grupo de músicos amigos del cantante, convirtiendo la grabación en una fiesta absoluta. Parte de ellos, que formaban la llamada The Grease Band, le acompañaron en algunas de las giras míticas del período en una tremenda sucesión de eventos que hicieron de Joe Cocker lo que fue, una leyenda.

Por descontado, un disco que se escucha por el placer de sentir la buena Música; temas tremendos, versioneados de manera magistral, una banda de lujo y el sonido de un Rock que jamás morirá a través de una garganta privilegiada.

Para amantes de lo excelso, cuando sólo se oye Música y las conciencias duermen más allá de la razón.

SIDE ONE:  Dear landlord;  Bird on the wire;  Lawdy miss Clawdy;  She came in through the bathroom windows;  Hitchcock railway

SIDE TWO:  That's your business;  Something;  Delta lady;  Hello, little friend;  Darling be home soon

De Vinilos y Otras Glorias MMCLVI

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

John Lennon (Imagine) 1971

Segunda entrega en solitario del enorme y genial artista inglés, alejado ya en el tiempo y el espacio de la banda que le hizo una leyenda. Primer disco en el que firma como John Lennon, sin incluir en la portada ni presentación a la Plastic Ono Band.

Evidentemente, y al margen de la canción que da título al álbum, otro icono creado por Lennon, "Imagine" es sin lugar a dudas su álbum más emblemático, el que realmente le fija como un artista por encima del tiempo y un creador por sí mismo, sin estar compartiendo créditos con nadie más.

A diferencia de su primer trabajo, creo que en éste se le nota esa calma después de la tormenta (tormenta perfecta habría que decir si se habla de algo como la disolución de The Beatles) su manera de componer es intensa pero sin mediar esa oscura desazón de lo que ya no existe, y a pesar de algunas letras lacerantes o que indican la infelicidad por lo que le rodea, en general es un disco que se escucha (al menos a mí me pasa) con la perspectiva de llegarte mucho más optimista, dejando un halo de esperanza.

El activismo político y social de Lennon era evidente y algunos pasajes de canciones sirven para entregar idearios de lo que él pensaba que debería ser (sin ir más lejos el propio tema "Imagine") y musicalmente incide en esa manera de ver las cosas a través de la Música.

Un disco que se sostiene solo, porque los temas están maravillosamente bien compuestos, porque inciden muchas cosas que le hacen descargar la energía en la entrega al vinilo, y porque el artista se va creciendo a medida que se soltaba muchas de las cosas que le exigían demostrar en su nueva etapa.

Para los amantes de la Música, la buena y gran Música que hace que se crea que aún es posible, "Imagine" es un disco imprescindible, al margen de estilos, de épocas, de ideologías y de lo que nos hace pensar que cada nota es un latido para seguir.

Side one:  Imagine;  Crippled Inside;  Jealous guy;  It's so hard;  I don't want to be a soldier

Side two:  Gimme some truth;  Oh my love;  How do you sleep?;  How?;  Oh Yoko!

De Vinilos y Otras Glorias MMCLV

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

John Fogerty (John Fogerty) 1975

Segundo trabajo en solitario del gran músico John Fogerty, alejado cada vez más del yugo emocional que supuso la ruptura con el grupo que nos lo trajo al mundo de la Música e intentando que se le reconociera (aún más si cabe) como lo que era, un tremendo artista que revolucionó en su día la Música tradicional americana con su manera de componer.

Tras un primer disco en el que (no sé si por seguridad o mala leche) se zambullía en los orígenes de muchas cosas, como el Country, el Boogie, el Blues Rock... en esta segunda entrega vuelve a retomar el Rock 'N' Roll que tan bien domina y concentra en unos pocos minutos (porque hay que decir que el disco es de una economía temporal bastante seria) esa manera tan suya de entender el Rock y lo que sugiere.

Algunos temas son parte de la historia de la Música Rock, versioneados por miles de artistas y parte de muchos conciertos. 

Producido y arreglado por el propio John Fogerty, aquí no quería intromisiones, este "John Fogerty" se escucha de manera fácil, agradable y para los que gustan (entre los que estoy) de la voz y las maneras del músico, es un soplo de aire que refresca en cualquier momento.

En mi caso, los arreglos con mucha orquesta es lo único que me sobra, pero por lo demás, disfruto y mucho con temas que hacen que te sientas vivo, una maravillosa patada en el culo en clave de Rock, y eso suele no tener precio.

Por supuesto la voz dirige toda la trama, porque no se concibe un trabajo de este roquero sin esa garganta que parece comerte en cada estrofa. En este disco canta más relajado, sin perder ni un ápice de la fiereza que es su seña de identidad, llegando a registros de mucha intensidad, y manteniendo arriba cada tema.

A partir de aquí, la inspiración a la hora de componer y una manera de envolver lo que entrega al más puro estilo de John Fogerty, para que la fiesta esté garantizada.

Rock, Rock y más Rock, para que el infinito no sea el límite jamás.

A:  Rockin' all over the world;  You rascal you;  The wall;  Travelin' high;  Lonely teardrops

B:  Almost saturday night;  Were the river flows;  Sea cruise;  Dream song;  Flyin' away

De Vinilos y Otras Glorias MMCLIV

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

Graham Parker And The Rumour (Stick To Me) 1977

Si como dicen las crónicas este "Stick To Me" nunca debió editarse, a día de hoy me parece un acierto que sí se hiciera.

Tercera entrega del roquero Graham Parker, ya con su grupo de acompañamiento, que lo fue durante muchos años, en un disco que ha ganado con el paso del tiempo, y mucho.

Vapuleado por la crítica al salir, comparándolo con sus dos primeros trabajos, casi todo lo negativo venía dado por el sonido, demasiado incomprensible y "poco cuidado" para la época. No les falta razón a quienes lo hicieron, pero tras un sin fin de problemas, entre los que se encontraba la destrucción de las pistas originales, el disco salió como lo conocemos, e insisto, afortunadamente.

No será el mejor trabajo de su carrera, pero de sus comienzos sí que me sugiere que sea el más intenso, y además con el paso del tiempo ha ganado en esa oscuridad que destila y que le hace ser uno de mis favoritos.

Lo espeso del sonido se ha convertido en magia, la negra manta que lo cubre por esos fallos le hacen ser enigmático, como si escondiera algo más que la Música en los surcos, y en ocasiones la voz de Parker abunda en todo esto, cantando con una desgana que se mezcla con las ganas de gritarle al mundo el por qué de todo esto.

Rock 'N' Roll de muchos quilates, en su línea de composición, con una banda que entiende perfectamente los temas y arropan al cantante de manera genial.

Por encima de unos ritmos frenéticos, unos riff de puro fuego, esa parte de oscura resignación que hacen del disco y los temas que los componen (incluidas las cabalgadas en clave de Rock añejo) un viaje al límite de lo aceptado; quizás los arreglos orquestales (que me rechinan un poco) podrían haberse diluido un poco más, pero el resto se encuentra maravillosamente bien planteado, a pesar de los pesares.

Como dijo el propio Graham Parker, tantos problemas convirtieron al disco en una pieza fuera de tiempo y época, y posiblemente tenga razón, por eso ahora se disfruta de una manera más intensa, más directa, más roquera.

Graham Parker voz y guitarras. Brinsley Schwarz guitarras y slide. Bob Andrews teclados y voces. Martin Belmont guitarras. Steve Goulding batería y voces. Andrew Bodnar bajo.

SIDE 1:  Stick to me;  I'm gonna tear your;  Playhouse down;  Problem Child;  Soul on ice;  Clear head

SIDE 2:  The New York shuffle;  Watch the moon come down;  Thunder and rain;  The heat in Harlem;  The raid

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Like The Way I Do

Música

Al final lo hemos conseguido. Todo lo que significa no ser está implantado en la humanidad. 

Será por eso, más allá de lo que se piense de este espacio, que doy más valor a esas pequeñas cosas embutidas en el negro vinilo que a la palabrería de los que me quieren convencer.

No sé de leyes, de creencias ni de normas; sólo sé que las emociones, emanadas de la Música que me apasiona, son lo más puro que tengo más allá de las voces vacías que venden humo.

Long Live Rock And Roll (y todo lo que ello significa por encima de los sonidos)

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De Vinilos y Otras Glorias MMCLIII

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

George Thorogood And The Destroyers (Bad To The Bone) 1982

Como siempre que hago una entrada en la que me aparece como visitante George Thorogood & The Destroyers, me pregunto el por qué de decidir (más o menos a los cinco años de comenzar su carrera y ser ya alguien en la Música americana) romper ese salvajismo del Power Trío con la inclusión de un saxo.

Y que conste que no tengo nada en contra de Hank Carter, que me parece que toca el saxo de cojones, haciendo que se acople a la Música de la banda, pero... esa parte salvaje la pierde en cierta medida.

Aún así, en estos comienzos del cambio no tiene ni por asomo la importancia musical que discos posteriores, por eso este "Bad To The Bone" todavía me parece de lo que se puede aprovechar y mucho de la banda.

Obviamente, cuando el dedo metálico de George se pone en funcionamiento ("Bad To The Bone")  y la sección rítmica le secunda en las cabalgadas, todo suena distinto, apoyado en esa voz desgarrada y con ganas de comerse a quien se ponga por delante. Ahí sí que siguen siendo The Destroyers en estado puro, y en este disco hay todavía bastantes temas de ese corte.

Por eso su quinto trabajo aún me suena a ellos, con momentos de frenético R'N'Blues, eléctrico hasta decir basta (la burrada de presentación "Back To Wentzville", "Nobody But Me", "New Boogie Chillum") donde el saxo se parte en dos y se agradece, brutales solos del guitarrista y una marcha para que te den una descarga eléctrica en la espina dorsal.

No es lo mejor de George Thorogood, tampoco tan malo como parte de la crítica señaló en su día (intuyo que lo del saxo y demás tuvo mucho que ver) lo que no se le puede negar son momentos impactantes y salvajes y otros que podrían cambiarse, pero aún es quien es, y eso se nota.

Para disfrutar del Blues Rock, R' N' Blues, Boogie y algo de cajun, este disco se desliza por los sentidos sin problemas, ¡¡¡a disfrutar que son dos días!!!

George Thorogood voz, guitarras. Billy Blough bajo. Jeff Simon batería. Hank Carter saxo

De Vinilos y Otras Glorias MMCLII

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

Johnny Winter (Still Alive And Well) 1973

Tras un período de inactividad de algunos años, Johnny Winter volvió a la escena musical con este "Still Alive And Well".

No se puede negar que la base de Blues se siente en muchos de los espacios del disco, pero lo eléctrico en muchas ocasiones ya se va encaminado hacia un Rock potente, duro e intenso.

Quizás contribuya a ello el formato de Power Trío que alberga casi todos los temas, salvo algunos en los que colabora Rick Derringer y músicos que aportan instrumentos ajenos a la guitarra. El bajo (a cargo del animal de Randy Ho Hobbs) y la batería golpeada sin piedad por Richard Hughes, dan esa sensación que mencionamos, pero esas notas del Blues que son parte de cómo Winter entiende la Música no dejan indiferente.

Un disco que fue como un encuentro, y que tras el ostracismo al que se condenó el propio guitarrista, sirvió para volver a tenerlo entre la Música, con un más que meritorio trabajo de guitarra y voz por su parte y unas manera a la hora de transformar los temas que dicen mucho de lo que es.

La guitarra ruge entre sus manos y los temas destilan un poder maravilloso. En los riff marca las notas de manera preciosa, como si se empeñara en arañar a quien lo escucha, intercalando solos y más ritmos que se sostienen gracias a los dos músicos que le secundan y que sacan astillas de cada cambio en las notas.

Eso sí, cuando los temas son más roqueros, en ocasiones se van a niveles que rozan (y no es nada habitual en Johnny Winter) casi el formato de Hard, porque realmente son como una patada en el culo (una patada que da gusto, todo sea dicho)

Un disco que en mi opinión encauza una manera distinta de entender la Música por parte del artista, en lo referente a la entrega de la misma, no en su concepto como músico, porque en eso siempre ha sido lo que es; la sensación de ciertos momentos que rallan el acero puro y duro de manera más constante abre unas vías que seguirían sintiéndose en sus siguientes trabajos.

Si te gusta Johnny Winter, un disco que se disfruta sólo, y si te gusta la buena Música de estos estilos mágicos, una pieza para sentirla y degustarla, porque es eso... Música.

Side One:  Rock me baby;  Can't you feel It;  Cheap Tequila;  All tore down;  Rock & Roll

Side Two:  Silver train;  Ain't nothing to me;  Still alive & well;  Too much seconal;  Let it bleed

De Vinilos y Otras Glorias MMCLI

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

John Lee Hooker (Live At Newport) 1960-1963

Hay muchas maneras de entender la Música, y muchas maneras de tenerla dentro de las entrañas.

Cuando gente como John Lee Hooker tocaba el Blues en los cincuenta y los sesenta, al margen de hacer lo que su alma le pedía, derrochaba en cada nota, en cada tema, en cada minuto sobre un escenario lo que le daba la vida, literalmente.

El Blues entendido como parte del aire que se respira, cuando se entrega de la manera en la que lo hacía John Lee Hooker, te llega de otra manera, es como el primer trago de una cerveza helada cuando la sed aprieta, y eso, se quiera ignorar o no, es distinto.

El festival de Newport ha albergado a lo largo de su historia a todos lo grandes artistas que son alguien en la escena del Blues, y evidentemente nuestro hombre pasó por allí en más de una ocasión.

De los diecisiete temas que componen este "Live At Newport", cuatro de ellos están grabados en el año 1960 (el 1,2,3 y 7 de la cara A) y el resto de su actuación en el año 1963.

Lo que no varía en ninguno es el sentimiento con el que el artista transmite su alma encima de un escenario, esos momentos en los que parece parte de todo el aire que la gente que lo disfruta respira, con su guitarra y su voz haciéndonos partícipes de algo que sólo él puede prestar.

Ramalazos de furia (que su voz se encarga de dulcificar siempre con esa suavidad y delicadeza con la que el músico canta) de apenas minuto y algo, se combinan con temas más extensos en los que va macerando a fuego lento las estrofas y en los que las cuerdas de su guitarra vibran hacia el cuello del que lo escucha.

Si se habla de estilos (al margen de los gustos personales de cada uno, por supuesto) pocas veces en el Blues te vas a encontrar algo más puro que esto, y además en directo, donde todo lo que se entrega se magnifica por el público que puede hacerlo crecer. 

Y es que este disco es lo que es si lo miras desde lo simple, un artista de Blues puro y duro, de los barrios deprimidos, plantaciones o carreteras de arena y polvo, o algo que no se puede definir porque lleva implícito todos los siglos que esta Música tan maravillosa fue acumulando.

Para amantes de los sentimientos, emociones superlativas y por supuesto de la Música.

SIDE ONE:  Intro;  Hobo Blues;  Maudie;  Intro;  I can't quit you baby;  Stop now baby;  Tupelo;  Sometimes you make me feel so bad;  Bus Station Blues

SIDE TWO:  Intro;  Let's make;  Great fire of Natchez;  Boom boom;  You're gonna need another favor;  Intro;  Hobo Blues;  Boom boom

De Vinilos y Otras Glorias MMCL

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

John Mayall (Back To The Roots) 1970

Uno de los más grandes creadores del llamado "Blues Blanco", padre musical de un sin fin de músicos legendarios, nos visita con una obra excepcional.

Y es que el documento que significa este "Back To The Roots" va más allá de la propia Música, que ya vale, porque en el año de su creación, el maestro Mayall consiguió reunir de nuevo para la grabación del doble vinilo a muchos de los más emblemáticos músicos que habían trabajado con él.

De esta forma, el disco se convierte en una manera tremenda y bella de concebir el Blues eléctrico, pasado por las manos y la mente de artistas que lo entienden de manera muy especial.

Podría faltar alguno, pero si le das un repaso al elenco de músicos que acompañan a John Mayall, el orgasmo es inmediato.

La voz del maestro surge como tantas veces como esa guía entre espiritual y mística que ordena y encauza lo que ni se puede ordenar ni encauzar, porque lo mejor y más increíble de cada tema es la posibilidad de crear y desarrollar lo que a cada solista le viene en gana, y en estos casos es mucho y todo bueno.

Recital guitarrero a cargo de Eric Clapton, Harvey Mandel, Jerry McGee, Mick Taylor, que hacen suyas las seis cuerdas y personalizan de manera sublime los temas en los que participan, acompañados de una base de músicos tremenda para que nada se escape de eso que se llama talento y que algunos privilegiados tienen muy por encima del resto. El bajo, único fijo en todos los temas a cargo de Larry Taylor y las baterías de Paul Lagos, Keef Hartley hacen un trabajo soberbio en una sección rítmica espectacular y el resto de instrumentos (lo del violín de Sugarcane Harris es de traca) entre los que John Mayall toca casi de todo (armónica, piano, órgano, guitarra, saxo) van dando forma a unos temas de puro Blues, componiendo este "Back To The Roots", que tiene un título más que apropiado para lo que se entrega.

Un disco brutal, que enamora a cualquier seguidor de la Música y lleva muy arriba a quienes amamos esta Música surgida de las entrañas del hombre y forjada más adelante a fuego para hacerla universal.

Disfruta, si te apetece, de un mito y sus amigos (casi todos ellos mitos también) haciendo lo que más les gusta y en un estilo que a la mayoría les hizo nacer como lo que son.

Songs: Prisons on the road;  My children;  Accidental suicide;  Groupie girl;  Blue fox;  Home again;  Television eye;  Marriage madness;  Looking at tomorrow;  Dream with me;  Full speed ahead;  Mr. Censor man;  Force of nature;  Boogie Albert;  Goodbye December;  Unanswered questions;  Devil's trucks;  Travelling 

Diamonds And Rust

Hurricane

Ball & Chain

De Vinilos y Otras Glorias MMCXLIX

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

Chris De Burgh (Spanish Train And Other Stories) 1975

Hay varias portadas del disco, pero me gusta la que tengo. Versión europea al uso, en blanco y negro con el título del vinilo y el nombre del artista en la parte superior (como se verá una vez puesto en la entrada, todo sea dicho)

Disco intimista, muy bien ideado desde las entrañas por el artista irlandés, que buscaba, en estos sus comienzos, hacerse un hueco en el panorama de una Música infinita, y eso no es fácil.

Quizás los pasajes de armonías apoyados con orquesta sobran en algún momento, porque cuando se atiene a la estructura del Rock es mucho más llevadero, pero en esos momentos, en los orquestales, realmente no desentona tanto y lo que sí consigue es darle un aire entre épico y melancólico a los temas que resulta curioso.

No se puede negar que como creador (ya que Chris De Burgh es el autor de las letras y la Música) acopla de manera perfecta las composiciones a su estilo de interpretar, sabiéndose limitado en una voz suave, cálida, dulce pero sin un registro poderoso, y a partir de aquí la Música va tras esa estela que deja un halo de melancolía, tremenda caricia al escucharse y una sublime oda a lo íntimo.

Pop Rock hecho con estilo, al menos en esta primera época, con una manera fácil de llegar hasta lo más profundo y sin aspavientos, con esa facilidad que en el lugar del mundo llamado Irlanda tienen para que todo fluya y las notas se conviertan en momentos de gloria envasada en el vinilo (incluso algunos pasajes maravillosamente irónicos casi de vodevil como "Patricia The Stripper" , con mucha retranca por parte del artista)

Un disco que se escucha sin esfuerzo, al que no hay que buscar nada porque se plasma en lo que se percibe, y además lleva el sello de un artista que esta época componía con calidad y sin tener (como le pasó más adelante) que demostrar nada más allá de lo que realmente era, que era bastante.

Side One:  Spanish Train;  Lonely Sky;  This song for you;  Patricia The Stripper;  A spaceman came travelling

Side Two:  I'm Going Home;  The painter;  Old friend;  The tower;  Just another poor boy

De Vinilos y Otras Glorias MMCXLVIII

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

Bob Seger (Seven) 1974

El álbum fue grabado en el año 1973 y editado en el año 1974, por aquello de que luego me dicen que soy un "tikismikis" si me lo dicen en el muy norte, o un "tiquismiquis" si me lo dicen más al sur (todo ello tomando como referencia la piel de toro)
En el haber del artista, el séptimo disco de su producción, que quizás tenga que ver con el título, pero contando diversos avatares de bandas y elencos hasta llegar a esta (aunque en el disco como tal no lo ponga está acreditada como tal en la contraportada) Silver Bullet Band con la que formaría una simbiosis a través de los setenta y más allá.
Disco muy, pero que muy rockero, en momentos puntuales rallando (la verdad es que yo diría que zambulléndose) en el Hard, con una furia salvaje propia de Bob Seger en sus conciertos pero menos en el estudio.
Por supuesto la voz del cantante, excepcional y única como siempre, es la guía de todos los temas, cortos en su duración y extrañamente corto el conjunto, y a través de ella vamos viajando por una aventura en clave de Rock que llena a cualquier amante del género, porque no nos engañemos, Bob Seger es un rockero impenitente y además en esta década sublime es uno de los referentes del estilo, más que les pese a muchos.
Apoyados por la "Nashville Musicians", la banda y el propio Seger se marcan un disco que es un tratado de Rock, de cómo cantar y elaborar letras inmensas para meterlas en un espacio de tiempo que parece no puede abarcarlas (algo clásico y seña de identidad del Rock americano con mayúsculas) pero claro, con la facilidad del músico, todo parece mucho más fácil de lo que realmente es.
En definitiva, si te gusta el Rock, y además te va el buen Rock americano, "Seven" es un disco que hay que degustar, porque es un tratado de todo lo que significa el estilo, y además puede servir de viaje hacia momentos donde lo que te esperas no esté tan escrito como parece.
Bob Seger Voz, guitarra, piano, letras. Drew Abbott guitarra. Chris Campbell. Rick Manasa teclados. Charlie Martin batería.

Cara Uno:  Get out of Denver;  long song comin';  Need ya;  School teacher;  Cross of gold
Cara Dos:  U.M.C.;  Seen a lot of floors;  20 years from now;  All your love 

De Vinilos y Otras Glorias MMCXLVII

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

David Bowie (Space Oddity) 1969

No sé si es porque siempre ha tenido algo de alienígena, o porque lo del espacio, sin caer en aquello del Space Rock y demás estilos absolutamente emocionales,le iba mucho, pero la verdad es que David Bowie, en lo referente a su producción y lo que conlleva, siempre ha marcado los mejores trabajos cuando se ha inspirado en otros mundos ajenos al nuestro.

Todo hay que decirlo, no soy mucho de Bowie, especialmente en el sentido musical superlativo del término, quizás me gusta parte de su estética ajena al tiempo y al (cuidadín con la palabra) espacio, pero hay parte de su trabajo que no me deja indiferente, y uno de esos momentos memorables me parece "Space Oddity".

Un disco que estructuralmente es perfecto, que dice lo que quiere y como quiere, y que se basa (no le pasa en todos, ni mucho menos) en un Rock auténtico con una forma de componer que tiene todo el sentido del género. 

Para muchos, la mejor y más convincente obra de David Bowie, y eso que la creó en el año 1969, entre ellos me incluyo, salvo por la excepción de su aventura con las arañas de Marte, y a partir de aquí, lo que cada uno quiera pensar.

Es evidente que un personaje como Bowie atrae y mucho, y no sólo en lo musical, porque solo su personalidad llena muchas páginas de cualquier cosa, pero en lo que se refiere al disco del que hablamos, todo está perfectamente ideado, desde los temas y su manera de hacerlos llegar, esa composición que alterna los momentos de furia contenida con las intimidades propias de una historia elaborada, y por supuesto la manera de trasladarlos al vinilo, partiendo de la voz sedosa de Bowie que embauca y atrae, siguiendo con los instrumentos perfectamente ligados al todo de la composición y por fin consiguiendo esa sensación de una obra que (no sé si el autor lo creó o no así) parece una historia contada en clave de Rock.

Si se conoce al "otro" Bowie, este disco es un momento único para descubrir a un músico especial, que creía en algo que no siempre (y esto es una opinión exclusivamente personal) consiguió transmitir.

SIDE 1:  Space Oddity;  Unwashed and somewhat slightly dazed;  Letter to Hermonie;  Cygnet committee

SIDE 2:  Janine;  An occasional dream;  The wild eyed boy from freecioud;  God knows I'm good;  Memory of a free festival

Poster

Música

Cuando el Sol se ponga, y las sombras de la noche tomen forma, solamente la luz de nuestras almas, de las personas que ponemos la carne en el asador día a día, momento a momento, iluminará lo que nos rodea, y los mediocres se ocultarán temerosos de nuestros actos, temerosos de su propia indecencia.

Cuando el Sol se ponga, mi querida Amiga, habrá momentos únicos que sólo nosotros podremos disfrutar.

Música

Hoy he puesto Música y he sentido la Soledad. 

Eran sonidos maravillosos que me llevaban a los confines de lo humano, más allá de mis propias ideas, y saberme en ese lugar me ha sentir el frío de la distancia.

A veces me pasa contigo, es tal el placer que me produce saberte, tenerte, sentirte... que me encuentro solo en cualquier lugar cuando te recuerdo, cuando pronuncio tu nombre y no se me escucha, al dibujar tu cara en el aire.

La Música sabe que no me deja, es mi amante, compañera y Amiga desde que la descubrí, desnudo de emociones y vacío de sentimientos, pero puede ser que sí la abandone cuando no entiendo lo que me dice a través de sus palabras, y entonces me vuelvo triste, apesadumbrado, imaginando que me haces el amor con la mirada, susurrándome lo que deseas.

Soledad por estar contigo y querer ser tú para entenderte, complacerte y darte, soledad porque no hay nada más allá de nosotros y si no estas la nada es absoluta.

Hoy he puesto Música, esa que nos hace entrelazar las manos y derretirnos por la pasión, la misma que escuchábamos tantos años atrás al calor de la hoguera, con las estrellas como techo cubriéndonos el sueño, y he sentido cada nota, cada espacio, cada silencio a través de tu imagen, he hablado buscando palabras de respuesta, esa mirada que me dice todo...

El mundo me rodea, y sin embargo sé que no estoy en él.

Poster

De Vinilos y Otras Glorias MMCXLVI

Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido

Guns N' Roses (Use Your Illusion II) 1991

En la segunda entrega de esta especie de libro de memorias del grupo llamado "Use Your Illusion II", el comienzo es arrebatador. Uno de los temas que más me gustan de la banda, ese descomunal "Civil War", que provoca incluso que Axl (el anormal al que nombré como tal en la primera entrega) esté más acorde con el tema y no con él mismo, y se esfuerce por conseguir que todo funcione de manera perfecta.

Tras esto, más de lo mismo que con la primera entrega, temas que son parte del Heavy más prescindible (aún siendo de lo mejorcito de la época) y otros que demuestran que cuando querían sabían lo que hacían y sus enseñanzas eran más que clásicas, como el mencionado "Civil War", "Locomotive", la versión desgarradora de "Knockin' On Heaven's Door", "Don't Cry" (de nuevo) o ese ritmo sensual de "14 Years"... bestial,  por lo que de nuevo se me queda demasiado largo en el hecho de ser un doble vinilo y con ganas de haber sentido más de la banda cuando querían hacerlo bien.

No se les puede negar que aprovecharon el momento excelso en el que se encontraban; en mi opinión fueron los dos discos que marcaron lo máximo de la banda y su siguiente escalón, o sea, la bajada a los infiernos, pero como diría el otro ¡¡que les quiten lo bailao!!

En lo que a mí respecta, y con todos los peros que ya he dicho, "Use Your Illusion II" es más completo que la primera parte, los temas se acoplan más entre ellos consiguiendo una continuidad que no se corta demasiado, y en más de uno y de dos la voz está (dentro de lo que se puede esperar de un descerebrado como él) más acorde al conjunto.

Los temas que merecen la pena no sobran en absoluto, son a los que vuelvo de vez en cuando y los que me ponen las pilas, en lo demás, dicho queda, un mito que duró unos seis o siete años más o menos (el resto lo que la industria ha querido explotar) y que fue un bombazo del que se pueden sacar cosas que no defraudan, el resto ya es cosa de cada uno, y yo con los millones de ventas y los cientos de millones de fans en los conciertos no me meto.

A:  Civil War;  14 Years;  Yesterdays;  Knockin' On Heaven's Door

B:  Get In The Ring;  Shotgun Blues;  Breakdown

C:  Pretty tied up;  Locomotive;  So Fine

D:  Estrangled;  You Could Be Mine;  Don't Cry;  My World