sábado, 17 de noviembre de 2018
De Vinilos y Otras Glorias MMLXXXIII
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Quicksilver Messenger Service (Live At The Winterland Ballroom In San Francisco, Ca December 1, 1973) 1973
Disco de una época ya tardía, en cuanto a lo que eran como grupo en sus comienzos, salvajes, sin artificios, primarios pero maravillosamente carnales. No obstante, en el año 73 (y alguno que otro más, en mi opinión) aún se podía sacar mucho de un concierto de Quicksilver Messenger Service, porque como ya he comentado, el resto son opiniones personales y punto.
Siete miembros encima del escenario, tremendos y llenos de vitalidad, con las incorporaciones haciendo que aspectos de la Música cambiaran de una manera sorprendente, y para bien.
Por lo pronto las guitarras están en plena forma, y la exhibición de Cipollina sobre todo y de Gary Duncan cuando le secunda es tremenda. Además, la incorporación de un nuevo batería, Harold Aceves y Dino Valenti como multi instrumentista ayudando más con la percusión, hacen que la sección rítmica se convierta en un auténtico muro que sirve para dotar al grupo de una fuerza superlativa.
Esto se nota especialmente en las jams, donde las guitarras campan a sus anchas con el teclado metiéndose cuando puede y le dejan.
La grabación del concierto, salvo un tema de los seis del disco, es bastante buena, y todo esto se aprecia de manera tremenda, por lo que se disfruta de todo lo que la banda aporta. Lo que no está nada cuidada (al menos la edición que me ha tocado) es la presentación, con un plástico que deja mucho que desear, pero...
La verdad es que en nueve años desde su creación la banda había demostrado la calidad de todos sus músicos, una manera de entender la Música sin límites y dejando un sello para disfrutar de ellos a quienes amamos la esencia de lo que no sabe de finales programados.
Quicksilver Messenger Service, por el placer que me da la Música, lo que significa y esa magia que desprende cuando se hace de esta manera.
Para esos locos, también llamados frikis, que no saben de nada que no sea beber los sonidos a tragos, como forma de vida.
SIDE A: Losing hand; What about me; Who do you love?
SIDE B: Play my guitar; Mojo; The hat
De Vinilos y Otras Glorias MMLXXXII
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Quicksilver Messenger Service (Live At The Old Mill Tavern March 29, 1970) 1970
Ya entrados en la década de los setenta, donde el grupo había llegado con muy buena salud, nos encontramos con este concierto que sorprende un poco por varias incorporaciones en la Música de la banda y lo que influía en esta.
En cuanto a la presentación, de nuevo cuidada y con un gusto exquisito, guardando esa imagen que era de todos conocida. Formato de doble vinilo donde ya no se hacen prisioneros, siete temas en las cuatro caras, el más limitado en el tiempo "Rain", que se va a los 5'48'', y ya jugando con fuego, como les gustaba, incluyendo una demoledora jam llamada "Blues Jam" de 22'32'', para cerrar el concierto y algunas que otras bocas.
Un poco carente de limpieza el sonido, con algunos altibajos en según qué tramos de la grabación, pero en general se escucha de manera más que digna y permite disfrutar de lo que te llega. En cuanto a esto, lo que va llenando tus sentidos, se incorpora la voz de Dino Valenti como solista, que a pesar de hacerlo de dulce creo que le quita algo de protagonismo a esos brutales espacios instrumentales. Eso sí, los conjuntos corales, gracias a esto, son realmente emocionantes.
Lo que menos me gusta es que se incorporara el teclado a cargo de Nicky Hopkins, y no por el músico, porque me parece un musicazo, y lo que hace lo hace todo bien, sino porque la fuerza y lo descarnado de las guitarras de Quicksilver Messenger Service era algo muy especial, y con esto ese sonido se dulcifica un poco.
Obviamente se trata de una opinión personal, porque lo que está claro es que la banda suena como un bloque arrasador, y la verdad es que en el año 70 eran una máquina perfectamente engrasada que se permitían lo que les daba la gana.
Un disco que demuestra la progresión musical de la banda, ya metidos en otra década, con un sello inconfundible pero con esos cambios que hacían que el sonido, sin perder el estilo, fuese más de la mano de los nuevos tiempos.
Para seguir disfrutando de una manera de entender la Música que hace que el infinito, como todo lo prohibido, tenga sentido.
Dino Valento voz. Gary Duncan guitarra y voces. John Cipollina guitarra. Nicky Hopkins teclados. David Freiberg bajo y voces. Greg Elmore batería.
LP 1 SIDE A: Subway; The Truth
LP 1 SIDE B: Mona; Baby Baby; Rain
LP 2 SIDE A: Mojo; Blues Jam #1
LP 2 SIDE B: Blues Jam #2
De Vinilos y Otras Glorias MMLXXXI
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Quicksilver Messenger Service (Live At The Fillmore June 7, 1968) 1968
Segunda entrega en "Paseando Por Los Sueños" de una debilidad del que suscribe, Quicksilver Messenger Service y su universo musical en vivo.
En esta ocasión se unen lo mítico de la banda y la mística de un local que en la época fue santo y seña de la buena Música, del Rock en todas sus variantes.
Impresionante documento, con un sonido tremendo y en presentación de doble vinilo. La banda ya tenía un nombre propio en la escena de la Música, con tres años de carretera asaltando todos los estamentos de la Psycho más salvaje con una forma de tocar en vivo realmente brutal.
La entrega en el doble disco es de un gusto exquisito; formato de álbum abierto con la imaginería típica de la época, de la que el grupo se empapaba en sus portadas y posters de conciertos. Fotos de los miembros y una idea mucho más real, sino la que ya era su sello, sobre los sets que se marcaban en vivo.
Temas de inmenso recorrido entre los que se intercalan algunos más cortos, pero que ya demuestran la calidad instrumental de los miembros del grupo, especialmente ese portento a las seis cuerdas llamado John Cipollina, que no se andaba con chiquitas a la hora de irse hacia el infinito con sus solos demoledores.
En formato de cuarteto, las cuerdas vocales están a cargo de David Freiberg y Gary Duncan, y el dúo de guitarras, con el propio Duncan y el ya comentado Cipollina, se dan un festín que me vuelve loco. El grupo se completa con Greg Elmore a la batería, amén del bajo de Freiberg.
Un disco para saborear y disfrutar la más pura esencia de la banda, temas inmensos, clásicos de su repertorio, como el inevitable y maravilloso "Who Do You Love?" al que dan una energía especial, versiones descarnadas y salvajes como "Smokestack Lightnin'" y la sensación de aplastamiento que te dejan por el placer de escuchar una Música especial y diferente.
Obviamente, para amantes del grupo y de lo que nunca muere, porque te llena desde la primera nota.
LP 1 SIDE A: Pride of man; If you live; Dino's song; Smokestack Lightnin'
LP 1 SIDE B: Codine; Light your windows; Mona; Calvary
LP 2 SIDE A: Back door man; Acapulco Gold & Silver
LP 2 SIDE B: Who Do You Love?; The Fool
De Vinilos y Otras Glorias MMLXXX
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Quicksilver Messenger Service (Live At The Avalon Ballroom) 1966
Uno de esos grupos que siempre me ponen la piel a punto (amén de otras cosas) nos visitan en esta entrada y las posteriores con momentos de lo mejor que sabían hacer, sus conciertos en directo.
Dado que eran un grupo nacido para el escenario, con una capacidad inmensa para tratar esas horas ante el público, algún iluminado tuvo la idea de sacar un montón de sus shows en vivo, y evidentemente, dado quienes eran, el chocolate en la boca estaba más que puesto para degustarlo.
Como en todo, cuando se lanzan a editar este tipo de cosas te encuentras maravillas ocultas por los años y verdaderas mediocridades por las condiciones y lo que era grabar a un grupo como este en vivo (que no por el propio grupo y lo que hacían) y tras mucho rebuscar, algunas de esas piezas que a mi entender merecen la pena las obtuve con la satisfacción de disfrutar de un pedazo de banda en su hábitat más puro.
Un par de estos conciertos ya han visitado "Paseando Por Los Sueños", y los que ahora vienen son los que más o menos han ido llegando de manera extravagante en ocasiones, muy buscadas en otras.
Con todos vosotros, niños y niñas, mayores y menores, gente de la Música, un espectáculo maravilloso de la mano de un grupo excepcional en su mejor época, salvo algún monumento un poco más tardío.
Este primer encuentro nos deja una pieza de museo en una época irrepetible. Apenas la génesis del grupo un año después de su formación y ya se marcaban exuberantes conciertos como este. Llenos de una energía tremenda, la Psycho más guitarrera saliendo por todos los poros de la piel (de cada uno) con una formación mítica y clásica donde cualquier cosa era posible.
Presentación del primer álbum y algo más con el grupo demostrando de lo que eran capaces. Por ser sus comienzos, por ser lo que era la fecha, por ser lo que les daba la gana, nos encontramos con más temas de corto recorrido de lo habitual, en los cuales las guitarras se ciñen más a los ritmos y riff que a los descarados solos que llenaban el silencio hasta el infinito.
Siete piezas grabadas en el show del 9 de septiembre y otras dos, entre ellas la salvaje "Mona", registradas el 28 de octubre. El sonido es más que aceptable, y la frescura que demuestran hace justicia a los primeros tiempos del grupo, cuando el Rock giraba hacia las estrellas ¡¡¡y de qué manera!!!
Formación de quinteto, con la voz solista de Jim Murray teniendo más importancia de lo habitual debido a esas duraciones más reducidas de los temas que le dejaban margen al lucimiento, y a algún desvarío emocional como "If You Live, Your Time Will Come", donde se pasa lo que quiere y hasta lo que quiere.
John Cipollina guitarra y voces. Jim Murray voz. David Freiberg bajo. Gary Duncan guitarras. Greg Elmore batería.
A: Codeine; Pride of man; Babe I'm gonna leave you; Gold and silver; Stand by me; Hoochie Coochie man
B: Smokestack lightning; If You Live, Your Time Will Come; Mona
domingo, 11 de noviembre de 2018
De Vinilos y Otras Glorias MMLXXIX
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
The Stooges (The Stooges) 1969
En ciertos estilos, cierta manera de pensar la Música y sobre todo de vivirla, esos pioneros (en el conjunto, porque decirlo de manera individual se me antoja altamente complicado) que lograron imponer lo que creían a pesar de todo y de todos, siempre me han merecido un respeto enorme.
En el año 1969 la Música maravillosa era la que era, tanto la ya asentada como la que estaba surgiendo desde los entresijos de mentes privilegiadas, pero que ciertos tipos como The Stooges se atrevieran a lanzarse al vacío siguiendo la línea trazada por otros iluminados, con un Punk Rock fuera de toda lógica, es para emocionarse.
A quien no le guste, que pase página, porque este amasijo de sonidos que derriten las neuronas y emocionan al mismo tiempo se debe tratar con el gusto que se merece.
Desde la primera nota de la maravillosa "1969" todo es una cascada de emociones que erizan la piel; eso sí, no se hacen prisioneros, porque las guitarras te van a arañar, la sección rítmica te va a patear el culo, y la maravillosa voz de Iggy (y sobre todo su forma de cantar) te sujeta por el cuello para que no escapes.
Oscuro como la boca de un lobo en ocasiones, pesimista, tétrico, el disco estalla cuando quiere y te lanza hacia donde la red no existe; te caes y te levantas o lo dejas, porque van a seguir golpeándote hasta que desfallezcas. Esa es la Música de The Stooges, y este es su álbum de presentación.
En los momentos en los cuales la pesadumbre se cambia por realidad que debemos modificar, un halo de optimismo se puede atisbar en la Música, pero es cierto que en el año 69 se podía creer (a pesar de los pesares) en muchas cosas; hoy, la Música que este gran grupo nos ha dejado, es una especie de testamento adelantado a las épocas, las historias y todo lo que estaba por venir, porque en esos años, todo era posible y todo (como es el caso del que hablamos) se podía hacer.
Un tremendo trallazo a las conciencias, un disco por encima de las épocas, parte de esa historia que ahora es el Rock descarnado, oscuro, maravillosamente doloroso.
Iggy Stooge voz. Ron Asheton guitarra. Dave Alexander bajo. Scott asheton batería
side one: 1969; I wanna be your dog; Wewill fall
side two: No fun; Real cool time; Ann; Not right; Little doll
De Vinilos y Otras Glorias MMLXXVIII
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
The Litter (Distortions) 1967
Álbum debut de un grupo que no tiene complejos a la hora de apuntar al entrecejo y dispararte su Música para que te enteres de lo que está pasando.
Oriundos de Minneapolis, su Música es una mezcla de Psycho auténtica y de una fuerza endiablada junto a toques descarados (porque aquí de ocultar nada) de Garage Rock, esa furia contenida que desembocó en estilos a mayor gloria de los desmanes emocionales de más de una generación.
Evidentemente esa forma de tocar y creerse lo que hacen se refleja a través de las composiciones, que funden esto que hemos comentado. La Psycho más carnal, sin artificios, les sirve para sentar las bases en el papel, composiciones de alta calidad y llenas de ímpetu, en las cuales las guitarras toman todo el protagonismo, junto la la voz descarnada que grita las estrofas; seis cuerdas manejando el tempo, llevando de la mano las canciones, con momentos de furia desatada y otros en los cuales precisamente la pausa hace más descarnada aún la historia (algunos temas parece que van a estallar en cualquier instante y sin embargo en esa contención radica la fuerza que transmiten)
La sección rítmica se encarga, y lo hace muy bien, de hacer que todo funcione cuando los arpegios llenan el silencio y los ritmos y solos te llevan de la mano. Una sección rítmica que madura cada tema dando el golpe definitivo cuando hay que asaltar las barricadas o mantener ese momento que parece que nunca llega.
Un disco debut excepcional, donde el grupo deja clara su postura, su Música y lo que pretende; al margen de un homenaje precioso a The Who con el icono "Substitute" casi acelerado, y a los Cream con otra burrada "I'm So Glad", esas guitarras distorsionadas y los golpes secos de ritmos cortados a cuchillo dan idea de la Psycho descarada, impactante, maravillosamente emocional.
Un disco para disfrutar, vivirlo y dejar que te envuelva hacia las alturas (como sigas o te dejes caer luego ya es otra cuestión)
SIDE ONE: Action woman; Whatcha gonna do about It; Codine; Somebody help me; Sustitute / The Mummy
SIDE TWO: I'm So Glad; A legal matter; Rack my mind; Soul-searchin'; I'm a man
De Vinilos y Otras Glorias MMLXXVII
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Eden's Children (Sure Looks Real) 1968
Como buen Power Trío que se precie, al margen de estilos y visiones musicales varias, si son buenos (como es el caso) la intensidad y el poder están garantizadas.
En eso este "Sure Looks Real", tremendo artefacto del grupo Eden's Children, va sobrado, pero también llama la atención los momentos melódicos que suben muy alto el listón sobre todo lo que te esperas en cada tema. Además de ese impacto que supone el sonido global de la banda, y no digamos en algunos pasajes más concretos, la principal virtud de este trabajo es la perfecta simbiosis de algunos estilos que podrían parecer ajenos entre sí.
Es cierto que la generalidad es una Psycho salvaje, con momentos más pausados para intercalar piezas de otros estilos que no son sino influencias de los miembros del grupo, pero esos retazos jazzy, el Folk destilado hasta hacerlo casi desaparecer en las entrañas de la Psycho y sobre todo algún eslabón perdido de Acid Rock que impulsa aún más los temas donde se siente, no hacen sino alimentar aún más la calidad compositiva de este disco que en sí mismo es un paseo por la historia de lo que se hacía, inventaba y pretendía a finales de una década irrepetible.
Metidos de lleno en la creatividad, los temas son una bella manera de presentar ese sonido clásico de la época, Música que se hacía parte de la vida en unos momentos en los cuales la imaginería del Pop Rock no tenía límite alguno en lo musical.
La voz aterciopelada, salvo en ramalazos de furia contenida, es uno de los momentos emotivos del disco, con una textura que te hace sentir esa sensación de lo bello acariciándote la piel. Pocos pero seleccionados conjuntos corales, que pueden ser más esperados dado el estilo, y una manera de mantener el ritmo con la sección rítmica que da gusto.
Sería muy fácil decir "un disco más de Psycho de la trepidante época sesentera"..., pero en piezas como esta, que son buenas desde el principio hasta la última nota, mejor añadir que nos encontramos ante un muy buen disco, porque para los que amamos la Música hay que saber diferenciar, que bazofias nos intentan colar por todos lados.
SIDE ONE: Sure looks real; Toasted; Spirit call; Come when I call; Awakening
SIDE TWO: The clock's imagination; Thinks gone wrong; Wings; Call It design; Invitation; Echoes
sábado, 10 de noviembre de 2018
Música
Sólo si mintiese podría amarte. Todo lo que compartimos ha muerto en el infierno que los humanos nos empeñamos en crear.
Salir del paso con un suspiro no es la solución. Solamente la Música ha abierto una sonrisa en nuestro rostro, pero compartir las melodías a la luz de la noche ya no sirve para atarnos una eternidad.
A pesar de lo que pienses, el por qué siempre ha sido el mismo. Yo estaba ahí, esperándote para poder abrazarte mientras nuestra canción nos acariciaba los sentidos.
Música
Seguramente existe un camino para poder complacerte. Las lágrimas se encuentran solo en el pasado.
Seguramente habrá un día para decir que te fuiste por tu camino. Alguna ilusión tendrás a través de los años.
De Vinilos y Otras Glorias MMLXXVI
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Spontaneous Combustion (Triad) 1972
Segunda entrega del grupo, que nos visita para dejarnos esos ramalazos de puro Prog. que llenaban su Música.
Entre el más clásico Prog. de la época y un poco de Hard Prog. destilado gracias a algunas composiciones donde las guitarras se volvían más fieras y salvajes, la Música del grupo no engaña a nadie, y no te encuentras algo desconocido que te sorprenda al escucharlo, pero al menos todo lo que te llega es de una calidad más que notable.
Clásico Prog. de emociones fuertes, con temas elaborados, muy bien compuestos y sobre todo desarrollados con un gusto exquisito. Instrumentalmente son músicos que están sobrados para ejecutar las composiciones que crean, y con esto sólo cabe esperar que éstas sean de valor, y siendo como son, el álbum sigue la línea del primero y "Triad" se convierte en un festín para los que amamos esta Música que juega con lo que se dilata en el tiempo y nunca aburre porque ofrece variedad, cambios por doquier y un sin fin de posibilidades enormes a la hora de esperarte algo que siempre sorprende.
En momentos de suaves melodías ("Child Life" es una demostración) los teclados toman el protagonismo, especialmente el piano, que suena como los ángeles, y junto a la voz dan una dimensión distinta a la Música del álbum. En lo general, las guitarras abrasan, especialmente en los recorridos más extensos, donde son refrendadas por una percusión y un bajo que las siguen en las desenfrenadas cabalgadas y los solos que se marcan.
Al margen de lo que el Prog. es en sí, la Música de "Triad" es de una valoración superior por la capacidad de sonar en bloque, todo el grupo está implicado en lo que hacen y se nota a través de los surcos; se podría decir que es, en sí misma, una obra comunal.
Para amantes del Prog. más clásico y con algunos deslices al Hard que potencia la propia creatividad del estilo, y que no cese, por aquello de lo que nos lleva.
Side 1: Spaceship; Brainstorm; Child life; Love and laughter
Side 2: Pan; Rainy day; Monolith Parts 1, 2 & 3
De Vinilos y Otras Glorias MMLXXV
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Polyphony (Without Introduction) 1972
Por las tendencias musicales de este extraño artefacto que nos acompaña, me resulta también curioso pensar que sea una banda creada y evolucionada en Virginia, allá en los USA.
Y digo esto porque el disco es una mezcla bastante interesante del Prog. emergente y también del más asentado en esas épocas de principio de década, con la Psycho más tardía en cuanto a las composiciones que denotaban más complejidad.
Lo que no se puede dudar es que este "Without Introduction", primero y único trabajo del grupo Polyphony, lleva incrustado el sello de la originalidad, con una Música personal y que bebe de fuentes exquisitas a la hora de ser creada.
Sobre todo es un álbum instrumental, con pequeñas piezas vocales que si bien no disturban podían evitarse y todo quedaría más uniforme, pero saltando este comentario que no influye para nada en la calidad final del producto, lo que realmente merece la pena es la parte compositiva. Un derroche de imaginación que se convierte en piezas complejas, difíciles, llenas de vitalidad y calidad, con unos músicos que se permiten realizar todo tipo de giros sin que se pierda esa intensidad que es lo que te lleva desde la primera nota.
En las idas y venidas de los temas todo puede pasar, desde solos encarados con una fuerza inmensa a momentos que te dejan flotando entre notas que varían constantemente, melodías y riff de cuerdas junto a teclados ue entran y salen de una manera espectacular.
Realmente eso es lo que creo que hace que el disco merezca la pena, la simbiosis entre el Prog. de más alto nivel instrumental y emocional junto a la Psycho melódica que en ocasiones se deja ver y provoca ese contraste en los temas.
Para los que necesitan y desean constantemente que la Música les sorprenda, éste puede ser un buen disco a descubrir, especialmente si el Prog. entra en los límites de la realidad que nuestras mentes necesitan, porque la verdad es que "Without Introduction" hará que esos confines se extiendan un poco más.
Martin Ruddy bajo y voces. Christopher Spong batería. Craig Massey teclados y voz. Glenn Howard guitarra y voz. Chatty Cooper batería.
SONGS: Crimson Dagger; Ariels Flight; Juggernaut; 40 Second thing in 39 seconds
De Vinilos y Otras Glorias MMLXXIV
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Beacon Street Union (The Clown Died In Marvin Gardens) 1967
Maravilloso segundo álbum del grupo americano afincado en Boston, en el cual siguen la línea de su debut, y en mi opinión amplían algunos registros, como las orquestaciones y arreglos de cuerdas en algunos temas que tienden a ser como historias contadas.
Si nos basamos en los créditos del disco, la grabación original se realizó en NYC en el año 1967, aunque en muchas anotaciones y páginas la fecha que se indica de origen es el año 68.
Dicho esto, que puede servir para ubicar el disco en según qué año, especialmente si nos gusta mucho lo de comparar piezas que nacen para la historia musical, adentrándonos en el disco me resulta una enormidad escuchar este "The Clown Died In Marvin Gardens", una preciosa demostración de Psycho melódica con algunos ramalazos de puro Rock aderezado con bases de Blues descaradas.
La verdad es que si obviamos algunos temas que se intercalan entre el conjunto de la obra como queriendo romper el ritmo (que no significa que sean de menor calidad, ni mucho menos) todo el trabajo parece continuarse al terminar y comenzar cada espacio, que por otra parte suele ser mínimo, como si estuviéramos escuchando una pieza continuada, una parte de una historia que se va complicando a medida que los temas pasan.
La voz de John Lincoln Wright, de una belleza increíble, es la guía por esos tramos cantados, contados, recitados... con una dulzura que te mece y te introduce sin esfuerzos en cada canción.
La Música, pura seda en la mayoría de las piezas, es el complemento perfecto para estas melodías, bien cuando las guitarras son las que marcan el paso con sus riff o en los momentos en los que el "Hammond" toma las riendas y seduce con ese sonido tan especial que se te mete en la piel.
Un disco de una calidad enorme, maravilloso en el concepto, mejor aún en las composiciones y con un "acabado" realmente enorme, dejando algún detalle de experimentación tan sorprendente como genial ("May I Light Your Cigarette") y una versión estremecedora del "Baby Please Don't Go" con 17'19'' de puro fuego.
La magia de la Música, a través de grupos que sienten en lo más profundo lo que hacen.
John Lincoln Wright voz. Robert Rosenblatt teclados. Richard Weisberg batería y percusión. Wayne Ulaky bajo. Paul Tartachny guitarra.
SIDE ONE: The Clown Died In Marvin Gardens; The Clown's overture; Angus of Aberdeen; Blue Suede Shoes; A not very august afternoon; Now I taste the tears; King of the jungle
SIDE TWO: May I Light Your Cigarette; Baby Please Don't Go; Mayola
De Vinilos y Otras Glorias MMLXXIII
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Autosalvage (Autosalvage) 1967
Cuando comencé a adentrarme en el mundo de la Psycho, hace ya bastantes años del asunto, siempre me sorprendió la calidad de la Música que se creaba (los que eran buenos, que afortunadamente eran muchos) y sobre todo por los años en los que eran capaz de hacerlo.
Una década, la de los sesenta, que en otros lugares era un erial musical, en ciertas zonas parecían abonar con un fertilizante de lujo para que crecieran grupos maravillosos con un talento genial.
Una muestra más, otra de tantas y tantas, es el disco que nos visita del grupo Autosalvage. En el año 67 nos dejaron este trabajo homónimo que resume en nueve piezas el grado de calidad del grupo.
Una Psycho de ritmos clásicos, con las guitarras marcando en los mismos toda la fuerza de las canciones, acompañada de manera extraordinaria por las voces y especialmente los conjuntos corales que nos asaltan en cada una de ellas.
Dando importancia a las letras, las gargantas transmiten los mensajes con una facilidad asombrosa, momentos de mucha delicadeza que se ven envueltos en la Música para redondear el conjunto.
Momentos más abrasivos en temas que sugieren riff cortados con furia, un tono más abrupto de las voces y la sección rítmica, especialmente la batería, empleándose a fondo con golpes secos y contundentes.
En general, un disco de un gran nivel, en la línea de los buenos y poderosos álbumes de Música con una calidad compositiva enorme y que se traslada al vinilo con muchísimo acierto. Se mantiene el nivel de los temas en prácticamente todos ellos, y en los que destacan, es a mejor, como la entrada del álbum con el tema que da nombre al grupo y los Medley con los que acaban las caras A y B, donde se dejan un buen trozo de energía con las guitarras aullando.
Para amantes de una Música preciosa y que no sabe de dobleces, otro grupo para disfrutar.
Tom Danaher voz y guitarras. Skip Boone bajo. Rick Turner guitarra. Darius Lanoue Davenport batería y voces.
SIDE 1: Auto salvage; Burglar song; Rampant Generalities; Medley: Our life as we lived It / Good morning Blues
SIDE 2: Ancestral wants; A hundred days; Land of their dreams; Parahighway; Medley: The great brain robbery / Glimpses of the next world's world
domingo, 4 de noviembre de 2018
Surcos del Siglo XXI - 291
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O. (Electric Dream Ecstasy) 2017
No puedo resistirme a ellos, y además no quiero hacerlo, que es lo mejor. La verdad es que cada disco de los Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O. es una sensación única de libertad en estado puro.
Que no les pase esta sensación al resto de los humanos, o a la gran mayoría, realmente me da igual, en cierto modo lo agradezco, porque con ellos el intimismo en la Música cobra todo el sentido (como con otros frikis que me hacen sentir lo mismo) y eso es impagable.
Uno de los últimos trabajos del grupo, y la verdad es que no sé ya si tras este llevan muchos más (al menos un par de ellos seguro) en el cual siguen viajando por esos universos infinitos que la Psycho más pura y salvaje ofrece, con sus distorsiones llenas de fuerza y vigor (como le gustaba a una que yo me sé) pero con una madurez en lo instrumental que ya raya el lirismo.
Porque quizás los Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O. estén madurando, o quizás esos dos gurús de la banda que son Kawabata Makoto y Higashi Hiroshi estén intentando descubrir otros caminos que aún no habían explorado (y ya es difícil en su Música que no hayan tocado todo lo que existe al respecto) pero este "Electric Dream Ecstasy" comienza a emerger en otro tono que solamente habían dado a pinceladas años atrás.
Tres temas de largo recorrido, como ya es costumbre en ellos, con una excepcional muestra de lo anteriormente comentado sobre caminos a descubrir en esa pieza que cierra la cara A "Pink Lady Lemonade (You're My Orb") donde el recital de emociones es brutal; acústicas constantes en un ritmo que se repite hasta la saciedad y que parece un viaje pausado hacia el infinito, con algunas paradas salpicadas de armónicas y efectos varios. Momentos ajenos a lo que suelen ser, pero que encierran una manera salvaje en lo íntimo de expresar su Música.
Los otros dos temas, "From Planet Orb With Love Part 1" y "Pink Lady Lemonade (Electric Dream Ecstasy)" son terreno de Kawabata y su sentido de la Música. Su guitarra vuelve a enviarnos muy lejos, allí donde los sueños son exclusivamente de uno, con las maravillosas locuras distorsionadas, gruñidos y gemidos de acero en unas cuerdas que son parte de sus dedos. La banda sigue el guión y los teclados con efectos para saciarte rematan la faena hasta que ya no puedes más.
Esa es la magia de su Música, eso es lo que me llena cuando les escucho, la posibilidad de perderme dentro de unos sonidos que no se pueden repetir, con una tremenda calidad y por descontado excitantes.
Lo de siempre, o te atreves o ya estás avisado, a pesar de que la madurez y las acústicas puedan acercarlos un poco a lo humano.
sábado, 3 de noviembre de 2018
Música
Mantén la calma y sigue adelante, a pesar de lo que nos digan y sabiendo que todo lo que nos venden está podrido, aún es posible.
La Música puede hacer que la mayor de las miserias se convierta en una obra de arte; sólo hay que saber dónde acariciar las notas.
Música
Cuando el alma se ilumina, y la distancia es menor que la nada, podemos llegar hacia las estrellas bailando al son de unas notas, esos colores imperceptibles que llenan de luz cada latido, cada sorbo de la vida bebido a borbotones.
Cuando la Música me empapa, no deseo que la lluvia cese, porque quiero sentirme mojado por su frescura, por todo lo que significa estar a su merced.
De Vinilos y Otras Glorias MMLXXII
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Morfi Grei (Aliento De Noches) 1984
Como no podría ser de otra manera, pensando que nunca creí tener entre mis manos este mini LP original de Morfi Grei, los recuerdos se revuelven en mi interior para poder hacer esta entrada.
Partiendo de la base de que es un toque de mi fibra, y sabiendo lo que sé sobre esas cosas, la calidad de este disco se centra en un tema, se apoya un poco más en otro, y si se pone mucho de la parte de uno se aguanta el conjunto de lo que queda (los otros tres) por ser el estilo que Morfi Grei hizo un poco suyo (a pesar de estar más que inventado) a finales de los setenta, cuando hacer Punk Rock por estos lares sonaba bastante extravagante.
Año 1984, la Música gira en la dirección equivocada, nos visitan las mierdas de la llamada "movida madrileña", las otras movidas y entre tanta podredumbre alguna que otra cosa se intentaba crear para que no todo oliera a mierda.
Morfi Grei ya no estaba para tantas exhibiciones de gritos y chillos desgarrados, aunque más tarde volviera a ellos, y se agradece que este intento de retomar la Música lo hiciera con una manera de cantar más pausada y tranquila, especialmente cuando narra ciertas historias. Lo más reseñable, por descontado, el tema "La Losa", una brutal composición que además de la calidad musical posee una historia preciosa en su letra, una letanía a lo oscuro, a lo que nos invade y de lo que no podemos escapar. Cada palabra, cada frase, está impregnada de ese desasosiego que lo pesimista cubre, por eso "nos cubre la losa...", por eso "un cielo negro marca el ambiente", por eso es un tema atípico en la discografía de Morfi Grei, por eso y por la belleza que destila por los cuatro costados.
Tio Modes cubre las espaldas de Morfi con una guitarra que llora al compás de esa letanía, riff descarnado y solo demoledor para abrasar.
Junto a esta joya, el tema que da título a este mini LP, "Aliento De Noches", un viaje por lo desconocido y lo que se pierde, ese halo que uno traga cuando la noche te envuelve y sientes el aliento de la misma llenarte.
Morfi Grei intentó algo que fuera distinto, creo que lo logró a medias, pero en lo que a mí respecta, dejó un pedazo de sí mismo en unos minutos para que el ansia nunca deje de hacerte desear (al menos yo sigo deseando cuando escucho ese tema)
1: Cayendo; Mendigo; Brigada antidroga
2: La Losa; Aliento de noches
De Vinilos y Otras Glorias MMLXXI
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Aguaviva (Cosmonauta) 1971
El título completo del álbum "Cosmonauta Tránsito Espacial En Cuatro Estancias" ya da una idea de que estamos ante una obra singular, distinta, emocionante (esto más que nada porque el título puede sugerir cualquier cosa)
Realmente me resulta fascinante pensar que algo como lo que nos visita se haya podido hacer en este país, en la época en la que surgió y de la manera que se realizó. Un iluminado, Manolo Díaz, dio credibilidad al proyecto y como productor impulsó uno de los discos más singulares de la historia de la Música en nuestro país.
No me atrevería a clasificarlo como una obra conceptual, ni tan siquiera como una historia narrada en clave de Música, porque creo que es un conjunto de todo y sin embargo no se puede catalogar como nada de eso.
La maravillosa y surrealista imagen de la Música traspasa lo meramente auditivo y te introduce en un laborioso conjunto de ideas (las estancias a las que hace referencia el título) que se va haciendo con tus sentidos a medida que la voz del narrador se inmiscuye en tus sueños.
Brutal Mercedes Valimaña en la voz soprano, angustiosa, sofocante, parte de la historia convertida en pesadilla y que resurge a través o entre la Música compuesta para que la orquesta ejerza de laberíntico instrumento de esas visiones que son parte de nuestros deseos más profundos.
Un viaje espacial, interestelar... quizás, porque cada uno viaja como quiere y de la manera que lo desea, pero la realidad al escuchar esta obra tan atípica como bella es la sensación de tener entre las manos algo irrepetible, algo que nunca más podrá absorberte de esa manera.
La oscuridad y la luz, el vacío y el infinito, el alma llena y la mente vacía, todo lo que se busca además de lo que se es convertido en concepto, y trasladado a una alucinante experiencia que podrá gustar o no, pero que es imposible que deje indiferente.
Descubre la genialidad hecha ideas y transcrita en forma de Música, a pesar de las épocas, los tiempos, todo lo que nos niegan.
Cara A: Estancia 1: El estallido del miedo; Estancia 2: El estallido de la luz
Cara B: Estancia 3: El estallido de la máquina; Estancia 4: El estallido del silencio
De Vinilos y Otras Glorias MMLXX
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Imán Califato Independiente (Camino Del Águila) 1980
A pesar de las épocas, ya metidos en finales de los setenta y (parecía, porque lo de este país suele ser de zafios elevados a la décima potencia con esto del arte) con un planteamiento casi asentado en lo que se refería a la producción de Música, que un grupo se atreviera a sacar un segundo trabajo tenía su mérito, especialmente si era una banda que había demostrado su calidad en el debut.
En el caso de Imán Califato Independiente, se me antoja un reto aún mayor, porque su Música se alejaba de cualquier canon estereotipado y por supuesto de lo que se conocía como sonidos (digámoslo así) habituales dentro del mundo de la Música contemporánea.
Aún así, tras un primer disco excepcional que bebía de muchas fuentes pero mantenía un sello personal e intransferible, se atrevieron (y creo que de ahí que la producción fuera propia) con este segundo trabajo, que mantiene, afortunadamente, la línea del primero, y en el que intentan adentrarse más en lo que son las raíces de la Música que les influía y les hacía crear.
Este "Camino Del Águila" es una vuelta de tuerca para intentar ser, de nuevo, un grupo diferente, ajeno a todo lo que sonaba y se recreaba, incluidas las bandas que llevaban el sello del "Rock Andaluz" en sus carpetas y que en muchos casos tapaban con ello una falta de calidad evidente (otras obviamente rezumaban calidad hasta en las cejas) y vuelve a intentar algo nada fácil, mostrar de manera instrumental sentimientos y variaciones de estilos en jams que no dejan indiferente.
Un disco difícil de entender porque nace desde la falta de entendimiento que existía por la Música en este país, pero que si bien puede achacársele forzar un poco el saberse incomprendidos e intentar demostrar que aún eran un grupo de calidad, creo que eso mismo le otorga mucho valor, porque parirlo no fue nada fácil, y el resultado está muy por encima de lo absurdo.
Kiko guerrero batería y percusión. Marcos Mantero teclados. Manuel Rodriguez guitarras y voz. Urbano Moraes bajo, percusión y coros.
CARA A: La marcha de los enanitos; Maluquinha
CARA B: Camino del Águila; Niños
De Vinilos y Otras Glorias MMLXIX
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Tapiman (Hard Drive) 1971
Es evidente que Tapiman es conocido por ese excepcional álbum que es parte de la historia del Hard Rock de este país con todas las mayúsculas del mundo. Afortunadamente algún iluminado (que siempre los hay por aquello de llevar la contraria a las masas de podencos que pueblan el mundo musical) se ha empeñado en hacernos ver que además de esa grabación había más cosas detrás del talento del grupo.
Es así como ha llegado, a quienes creemos en muchas cosas más que están prohibidas porque de ser sin sentido comienzan a tenerlo, este documento de grabaciones inéditas paridas desde las entrañas de lo absurdo por la época, lo ilógico del planteamiento y la verdad de unos músicos que creían en lo que hacían por encima de todas las cosas.
"Hard Drive" tiene muchos calificativos buenos, de hecho creo que es lo que tiene, todo bueno, pero hay una palabra que me encanta porque los resume todos al escucharlo, carnal, absolutamente carnal.
Liberado de artificios, estas primeras grabaciones de Tapiman, todavía con Miguel Ángel Núñez en la guitarra y voz, suenan tan auténticas que dan miedo, y la verdad es que asustarme ya me asustan pocas cosas.
Hard Rock sacado de lo más profundo, de lo que pocas cosas pueden evitar hacer que se sientan, una Música que incluso en las grabaciones (lo peor de estas obras rescatadas del olvido) tan primitivas como las que nos ocupan, se deslizan por la piel de una manera veraz, y los sentidos las acogen como lo que son, Música pura y dura,en el más amplio sentido de la palabra.
La guitarra te lacera la piel sin misericordia, el bajo y la batería dan una lección de lo que es una sección rítmica ajena a cualquier producto que no sea la salvaje muestra de un Power Trío haciéndote vibrar, y en conjunto (salvo esos defectos de grabaciones primigenias en un entorno hostil) es como una maza que reparte Hard en cada nota, cada impulso que nos viene encima.
En este país había un lugar para el talento en la Música, y uno de los referentes en el Hard eran Tapiman, por muchos siglos, aunque les pese.
Miguel Ángel Núñez guitarra y voz. Josep María Vilaseca batería. Pepe Fernández bajo.
SIDE 1: Hard drive; No control; Eight; Time on space; No title
SIDE 2: Before last minute; Long sea journey; Someone here; Planet caravan; Eigh (versión acústica)
jueves, 1 de noviembre de 2018
De Vinilos y Otras Glorias MMLXVIII
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Forest (Full Circle) 1970
A veces la belleza no se encuentra a la vista, y los ojos sólo pueden imaginarla. Pero para eso están el resto de los sentidos, para conseguir que a pesar de todo, la belleza se vea, aunque sea a través de lo que no podríamos imaginar.
Es lo que ocurre con la Música que surge de las maravillosas "visiones" que nos envía el vinilo, es lo que pasa con piezas como "Full Circle", una oda a la belleza que te entra por los sentidos, vía oídos, mente y piel.
Folk de momentos hechos con la delicadeza de quien escribe Música para que los sueños se conviertan en parte de la realidad que nos rodea (al menos cuando eso era posible) para que la sensibilidad recorra la piel y la erice con la excitación de quien espera la primera caricia, el beso furtivo o la mano que toma el rostro antes de una mirada que lo dice todo sin palabras.
Las guitarras acústicas ayudan al sueño, por descontado, van convirtiendo en visiones reales lo que recrean con esos arpegios que parecen acariciar las cuerdas de acero, pero la voz, o las voces en el caso que nos ocupa, son ese vínculo con lo terrenal, lo que uno siente al pisar la tierra. Más allá de todo esto, las cuerdas de violines mágicos, mandolinas y los vientos de flautas consiguen ese conjunto que es una ventana hacia el universo. El piano, que en la propia complejidad de las composiciones se convierte en una pieza clave de los cambios y giros entrelazados, marca el ritmo en más de un tema, a modo de percusión que golpea, al tiempo que desliza por sus teclas ese delicado aroma de la Música que Forest crea.
Un disco precioso, lleno de emociones, oscuro en algunos tramos porque así lo requieren las historias que cuenta, y con un equilibrio exquisito de lirismo y silencio dentro de la Música.
La portada, que es un todo en formato de álbum con la contraportada, abunda más en esa belleza, y en el interior un dibujo que se permite un toque negro hacia la muerte, entre letras y créditos.
Side One: Hawk the hawker; Bluebell dance; The midnight hanging of a runaway serf; To Julie; Gypsy girl & rambleaway
Side Two: Do not walk in the rain; Much ado about nothing; Graveyard; Famine song; Autumn childhood
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