domingo, 23 de septiembre de 2018
DE Vinilos y Otras Glorias MMXLIV
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Graham Parker & The Rumour (Heat Treatment) 1976
Nos remontamos a la década gloriosa (una de ellas) y nos encontramos con esta maravillosa recreación del Pop Rock más auténtico de la mano de Graham Parker y el grupo que le acompañó durante muchos años, The Rumour.
Para el que suscribe, que es un seguidor confeso del artista, volver a estas fechas me llena de nostalgia y momentos en los cuales escuchar esta Música fresca, viva, pura y auténtica le llevaban por cualquier lugar donde las emociones pudieran crearse.
Un disco que reúne los primeros pasos del artista, llenos de todo, y esa sensación de algo que en la segunda mitad de la década intentaba descubrir lo que se escapaba porque a pesar de todo muchas cosas iban muriendo. La voz de Graham Parker se sale, estaba en un momento exquisito, con esa sensación constante de poder comérselo todo; una garganta muy particular, que ni era la leche para llegar a cualquier sitio ni estaba tan limitaba como para no recrear las estrofas de sus canciones, lo cual hacía a las mil maravillas.
Como compositor, nada que no fuera rendirse a unas canciones (todas al del álbum como casi todas en la época) escritas con una calidad incuestionable, repletas de matices, siguiendo las pautas de ese Pop Rock que bebía de muchas fuentes y que además llevaba el sello indeleble del autor. Acompañado por una banda solvente y que sabía qué y de qué manera, el disco es un precioso momento de Música para disfrutar de lo que te llega, con canciones que son parte de la historia de la discografía de Graham Parker, como la preciosa versión de "Black Honey", esa exquisitez llamada "Hotel Chambermaid", o "Fools' Gold", una sensación friki para todos los que creemos que la razón no siempre lleva donde realmente debe ser.
Si todo se vuelve del color de los sueños, discos como "Heat Tratment" le dan un toque distinto para que el arco iris no se ciña a esos siete que nos han enseñado siempre.
Disfruta de un músico auténtico en una de sus etapas más puras, sin artificios ni edulcorantes, simplemente Música, y por supuesto nada menos que Música.
Graham Parker guitarra y voz. Bob Andrews teclados y voces. Brinsley Schwarz guitarra y voces. Stephen Goulding batería y voces. Andrew Bodnar bajo. Martin Belmont guitarra y voces.
SIDE ONE: Heat Treatment; That's what they all say; Turned up too late; Black honey; Hotel Chambermaid
SIDE TWO: Pourin' It all out; Back-door love; Something you're goin' thru; Help me shake It; Fools' gold
De Vinilos y Otras Glorias MMXLIII
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Stevie Ray Vaughan And Double Trouble (Live Alive) 1986
Primer disco en directo del gran guitarrista Stevie Ray Vaughan, que comercialmente (y con razón) aprovechaba el momento cumbre en su carrera, en la cual se había consolidado junto a su banda Double Trouble como uno de los pilares del Blues eléctrico.
Salvo por el hecho de dejar de ser un Power Trío por obra y gracia de los teclados de Reese Wynans (que en algunos temas aumenta ese sentido de banda y aporta el inigualable sonido del "Hammond", pero en otros...) el disco se disfruta y mucho, porque el guitarrista estaba en plena forma y la banda que le seguía no tenía mucho que demostrar.
Momentos de Blues salvaje y descarnado que se mezclan con cabalgadas furiosas, instrumentales desmelenados (como el que abre el álbum) y algún que otro tema que no es más que un homenaje a lo que le inspiró a la hora de ser músico (el "Voodoo Chile (Slight Return)" de Hendrix era un fijo en sus conciertos y donde se vaciaba definitivamente) hacen de este "Live Alive" un perfecto libreto de lo que era Vaughan en directo, puro fuego, técnica y sentimiento, haciendo que el Blues Rock eléctrico saliera por cada poro de su piel y lo transmitiera con esa pasión tan característica suya.
De esta forma, el doble en directo se convierte en un disco clásico, la presentación en vivo en su discografía y la manera de expresarle al mundo cómo era un concierto de la banda, y la verdad es que la selección de temas es fantástica, elegida de cuatro conciertos en su gira del 85 y 86, con un sonido que también refleja la pureza de lo que hacían. La voz de SRV se me antoja relajada, casi despreocupada, sabiendo que todo está bajo control, y se convierte en un elemento más a añadir a ese conjunto que suena como los ángeles.
Blues Rock auténtico para disfrutar de una banda en su mejor momento y el talento de uno de esos malditos a su pesar, del que debimos disfrutar bastante más.
Stevie Ray Vaughan guitarra, voz. Tommy Shannon bajo. Chris Layton batería. Reese Wynans teclados.
De Vinilos y Otras Glorias MMXLII
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
George Thorogood And The Destroyers (More George Thorogood And The Destroyers) 1980
Siendo como es todavía un disco genuino de George Thorogood And The Destroyers, en mi opinión es el que maraca la línea de lo que había sido el músico desde que comenzó y el futuro que se le avecinaba.
Será porque gustándome como me gusta ese R'N'Blues descarnado y salvaje que practicaba, en este "More..." ya nos encontramos (aunque en las fotografías se olvidaran de él) con el saxo de Hank Carter, y eso ya es otra cuestión.
La guitarra sigue echando huno, por descontado, la sección rítmica a cargo de Jeff Simon en la batería y Billy Blough al bajo aguantan una docena de apisonadoras y hacen poderoso y potente todo el muro que soporta las embestidas del resto, pero el saxo...
En este año del señor de 1980 George Thorogood decidió que a su Música le faltaba algo, y no digo que lo que suma no sea bueno (al menos este disco y el siguiente, porque Hank Carter se lo curra) pero lo que resta me parece mayor.
La parte genuina, ese Blues abarasador, los ritmos y las galopadas salvajes, el poderío de la voz de George, y los solos que se te agarran a la garganta, no cambian, pero en algunos temas el sonido del viento queriendo medirse con la guitarra me sobra, porque esa guitarra me gusta que me arañe, que me corte, que me recuerde que me va a partir por la mitad ¡¡¡como debe ser!!! y no escucharla compartiendo algo que no es (si pudiera separar ese sonido en "One Way Ticket" sería más feliz)
Por lo demás, esa línea de la que hablo y que separa a mi modo de ver lo que fue con lo que sería, es fácil de superar la mayoría del disco, por eso aún es un trabajo de Thorogood de los que se puede disfrutar y mucho. En "Bottom Of The Sea" y "Goodbye Baby" soy más feliz, a eso me refiero.
Para los que sientan el poder de la Música, un disco para disfrutar; a los que les guste el R'N'Blues, para remover las tripas y saltar donde se pueda y hasta donde se pueda.
Side One: I'm wanted; Kids from Philly; One way ticket; Bottom Of The Sea; Night Time
Side Two: Tip on in; Goodbye Baby; House of Blue lights; Just can't make It; Restless
De Vinilos y Otras Glorias MMXLI
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
J.J. Cale (Really) 1972
Para los que nos gusta J.J. Cale, es complicado encontrar un álbum que no te llene en toda su primera etapa como músico, y nos metemos un poquito en la segunda década que le siguió sintiendo como tal, allá a principios de los ochenta.
Sin embargo, ese sabor añejo, a terruño, a la América profunda que destilaban sus primeros discos es, simplemente, inigualable. Y ya de por sí lo es el hecho de poseer un estilo tan personal que lo hace reconocible en cuanto uno de sus temas suena, por eso, este disco que hoy nos acompaña, su segundo trabajo, es puro J.J. Cale, nada más y nada menos.
"Really" se grabó entre el primer trimestre del 72 y algunas piezas en el verano de ese mismo año, variando (algo que en el caso del músico no influye para nada) la banda de acompañamiento en los estudios, según la grabación.
Un disco que rezuma lo más auténtico de la Música del autor, un poco de Bluegrass, la base de Blues de los comienzos, Folk de raíces y Country. La genialidad es saber mezclarlos de una manera tan original y excepcional, para conseguir ese sonido único e inigualable, que en "Really" sigue las pautas de una Música que no da lugar a dudas.
Sabiendo que los ritmos continuos, en ocasiones cansinos (en apariencia, por supuesto) mantenidos durante los minutos de los temas, son la base de su Música, lo que realmente me fascina del conjunto es la voz de J.J. Cale, una embaucadora sensación que te penetra, te hace suyo, y desde ahí hasta donde él quiera.
Temas como "Ridin' Home", "Right Down Here", "Louisiana Women", son de una belleza exquisita, con esos momentos de delicados matices que sólo él crea, aunque realmente, la línea del disco es una, afortunadamente.
Un disco grande, como corresponde a un grande. Maravillosa la sensación de sencillez dentro de lo complejo que es ser diferente al resto. Disfrutar de algo así siempre merece la pena, de no ser así...
SIDE ONE: Lies; Everything will be alright; I'll kiss the world goodbye; Changes; Right down here; If you're ever in Oklahoma
SIDE TWO: Ridin' Home; Going down; Soulin'; Playing in the street; Mo jo; Louisiana Women
domingo, 16 de septiembre de 2018
De Vinilos y Otras Glorias MMXL
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Gracious! (Gracious!) 1970
Aunque parezca imposible, o improbable, que por otra parte es lo lógico a la hora de pensarlo, este álbum del grupo inglés de Prog. Gracious! se gestó en la gira que hicieron con The Who allá por el año 68 (finales, creo)
Por aquello de que la Música no sabe de nada que no sea expresarse como tal, la sensación que te deja es que puede ser si es posible y se quiere, porque para eso los sonidos hacen el resto.
Un álbum de muchos quilates, la primera incursión del grupo en el universo de las grabaciones, y pasada con nota. Notable en el aspecto compositivo, con alardes de epopeya contada en clave de memorándum a través de temas eternos que te llevan por los entresijos del más puro Prog, nacido de la idea de decir, contar, relatar, vivir con la Música como bandera.
Temas enormes, y enormes en lo que dictan, porque son una maravillosa sensación de inmiscuirse en todo lo que uno no espera y le sorprende; cambios, giros de ritmos, sinfonías y recovecos de las partes musicales a los que se unen conjuntos corales que te llevan hasta los confines de lo grandilocuente.
Como una historia que no quiere parecerlo pero que se convierte en la idea sobre la que gira el conjunto, conceptualmente todo es uno, la introducción, el viaje al paraíso, la caída al infierno, el sueño y la fuga de la realidad, todo unido musicalmente para que te dé la sensación de lo que realmente se crea, una historia que toma sentido con los sonidos.
Cuando te enfrentas a una obra como esta, lo mejor es dejarse llevar, mecerse entre sus notas y ser parte de una epopeya que te indica el camino. Quizás más adelante crees en lo que puede llevar a la realidad que los músicos hacen, pero en tu interior puedes transformar esa realidad y hacerla tuya cuando aspiras el aroma de un Prog. tan auténtico como fuera de las reglas de la Música (que para eso se creó el estilo, para transgredir y mezclar, unir, dispersar... todo a la vez)
Un disco clásico, que en lo clásico encuentra su belleza y que a su vez invita a que inventes lo que no debería ser así.
Paul Davis voz, guitarra. Martin Kitcat teclados y voces. Alan Cowderoy guitarra y voces. Tim Wheatley bajo. Robert Lipson batería.
Side One!: Introduction; Heaven; Hell
Side Two!: Fugue In D Minor; The Dream
De Vinilos y Otras Glorias MMXXXIX
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Floh De Cologne (FlieBbandbabys Beat-Show) 1970
Dentro de las muchas variantes que el Krautrock ofrece (ya que se entiende por tal la Música hecha por grupos alemanes durante una época concreta pero sin especificar mucho el estilo) el radicalismo anacrónico que mezcla ideas musicales, sociales y políticas y que va más allá de la propia estética de los sonidos es, en mi opinión, el más auténtico como estilo diferenciado dentro del propio estilo y más allá de la Música alemana.
Dicho esto, creo que la introducción puede servir para definir a un grupo como Floh de Cologne, creadores de ese estilo transgresor y extremo que pretendía, a través de la Música sobre todo, llamar la atención sobre muchas cosas.
Estamos comenzando la década, y discos como este "FlieBbandbabys Beat-Show" demostraban una libertad de ideas y de estética inmensas, con el desarrollo de temas que son en sí mismo esa idea que se extiende en el tiempo para hacer sentir más allá de lo que llega.
El discurso que abre el disco no tiene desperdicio, y a partir de aquí, la obra se sustenta en el concepto de desarrollo a modo de teatro de la vida, con la Música como guía y los desvaríos extravagantes que sustentan la función. Porque el disco es eso, una función donde el grupo te ofrece la posibilidad de ser parte del reparto, dejando espacio para que la imaginación vuele libre y conecte en el lugar que cada uno desee.
Una visión liberal (en el sentido más amplio del término, no sólo musical) del mundo, usando como vehículo transmisor los sonidos, la política unida a lo que se escribe y sobre todo se recita (la voz en los temas son discursos en sí mismos) y una norma, la continuidad de todo lo que ofrecen desde el primer sonido hasta que la aguja abandona el vinilo.
Extremos y radicales, a quienes pensamos que todo es posible si se hace bien nos parece una verdadera orgía emocional, pero entiendo que a quienes esto no les diga nada (y no lo comento por las "arengas" en alemán) les parezca un engendro difícil de concebir.
Hansi Frank voz y órgano. Dieter Klemm guitarra y bajo. Markus Schmidt bajo, órgano y guitarra. Dick Städler guitarra, órgano y bajo. Gerd Wollschon guitarra y órgano.
Seite 1: FlieBbandbaby; FlieBbandbaby manchmal träum ich; Komm mit mir ins WegschmeiBwunderland; Sei fuhig FlieBbandbaby; Ford Capri
Seite 2: Hey Johnny; Arbeit macht frei wenn springer mal rülpst; Armer junker Krupp; Die oberen Zehntausend; FlieBbandbaby wir sind wieder wer; Mädchen, mach die Beine breit; FlieBbandbaby du sitzt im Gefängnis
De Vinilos y Otras Glorias MMXXXVIII
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Flash (Out Of Our Hands) 1973
La tercera y última entrega de Flash (todo esto si suponemos que no deban contarse recopilatorios a mares, directos de no muy buena calidad y casi piratas y alguna que otra menudencia) fue sin duda la que ya demostraba que el proyecto estaba un poco gastado, y en cierto modo se nota al escucharla.
Y no es que se les hubiera olvidado a los músicos lo que es hacer Música de calidad, porque es evidente que el virtuosismo a la hora de tocar está fuera de toda duda, pero acercarse tanto a un sonido que no era el suyo sino el de otros en otros espacios musicales...
Peter Banks es un genio de la guitarra, pero esto era su proyecto, su grupo, su manera de demostrar que podías sin el pasado, y el pasado pesa mucho. Bien es verdad que los dos primeros discos son de un nivel altísimo, porque le quedaban ideas y fuelle para eso y algo más, pero en este "Out Of Our Hands" la idea Yes ya le quedaba un poco lejana.
Si se compara, sale mal parado, si se toma como un disco de un grupo de Prog. al uso, mejora bastante, pero es difícil medirlo así. La voz de Colin Carter se esfuerza por hacerlo bien y lo hace, porque canta lo suyo, pero también se parece a... y musicalmente se hubiera podido sacar más partido a ciertas partes donde sí que desarrollan una idea propia desviándose por un Prog. más agresivo, más impactante, en ocasiones casi rayando el Hard Prog. lanzados a tope, como la tremenda "Psychosync" o la preciosa "Shadows", pero el total del disco no funciona tan bien.
Aún así, es un disco para amantes del Prog. de calidad, se escucha sin reservas y ciertos pasajes pueden obviarse, pero sólo con lo que dan estos animales tocando con la clase que tienen ya sacas algo en claro (que no es fácil de conseguir si miras alrededor y ves el patio, todo sea dicho)
Escuela british en estado puro, donde nació el estilo y gente como esta lo dominaban sin esfuerzo, aunque si Banks hubiera decidido ser más él y menos otros, creo que con su calidad la idea de Flash hubiera ido más allá como en sus comienzos, pero esto es una opinión personal, porque el guitarrista me encanta.
Peter Banks guitarra, banjo, teclados, voces. Colin Carter voz. Ray Bennett bajo, guitarras, teclados. Mike Hough batería, percusión, congas, tabla.
Side One: Open sky; None the wiser; Farewell number one; Man of honour; Dead Ahead
Side Two: The Bishop; Psychosync; Manhattan morning; Shadows
sábado, 15 de septiembre de 2018
Música
Al abrigo de sus brazos me dejé llevar. No he tenido una sensación más profunda que sentirme acariciado por su esencia.
No sé si llegaré a volar con mis sueños algún día, pero sí sé que jamás me arrebatarán haberla sentido.
Allá arriba, en la tierra de los sueños, buscaré esos momentos que me hacen ser parte de la inmortalidad que me sugiere.
De Vinilos y Otras Glorias MMXXXVII
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Jefferson Airplane (Surrealistic Pillow) 1967
Nos viene a visitar una joya. Tras el punto podríamos obviar lo que sigue y se acabó, pero me aburriría si no escribo con el trabajo que me cuesta hacer una entrada sobre Mi Música.
Uno de esos trabajos que marcan un antes y después en la forma de entender los sonidos por el que lo crea, a quienes les llega y la manera en la que influyen.
En plena época gloriosa de la Psycho más pura, con un momento excelso en la libertad creativa que se expresaba de manera maravillosa en lo que se creaba, Jefferson Airplane crearon este segundo disco que traspasa todo lo que es la Música en sí misma y se convierte en un monumento a las ideas, las creencias, la mente en estado puro y lo que conlleva creer en todo lo que es la manera de interpretar la existencia a través de ella.
Considerado, con razón, una de las quintaesencias de la Psycho temprana, que marcó y mucho cantidad de trabajos que vinieron después, el disco es un tratado de esta Música, aunando creatividad, interpretación y magia por igual en cada surco. Desde la primera nota te haces parte de él, y penetras en ese universo maravilloso que el grupo (uno de los más grandes exponentes de la Psycho de la historia) recrea a través de su Música.
Primer disco con la incorporación de Grace Slick, que ya deja sentir su presencia con su voz característica, poderosa y enorme; una de las compositoras y vocalistas más importantes de su generación. Completan el combo en su formación clásica el batería Spencer Dryden, formando en sucesivos años uno de los grupos más emblemáticos del panorama glorioso de la Música de los sesenta.
La verdad es que poco más se puede decir de esta pieza de museo, salvo invitar a escucharla, que seguro que si se prueba se repite, porque con ella te das cuenta de que algo distinto estaba ocurriendo. Armonías maravillosas, composiciones que revelan una claridad de ideas tremendas y un grupo que funcionaba como un reloj de precisión a pesar de esa libertad latente en su forma de actuar.
Para momentos sin tiempo, épocas ni distancias, "Surrealistic Pillow" es una invitación al placer sensorial sin límites.
Grace piano, órgano, voz. Paul guitarra y voz. Jorma guitarra y voz. Jack bajo y guitarra. Spencer percusión. Marty guitarra y voz
SIDE 1: She has funny cars; Somebody to love; My best friend; Today; Comin' back to me
SIDE 2: 3/5 of a mile in 10 seconds; D.C.B.A. - 25; How do you feel; Embryonic journey; White Rabbit; Plastic fantastic lover
De Vinilos y Otras Glorias MMXXXVI
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Gun (Gun Sight) 1969
Segundo y último álbum del grupo, un proyecto más que interesante de los hermanos Curtis que decidieron llegar a lo más alto y quedarse ahí (más o menos debía ser su teoría, pero lo que ocurrió es que después de este álbum se acabó la historia)
Si con su primer disco ya habían llamado la atención por esa Psycho salvaje que se deslizaba descaradamente hasta un Hard poderoso y salvaje, en este segundo trabajo el conjunto desafía a la lógica y sigue mejorando las posibilidades del sonido.
No digo con esto que este "Gun Sight" sea mejor que el anterior, pero no sólo no pierde un ápice de su intensidad, sino que se permiten viajes a momentos melódicos que resultan realmente preciosos, como "Angeline", una balada que recrea al piano y con arreglos de cuerdas una historia emocionante.
Por lo demás, el Power Trío sigue en plena forma y arrasa en los momentos en los cuales se dedican a perseguir fantasmas a base de cabalgadas furiosas donde se dejan la piel y nos la dejan a los que escuchamos hecha jirones, con una intensidad tremenda.
Siguen demostrando que sus orígenes son los que son, y la Psycho ejercida como base de su sonido se revela muy presente, dando ese giro tan particular que te parte en dos cuando la transforman en Hard Rock de incendiarios presagios ("Dreams And Screams" te sacude desde la nada para revolverte entre sus manos y enviarte al infinito de una patada)
Un disco de Música precioso, para escaparte al son que te marcan, porque "Gun Sight"es sobre todo Música poderosa, de la que se te mete en la piel y te hace saltar desde los sueños, un tratado de lo que se iba formando al final de una década mágica, mezclando todo lo que la Psycho había dado como forma de sonidos y que llevaban al Rock a ser una de las formas de expresión musical más intensas.
Para los que aman el Hard Rock que vino, una manera de saber los orígenes de los que hicieron vibrar las entrañas, y para los que amamos la Música de calidad, la oportunidad de gozar con una barbaridad que te sube hasta lo más alto.
Paul Curtis bajo. Adrian Curtis guitarra. Louie Farrell Percusión
SIDE ONE: Head in clouds; Drown yourself in the river; Angeline; Dreams And Screams
SIDE TWO: Situation; Hobo; Lady link part one; Oh lady you; Lady link part two; Long hair wildman
De Vinilos y Otras Glorias MMXXXV
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Free (Fire And Water) 1970
Para alguien a quien le gusta la Música como al que suscribe, y en una parte de mi alma el Rock se desliza como él desea, resulta difícil encontrar un álbum de Free que no me produzca mucha satisfacción al escucharlo.
Aún así no han tenido muchas visitas en este espacio, pero poco a poco todo se puede poner en su sitio. Para ir colocando las cosas como se debe, nos visita su "Fire And Water", uno de sus mejores álbumes, y ya es decir bastante.
No es que cambiaran mucho su forma de entender la Música, pero con este disco dieron en alguna tecla que no estaba bien pulsada, porque la verdad es que funcionó de maravilla y el disco musicalmente es una gozada.
Con la poderosa voz de Paul Rodgers destrozando todas las defensas de quien quiera oírle (¡¡como canta este hombre, por dios!!) cada tema se guía por la insuperable garganta del cantante, que hace lo que le da la real gana, y a partir de ahí tres músicos excelsos se encargan del resto. Lo de Andy Fraser con el bajo es para estudiarlo, tremendo y brutal, marca la pauta a una sección rítmica endiablada (no en vano es junto a Rodgers el autor de todos los temas menos uno) y junto a Simon Kirke, un grandísimo músico que en mi opinión nunca ha sido valorado lo suficiente, te hacen sentir esa sensación que el Rock transmite como nadie, levitar a golpe de sentimientos por las notas. Paul Kossoff se une a la fiesta con esos riff tan característicos, que han hecho del sonido de Free uno de los más reconocibles del Rock.
"Fire And Water" es un disco completísimo; mezcla de manera excepcional temas con un poder sensorial enorme con otros donde te meces en la textura de las melodías. Una de las maneras para ver, escuchar, sentir y percibir el Rock Duro como todos querían contarlo, pero que en el caso de Free lo hacían de una manera excepcional.
Supongo que a estas alturas conocerás a Free, de no ser así y porque el paso por este espacio te haya pillado en un momento de "traslation" entre dos mundos, aprovecha y disfruta de una de las partes más claras, evidentes y maravillosas del Rock.
A: Fire And Water; Oh I Wept; Remember; Heavy Load
B: Mr. Big; Don't say you love me; All Right Now
De Vinilos y Otras Glorias MMXXXIV
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Geordie (Hope You Like It) 1973
Una de las muchas bandas de Rock poderoso que nacieron en Las Islas al amparo de los supergrupos que enseñaban el camino a través de esta Música.
Curiosamente hay muchos lugares donde se les encuadran en el Glam Rock, pero en mi opinión su manera de componer y trasladar su Música al vinilo se acerca descaradamente más al Hard Rock contundente y abrasivo, con una pegada de las que dejan marca.
Este disco que nos visita, "Hope You Like It", es su debut, y desde luego no lo hicieron nada mal. No es de recibo enmarcar a estos grupos que sobrevivían al amparo de los mitos que pululaban por la galaxia del Rock en distintos niveles según las comparaciones, pero si son de calidad y sus grabaciones destilan ese perfume a lo auténtico, me encantan, y además te puedes encontrar, como creo que es el caso de Geordie, con más de una sorpresa agradable.
Todos los temas están compuestos por Vic Malcolm, el guitarrista de la banda, y en torno a las seis cuerdas giran estos temas que echan fuego. Riff pesados, contundentes, aderezados por solos breves pero intensos (los temas son todos de una duración entre 3 y cuatro minutos salvo un par de excepciones) y en esa intensidad está la clave de su sonido. Obviamente la guitarra de Malcolm funciona porque detrás tiene el apoyo de una sección rítmica que le permite sobresalir, con un bajo y una batería que conocen el oficio muy bien a cargo de Tom Hill y Brian Gibson.
Pero como no podía ser de otra manera, al margen de su Música la característica principal y más conocida de la banda es la poderosa voz (en esa época, claro está) de Brian Johnson, un animal que se merendaba las estrofas y parecía querer comerte vivo cuando cantaba.
Un disco de puro Rock, fácil de escuchar y agradable, con momentos que recuerdan las bandas que arrasaban perdidas en clubs y zonas underground, pero con un sello propio que se siente.
Si te gusta el Hard, con este disco disfrutas de buena Música, al menos para que no todo sea lo de siempre y la mente se atreva con otras cosas, que nunca viene mal.
Side 1: Keep on rockin'; Give you till monday; Hope you like It; Don't do that; All because of you; Old time rocher
Side 2: Oh Lord; Natural born loser; Strange man; Ain't It just like a woman; Geordie's lost his liggy
viernes, 14 de septiembre de 2018
Música
La muerte no puede matarme. Ya he muerto varias veces, cuando el silencio penetraba en mi alma. Cuando ella se perdía entre las sombras y me dejaba solo, sin ningún lugar donde escuchar su voz.
He muerto cuando las voces callaban, las guitarras dejaban de llorar, con el final de una melodía sin continuación. No, la muerte no puede matarme, porque ya he estado en ese silencio sepulcral que hace que nada merezca la pena.
Quizás no era ella la que se alejaba, eran mis pasos los que seguían otra dirección, por eso sentí el frío de la nada, el escalofrío de la piel al buscarla, las notas moribundas que no podían formar una canción.
La muerte no puede matarme.
De Vinilos y Otras Glorias MMXXXIII
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Jim Diamond (Double Crossed) 1985
Ya son treinta y tres años desde que este disco comparte las estanterías, y curiosamente, por aquello de... sin ser una joya, sin tener ese marchamo de pieza de museo que se requiere para que no falte, aún consigue que vuelva a él para escuchar un par de canciones que no me pasan de época. Y eso que los discos ochenteros suelen pasar pronto, pero será que algunas cosas te tocan la fibra y ahí se quedan.
El primer trabajo en solitario de Jim Diamond nace marcado por la época; el sonido y lo que te llega es un aroma inconfundible de los ochenta, pero al menos tiene la habilidad de dotar al disco (porque lo de la producción y el sonido no estaba en manos de nadie) de un cierto aire añejo en las composiciones, y eso se nota.
No había venido a este espacio antes porque me daba un poco de no sé qué si se escucha de pronto, para digerirlo y demás, pero al hacerme de nuevo con las ganas de uno de sus temas, ya me he decidido, igual alguno se encandila o los cuatro que siguen esto me dejan solo.
La particular voz de Jim Diamond sí que no sabe de épocas, y canta para las estrellas, porque en eso no hay posibilidad de cambios, y sabe cómo hacer los cambios precisos para que la Música gire en torno a ella, incluso que algunos temas no parezcan nada sin ella. Después del fuego quedan las brasas, que también queman, por cierto, y si sales de eso puedes llegar a abrasar al resto con lo que quieras ofrecer.
En lo musical, los teclados se notan y mucho (volvemos a lo de la época y las producciones) aunque no molestan, y lo que sí está muy logrado es la forma en la que se mete en cada tema el saxo, que aparece y desaparece como mi querido Guadiana pero siempre que está lo hace en el momento justo y le da ese toque entre melancólico y roquero a las canciones que se agradece.
Un disco para escuchar y que no espanta, porque si lo hace ya sabes... adiós muy buenas, pero por lo menos (o serán los recuerdos, ¡¡qué jooooooooooé!!) se pasa un rato tirando a encantador.
SIDE ONE: Double crossed; I sleep alone at night; After the fire; I should have known better; Stamblin' over
SIDE TWO: New generation; Co-Operation; She Is woman; I'm yours; Impossible dream
De Vinilos y Otras Glorias MMXXXII
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Gerry Rafferty (Night Owl) 1979
Las comparaciones son odiosas, y en el mundo de las artes más aún. En mi opinión, "Night Owl" es un álbum de una calidad enorme, bastante más cercano de lo que parece a su predecesor en la carrera de Gerry Rafferty, "City To City", pero como el artista arrastraba ese aura de negros presagios que cubrió toda su carrera y su vida, el bombazo de éste trabajo no permitió ver la luz que iluminaba el que nos ocupa.
No es nada nuevo en la Música, un trabajo inmenso que queda apagado por los fuegos de artificio (aunque sean reales, no gratuitos) de otro previo; quizás las injusticias con ciertos artistas se ceban un poco más, quizás la marca de lo trágico ya se ve incluso antes de salir, pero la verdad es que escuchar este disco es una gozada, y de las buenas, por mucho que se infravalore.
La textura y la idea, que es lo más importante, no varía casi nada de la parte retomada de su carrera, porque Gerry Rafferty volvió a nacer musicalmente a finales de década demostrando el inmenso talento que tenía, y en este disco continúa demostrándolo. El tremendo comienzo con "Days Gone Down" marca descaradamente la pauta de todo lo que viene después, y cada nota del vinilo nos acerca un poco a este músico que no supo controlar lo que no era la Música, y así acabó.
Maravillosas melodías entrelazadas, guiadas por la voz suave y dulce de Rafferty, momentos delicados que marcan un ritmo continuo que se te mete sin esfuerzo, golpeando con delicadeza los sentidos en un conjunto de sonidos que es un todo, sin excesos instrumentales pero con una bestial armonía en lo que suena, especialmente dominando los temas más calmados, que producen una sensación de bienestar enorme.
Un gran músico y un gran disco, no la continuación de... sino una nueva obra de muchos quilates, con una calidad compositiva incuestionable y una transmisión al vinilo perfecta, dejando claro el dominio de la Música personal que tenía.
Para creyentes sin límites, un disco que se disfruta sin esfuerzo, lleno de matices y con el sello de un gran artista.
SIDE ONE: Days Gone Down; Night Owl; The way that you do It; Why won't you talk to me; Get It right next time
SIDE TWO: Take the money and run; Family tree; Already gone; The tourist; It's gonna be a long night
De Vinilos y Otras Glorias MMXXXI
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Gualberto (Gualberto) 1978
Lo de la fecha es algo indicativo, o más bien una guía de cuando salió la edición de este disco. Y no es porque no esté documentado, que quizás lo está, sino porque el trabajo que nos acompaña es una recopilación de piezas que formaron parte de una historia que quiso ser (y lo fue, ¡¡no se dude de ello!!) una visión sobre el nacimiento del Rock en Andalucía.
Dicho esto, lo que queda más que evidenciado es la magia de un artista único, un "rara avis" en el panorama musical de un país mediocre que contaba con cuentagotas con genios como éste que le dieron la oportunidad de salir de la cueva de lo que se pretendía como auténtico y que no era más que basura dirigida desde el poder establecido.
No es que ahora la cosa esté mejor, por mucho que los popes de la cultura se empeñen en hacernos creer que las ideas y el talento fluyen con la facilidad con la que ellos rellenan sus discursos de mierda, por eso piezas como esta son un bálsamo para entender (el que quiera, por supuesto) de lo que eran capaces algunos extraños personajes a pesar de todo y de todos.
La calidad de lo que se expone está fuera de toda duda, la maravillosa recreación de las ideas que Gualberto guardaba en su mente aparecen como un manantial de agua fresca y cristalina en un desierto apocalíptico, y la calidad de su Música y lo impensable de lo que acaba siendo real en estos surcos es simplemente mágico.
Lo que se echa en falta es una duración mayor de la grabación que se nos ofrece, pero ya comienza a ser un logro que exista, por lo que eso es hasta un detalle menor dentro del conjunto. Rock, Prog., exhibiciones de Música con un clasicismo que abruma, detalles de Blues y la voz entrecortada del artista metiéndote en todo lo que cree y que entrega como un maná al peregrino.
No es más de lo que hay y nada menos es eso, la base de muchas cosas que no existían porque no podían hacerlo, y que sin embargo iluminados como Gualberto se empeñaban en crear porque creían, buscándolo dentro de la magia que da eso que llamamos, en ocasiones, Música.
Cara "A": Flying in the sky; A weird wedding song; The birth of the 1st spring flower; Move on Blues; Ballad of the "tecnicos"
Cara "B": Guitar; The old man Is shoring; I feel tired; Behind the stars; Flying in the sky; Flamenco
De Vinilos y Otras Glorias MMXXX
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Osamu Kitajima (Benzaiten) 1974
Parece claro que hay dos fechas para asumir el lanzamiento del álbum, este 1974 que hemos elegido y el 1976 al que otros se añaden.
Una vez superada su etapa en USA y sin el seudónimo por el que era conocido, en el año 1974 Osamu Kitajima (ya con su nombre japonés) editó este "Benzaiten", una preciosa gema que se superpone a cualquier estilo y que resulta una belleza extraída de la perfecta conjunción de la Música tradicional japonesa con los estilos más vanguardistas de la época de su creación, como el Prog. el Space Rock y los sonidos alternativos con base electrónica.
Lo que sí trasciende por encima de los propios instrumentos (que se mezclan sin pudor y con unos resultados brillantes sean clásicos del Rock o clásicos de épocas pasadas) es la voz, a la que Osamu Kitajima otorga un protagonismo especial a pesar de su brevedad en las canciones, consiguiendo un sonido que te lleva entre fantasmagóricos paisajes donde los sueños son la guía para tus propias ideas arropadas por la Música.
Excelso instrumentista, especialmente con la guitarra consigue momentos tremendos, manejando de manera impresionante los parámetros del Rock con efectos y distorsiones, eclécticos riff y solos desgarradores, para cambiar a sonidos que te alejan de la época y se convierten en un viaje a través de siglos de historia.
Se sienten en sus canciones sus años bebiendo de las fuentes de la Música en un país donde todo era posible, zambulléndose en esa etapa de Psycho y libertad creativa en los sonidos más libres, para poder, en este álbum, encajar todo volviendo a sus orígenes en un país como Japón donde las cadenas se rompen cuando la mente decide volar hasta el infinito.
Un trabajo especial, distinto, sorprendente en muchos de sus momentos, con una Música que te envuelve o te provoca pasar página por los recovecos por los que se mueve, pero que consigue no dejar indiferente.
SIDE ONE: Benzaiten; Taiyo; Tengu
SIDE TWO: Benzaiten (Reprise); Whomn
De Vinilos y Otras Glorias MMXXIX
Desde el lugar donde lo prohibido comienza a tener sentido
Grupa S B B (S B B) 1974
Al final es lo que tiene, que por suerte la Música, nuestra Música, es infinita, y nos puede deparar una tras otra sorpresas que llenan los sentidos y no saben de límites, como debe ser.
Una sorpresa más que agradable la reedición en vinilo de esta obra que traspasa fronteras (literal) y ayuda a creer a pesar de todo lo que nos dan para que parezca imposible.
"S B B" es el álbum de presentación (al menos el que ellos tenían como presentación oficial en su discografía, porque el grupo existía desde mucho antes) de la banda polaca Grupa S B B, isla en el océano de su país en una época, la comunista, donde todo podía ser considerado ajeno a la realidad.
Nacidos como grupo en la zona de la Alta Silesia, esta primera demostración de Música deja los sentidos desencajados y con ganas de saber por qué no hay más de todo esto, porque al menos el que suscribe necesita estas andanadas que siendo lo que es, Música de altísima calidad, te permite abrir tus sentidos de manera superlativa.
Disco en directo en el cual el Prog. agresivo, abrasivo y salvaje, mezclado con dosis de jazzy clásico y algún que otro envite de Pop Rock al uso, llena el espacio y se adueña de todo lo que pueda significar silencio. Dos temas, uno por cara, que sirven para demostrar la calidad inmensa como músicos de este Power Trío brutal y sin complejos, en los cuales se permiten recorridos sin mesura a través de líneas trazadas en momentos de lirismo friki rompiendo cualquier capacidad de reacción que pueda significar lógica.
El líder y carismático Jósef Skrek, multi instrumentista y compositor excelso, deja las introducciones para demostrar que la base clásica está ahí, como pan de vida de la formación de los músicos del este de Europa que engañaban a quienes pretendían encadenar el talento, y tras los minutos de espera en la calma, invita a sus compañeros a volar en la libertad más absoluta, con el bestia de Antymos Apostolis desgarrándote la piel a base de distorsiones y juegos de pedales con su guitarra, un talento puro y friki (brutal el solo de la primera cara y más aún la introducción sin freno de la segunda, donde todo se escapa de este mundo)
La batería, aporreada con saña por Jerzy Piotrowski se encarga de que las tripas no descansen, saltando cada vez que golpea sus tambores.
Un disco para extraer de nuevo esa parte de la mente que no cree en lo fácil, lo habitual, lo que debe ser, y que además nos muestra una nueva perspectiva de algo tan universal como maravilloso.
Side A: Odlot
Side B: Wizje
viernes, 7 de septiembre de 2018
Mick Ronson (FBI - Slaughter on 10th Avenue) With "Ian Hunter's Band"
Algunos logran que lo prohibido siempre tenga sentido
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